Jak obrazy znanych artystów stały się częścią mody, kształtując nowy styl XX wieku

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Związki sztuki i mody określają konkretne momenty w historii. Oba te media odzwierciedlają zmiany społeczne, gospodarcze i polityczne od szalonych lat dwudziestych do tętniących życiem lat osiemdziesiątych. Oto cztery przykłady artystów i projektantów mody, którzy poprzez swoją pracę pomogli ukształtować nowe spojrzenie na sztukę i modę XX wieku.

1. Halston i Warhol: Bractwo Mody

Przyjaźń Roya Halstona i Andy'ego Warhola określiła artystyczny świat. Zarówno Roy, jak i Andy byli liderami, którzy utorowali drogę do uczynienia artysty / projektanta celebrytą. Usunęli pretensjonalne piętno świata sztuki i przynieśli masom modę i styl. Warhol kilkakrotnie wykorzystywał sitodruk do tworzenia obrazów. Choć na pewno nie wymyślił procesu, zrewolucjonizował ideę masowej produkcji.

Roy używał tkanin i wzorów, które były proste i eleganckie, a jednocześnie efektowne dzięki użyciu cekinów, ultras i jedwabiu. Był jednym z pierwszych, którzy uczynili amerykańską modę dostępną i pożądaną. Obaj pozostawili swój ostateczny ślad w sztuce i stylu lat 60., 70. i 80., który trwa do dziś.

Zarówno Roy, jak i Andy pracowali razem przy wielu różnych projektach. Warhol stworzył kampanie reklamowe, w których pojawiały się ubrania Halstona, a nawet samego Halstona. Z kolei Halston wykorzystywał kwiecisty print Warhola w niektórych swoich kolekcjach odzieży, od sukien wieczorowych po zestawy rekreacyjne.

Roy używał w swoich ubraniach prostych wzorów, co czyniło je bardzo udanymi. Były wygodne w noszeniu, ale także miały odrobinę luksusu dzięki tkaninom, kolorom i nadrukom. Warhol uprościł również swoje materiały i procesy. Ułatwiło to reprodukcję jego prac i sprawiło, że stały się one bardziej zbywalne.

Sukces komercyjny miał swoje własne wyzwania dla obu artystów. Halston jako pierwszy nawiązał współpracę z siecią handlową JCPenney w 1982 roku, co wpłynęło na jakość jego marki. Warhol spotkał się również z krytyką, gdyż jego twórczość była postrzegana jako powierzchowna. Jednak obaj zmodernizowali swoje wykorzystanie detaliczne i marketingowe w swoich przestrzeniach, aby stworzyć marki do sprzedaży na rynku masowym.

Roy i Andy byli częstymi gośćmi w Studio 54. Organizowali imprezy, projektowali i produkowali prace dla takich gwiazd jak Liza Minnelli, Bianca Jagger czy Elizabeth Taylor. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w ich twórczości, ponieważ zainspirowali i zdefiniowali erę disco lat 70-tych.

Halston był znany z tworzenia błyszczących strojów wieczorowych. Roy ułożył cekiny poziomo na tkaninie, tworząc połyskujący efekt materiału, którego używał do tworzenia luksusowych kreacji uwielbianych przez wiele wytwornych pań.

Seria Warhol Diamond Dust Shoe ilustruje również życie nocne Studio 54 i mieszkających tam celebrytów. Diamentowy pył jest tym, co zastosował na szablonach lub obrazach, tworząc dodatkowy element głębi dla dzieła. A jego buty były pierwotnie pomysłem na kampanię reklamową Halstona. W każdym razie ci dwaj wnieśli ogromny wkład w modę, pozostawiając po sobie niezatarty ślad. Rzeczywiście, nawet dzisiaj wielu współczesnych projektantów inspiruje się pomysłami Andy'ego i Roya, tworząc wspaniałe kolekcje z echami przeszłości.

2. Sonia Delaunay: Kiedy sztuka staje się modą

Sonia Delaunay nie tylko zrewolucjonizowała nową formę kubizmu, ale także wprowadziła połączenie sztuki i mody. Zarówno Delaunay, jak i jej mąż byli pionierami orfizmu i eksperymentowali z różnymi formami abstrakcji w sztuce. Jako pierwsza w swoim rodzaju wykorzystała swój własny styl artystyczny i przeniosła się do świata mody, wykorzystując swoje oryginalne projekty tekstylne, nadruki lub wzory. Jest bardziej znana ze swojej sztuki i związku z mężem niż ze swojej mody. Jej styl odegrał ważną rolę w latach dwudziestych, a jej katalog ubrań jest bardziej pamiętany ze względu na fotografie i odniesienia do jej sztuki niż same ubrania. Dla Sonyi istniała i nie ma granicy między sztuką a modą. Dla niej są jednym i tym samym.

Swoją działalność modową rozpoczęła w latach dwudziestych, tworząc ubrania dla klientów i projektując tkaniny dla producentów. Sonya nazwała swoją wytwórnię Simultaneous i poszła jeszcze dalej, używając koloru i wzoru na różne tematy. W jej pracach ważną rolę odgrywała równoczesność, a jej niezwykła technika przypominała patchworkową kołdrę lub tkaniny z Europy Wschodniej: kolory nakładały się na siebie, a wzory tworzyły harmonię i rytm. Jej wspólne motywy to kwadraty/prostokąty, trójkąty i ukośne linie lub kule, które nakładają się na siebie w różnych projektach.

Delaunay była młodą kobietą w epoce edwardiańskiej, kiedy gorsety i konformizm były normą. Zmieniło się to w latach dwudziestych, kiedy kobiety zaczęły nosić spódnice za kolano i luźne, dopasowane ubrania. Ten aspekt widać w projektach Delaunay, której pasją było tworzenie ubrań dopasowanych do potrzeb kobiet. Sonya opracowała stroje kąpielowe, które pozwalają kobietom czuć się bardziej komfortowo, nawet podczas uprawiania sportu i pływania. Swoje odbitki umieszczała na płaszczach, butach, czapkach, a nawet samochodach, wykorzystując dowolną powierzchnię jako płótno. Jej projekty zapewniały swobodę ruchu i ekspresji poprzez kolor i kształt.

Przez całą swoją karierę nieustannie próbowała czegoś nowego, w wyniku czego przeniosła się do kina i teatru. Sonia zaprojektowała kostiumy do The Little Parisianian Rene Le Somptier, a jej mąż wykonał scenografię do filmu. Lubiła geometryczne kształty, zręcznie je łącząc i mieszając ze sobą, tworząc dziwaczne wzory i łamane linie, które stały się jej znakiem rozpoznawczym.

3. Współpraca między Elsą Schiaparelli i Salvadorem Dali

Awangarda sztuki surrealistycznej łączy się z liderem surrealistycznej mody. Salvador Dali i projektantka mody Elsa Schiaparelli współpracowali i inspirowali się nawzajem przez całą swoją karierę. Stworzyli kultowe stylizacje, takie jak Lobster Dress, The Shoe Hat i The Tear Dress, które zaszokowały i zainspirowały publiczność zarówno w sztuce, jak i w modzie. Dali i Schiaparelli utorowali drogę do przyszłej współpracy między projektantami mody i artystami, wypełniając lukę między tym, co uważa się za sztukę do noszenia, a modą. Dali używał homarów jako powracającego tematu w swojej pracy i interesował się ich anatomią.

Sukienka „Omar” jest wspólnym dziełem Elsy i Dali, a ich powstanie wywołało wiele kontrowersji nie tylko w dniu swojego debiutu, ale także po jego zakończeniu. Po pierwsze, ma przezroczysty gorset i białą spódnicę z organzy. Niezwykły strój dosłownie wysadził świat mody, wywołując w tej kwestii wiele kontrowersji. Użycie białego sukna również kontrastuje z czerwonym kolorem homara. Biel można uznać za dziewicę lub symbolizować czystość w porównaniu z czerwienią, co może oznaczać relaks, siłę lub niebezpieczeństwo.

Szkielety to kolejny motyw znaleziony w sztuce surrealistycznej i zostały wykorzystane w większej liczbie kolaboracji między Dali i Schiaparellim. Sukienka Skeleton była pierwszą w swoim rodzaju. Elsa zastosowała technikę zwaną trapunto, w której dwie warstwy tkaniny są ze sobą zszywane, tworząc kontur, w który wstawia się mrugnięcie, tworząc w ten sposób efekt wypukłości. Ta technika tworzy teksturowaną powierzchnię na płaskiej tkaninie, dając złudzenie, że ludzkie kości wystają przez sukienkę. Wywołało to skandal, ponieważ sukienka została wykonana z elastycznego materiału, który przylegał do skóry. Fantazje obrazów i rysunków Dalego zostały ucieleśnione w nierealnym świecie strojów Schiaparelli, które do dziś robią niezatarte wrażenie zarówno na widzach, jak i projektantach.

4. Yves Saint Laurent: Zderzenie sztuki i inspiracji

Gdzie przebiega granica między naśladownictwem a uznaniem? Krytycy, publiczność, artyści i projektanci starali się określić, gdzie przebiega ta linia. Jednak jeśli chodzi o Yves Saint Laurenta, jego intencje były niczym innym jak pochlebstwem i podziwem dla artystów i obrazów, których używał jako inspiracji. Patrząc na swoje obszerne portfolio, Saint Laurent inspirował się kulturami i sztuką z całego świata, które z powodzeniem wkomponował w swoje ubrania.

Chociaż Yves nigdy nie spotkał artystów, którzy go zainspirowali, nie powstrzymało go to przed tworzeniem dzieł sztuki na znak szacunku dla nich. Laurent czerpał inspirację z takich artystów jak Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque i Picasso. Był kolekcjonerem sztuki i kolekcjonował obrazy Picassa i Matisse'a, które powiesił w swoim domu.

Yves wziął niektóre motywy artystyczne i przekształcił je w oszałamiające ubrania, które są hołdem dla niektórych z jego ulubionych artystów. Lata 60. to czas rewolucji i komercji, nowa era mody i sztuki. Projekty Saint Laurenta odniosły komercyjny sukces, gdy zaczął czerpać inspiracje z pop-artu i abstrakcji. W 1965 stworzył dwadzieścia sześć sukienek inspirowanych abstrakcyjnymi obrazami Pieta Mondriana. Suknie ucieleśniały wykorzystanie przez Mondriana prostych kształtów i odważnych podstawowych kolorów. Yves zastosował technikę, w której między warstwami tkaniny nie było widocznych szwów, co dawało wrażenie, że ubrania stanowią jedną całość. Saint Laurent wziął sztukę Mondriana z lat dwudziestych XX wieku i sprawił, że można ją nosić w porównaniu z latami sześćdziesiątymi.

Modne sukienki to klasyczne przykłady stylu lat 60. Były podobne do ubrań z lat 20., które były mniej ciasne i miały rękawy i rąbki, które odsłaniały duże płaty skóry. Kwadratowe sylwetki Saint Laurent sprawiły, że kobiety poczuły się lekkie i wolne. To również doprowadziło go do inspiracji artystami pop-artu, takimi jak Tom Wesselman i Andy Warhol. Stworzył linię projektów inspirowanych pop-artem, które zawierały sylwetki i wycięcia na jego ubraniach. Chodziło o przezwyciężenie ograniczeń abstrakcji w sztuce i komercjalizację designu. Laurent połączył te dwa pomysły, aby stworzyć ubrania dla kobiet, które są wolne i atrakcyjne dla nowoczesnych kobiet.

Kurtki Vincenta Van Gogha Saint Laurenta są przykładem tego, jak Yves połączył inspirację artysty z własnymi talentami projektowymi. Podobnie jak inne jego ubrania, motywy związane z artystami nie były kopiowane i wklejane na ubrania Saint Laurenta. Zamiast tego postanowił wykorzystać je jako źródło inspiracji i stworzyć dzieła, które odzwierciedlają jego własny styl. Kurtka jest przykładem stylu lat 80-tych, który wyszywany jest słonecznikami w malowniczym stylu Van Gogha.

Laurent współpracował z Maison Lesage, liderem w haute couture. Kurtka "Słoneczniki" jest haftowana rurkowymi koralikami. Kwiaty wypełnione są różnymi odcieniami pomarańczy i żółtych iskier. Tworzy to wielowymiarową teksturę podobną do techniki Van Gogha nakładania grubej farby na płótno. Szacuje się, że jest to jeden z najdroższych artykułów haute couture, jakie kiedykolwiek wyprodukowano i sprzedano w Christie's za prawie czterysta tysięcy euro. Saint Laurent utorował drogę do noszenia odzieży jako dzieła sztuki samo w sobie, niezależnie od mody i okresu.

Kontynuując temat, czytaj również o co doprowadziło Saeko Yamaguchi do sukcesu, czyniąc ją jedną z najbardziej ukochanych muz Kenzo i Yamamoto.