Talent i dramat życia artysty Caravaggia - okrutnego człowieka z okrutnych czasów

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Gorący temperament Caravaggia był równie sławny jak jego płótna. Był okrutnym człowiekiem, ale żył w okrutnych czasach. Jego niekonsekwencja ujawnia się w jego biografii (często brał udział w czynach przestępczych i był więziony) i trwa w jego twórczości (głęboki realizm i skrajne okrucieństwo przejawiały się nawet w utworach religijnych, co prowadziło do niejednoznacznej oceny kościoła jako odbiorcy te obrazy).

Dramat życia

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 września 1571 - 18 lipca 1610) - kontrowersyjny i jeden z najbardziej wpływowych artystów XVI wieku.

Mówiąc o biografii, należy zauważyć, że wszystkie dramatyczne wydarzenia znalazły odzwierciedlenie w kolorach i tematach jego płócien. Dramat rozpoczął się niemal natychmiast po narodzinach artysty, które miały miejsce na tydzień przed bitwą pod Lepanto, krwawym konfliktem, w którym tureccy najeźdźcy zostali wygnani z chrześcijaństwa. Kiedy Caravaggio miał sześć lat, dżuma dymienicza przeszła przez jego życie. Chociaż artysta i jego rodzina wycofali się do wioski Caravaggio, w październiku 1577 jego ojciec, dziadek, babcia ze strony ojca i wuj zmarli na dżumę. Do 1592 roku, w wieku 21 lat, Caravaggio stracił również matkę i młodszego brata. Według pisarza Andrew Grahama-Dixona, autora biografii Caravaggia z 2011 roku: „On nie może uciec przed przestępczością. Jak tylko patronuje mu szlachetna osoba, pozdrawia Papież, zapraszają Rycerzy Maltańskich, musi zrobić coś, aby wszystko zepsuć. To prawie fatalny błąd”. Rzeczywiście, pomimo talentu i błyskotliwej pracy, Caravaggio musiał wiele przezwyciężyć. Po śmierci wszystkich bliskich artysta przeniósł się do pracy w Mediolanie i utrzymywał się z malarstwa portretowego.

Przeniósł się do Rzymu, ale jego kariera była krótkotrwała. Caravaggio zabił mężczyznę podczas bójki i uciekł z Rzymu. Zmarł wkrótce potem, 18 lipca 1610 r. Mediolan pod koniec XVI wieku był miejscem niebezpiecznym, okrutnym. To była sceneria do pokusy i prowokacji młodego i już straumatyzowanego temperamentu artysty. Po udziale w mordzie artysta uciekł do Rzymu w 1592 roku i pozostał tam do 1606 roku. Tutaj Caravaggio spędził kilka miesięcy jako asystent malarza Giuseppe Cesari, popularnego malarza fresków. Od Cesariego Caravaggio nauczył się przedstawiać kwiaty i owoce w tle, co pozwoliło mu zwrócić uwagę na szczegóły i niuanse martwych natur.

Również w Rzymie jego twórczość stała się popularna dzięki technice tenebryzmu - wykorzystaniu cienia do podkreślenia jasnych obszarów. Czas Caravaggia w Rzymie zakończył się dramatycznie. Caravaggio był zamieszany w liczne brutalne zbrodnie i wypadki i często bronił się przed oskarżeniami. W jednym z najbardziej uderzających epizodów, 24 kwietnia 1604, Caravaggio rozpoczął bójkę z kelnerem, podczas której rozbił sobie twarz talerzem. Emocjonalna natura Caravaggia i problemy z prawem osiągnęły punkt kulminacyjny 28 maja 1606 roku, kiedy Caravaggio zabił swojego byłego przyjaciela Ranuccio Tomassoniego, prawdopodobnie w kontekście pojedynku o jego drugą żonę. Caravaggio uciekł z Rzymu, zanim postawiono mu formalne oskarżenia o morderstwo: został skazany na bezterminowe wygnanie, skazany jako morderca, a następnie skazany na śmierć.

Artysta spędził następnie dziewięć miesięcy w kontrolowanym przez Hiszpanię Neapolu, docierając tam we wrześniu 1606 roku. W tym okresie Caravaggio zaczął bardziej eksperymentować z kolorem i kontrastem. W 1607 Caravaggio przeniósł się na Maltę i otrzymał patronat generała Fabrizio Sforza Colonna. Podczas pobytu na Malcie Caravaggio osiągnął wielki sukces i rozgłos, a 14 lipca 1608 został powołany do Zakonu Kawalerów Maltańskich. Jego twórczość z tego okresu jest charakterystyczna (znowu życie się zmienia) – zaczął malować szybszymi pociągnięciami i używał bardziej czerwonawo-brązowych odcieni. Artysta powrócił na Półwysep Apeniński tylko po to, by umrzeć.

Wpływ

Chociaż artyście przypisano tylko 21 prac, Caravaggio wywarł ogromny artystyczny wpływ na swoich kolegów w tamtych latach i dziś. W 1605 inni rzymscy artyści zaczęli naśladować jego charakterystyczny styl. Rembrandt i Diego Velazquez włączyli dramatyczne efekty świetlne Caravaggia do swoich własnych prac. Styl Caravaggia szybko zyskał wiernych zwolenników „caravaggistów”, którzy wypełniali swoje kompozycje jego zasadami sztuki malarskiej. Twórczość Caravaggia ukształtowała twórczość wielu późniejszych artystów, od Rembrandta w Holandii i Diego Velazqueza w Hiszpanii po Theodore'a Gericaulta we Francji. Jego dramatyczny zmysł produkcji i innowacyjne podejście do światła i cienia zainspirowały również wielu czołowych twórców filmowych, w tym Pier Paolo Pasoliniego i Martina Scorsese. Caravaggio został zidentyfikowany jako przykład późnego stylu manierystycznego lub jako zwiastun epoki baroku.

Motywy religijne

Caravaggio uczłowieczył boskie osobowości, czyniąc je ludźmi z niższej klasy. W ten sposób Caravaggio skrytykował zarówno wyidealizowane postacie włoskiego renesansu, jak i rzymskie tradycje klasyczne. Czasami jego „naturalizm” był zbyt wielki dla jego patronów. Uważano, że jego portret postaci religijnych graniczy czasem z „wulgarnością”. Ale oddając prawdę, jego obrazy były w stanie przekazać głębokie emocje i duchowość. Przez 5 lat jego obrazy religijne uważane były za najbardziej spektakularne w Rzymie. Jego naturalistyczny styl musiał dobrze odpowiadać potrzebom katolickiej sztuki kontrreformacyjnej, jak ustalił Sobór Trydencki, ale niektóre z nich zostały uznane przez władze kościelne za zbyt okrutne i zostały odrzucone. Artysta tak realistycznie zobrazował krwawe dramaty z odległej świętej przeszłości, jakby rozgrywały się one w naszych czasach. Podkreślał ubóstwo i wspólne człowieczeństwo Chrystusa i jego wyznawców, apostołów, świętych i męczenników. Akcentując ich podarte ubrania i brudne stopy. Opracował również oryginalną technikę światłocienia, wykorzystując skrajne kontrasty światła i ciemności, aby podkreślić szczegóły gestu lub mimiki: wyciągniętą rękę, wyraz rozpaczy lub tęsknoty.

„Nawrócenie Saula”

Nawrócenie Saula jest jednym z dwóch obrazów, które zlecił Tiberio Serazi, skarbnik Klemensa VIII (panujący 1592-1605) do swojej kaplicy w kościele Santa Maria del Popolo w Rzymie. Kolejnym obrazem było „Ukrzyżowanie św. Piotra”. Prace te – obie nadal wiszą w kaplicy – były wersjami drugimi, ponieważ pierwsze wersje Caravaggia zostały odrzucone. Inna wersja mówi, że sam Caravaggio, po odkryciu, że kaplica, do której był przeznaczony pierwszy obraz, została przebudowana, uznał ją za nieodpowiednią dla nowej przestrzeni architektonicznej i postanowił inaczej przedstawić akcję. Obraz opisuje epizod, który przydarzył się Saulowi (przyszłemu Apostołowi Pawłowi) w drodze z Jerozolimy do Damaszku i jest opisany w Nowym Testamencie (Dz 9,3-7). Caravaggio uchwycił moment, w którym Saul leży na ziemi, spadł z konia, oszołomiony upadkiem i oślepiony oślepiającym blaskiem. To światło symbolizuje Głos Boga. I to właśnie to światło, przewyższające słońce, będzie przede wszystkim charakteryzować Caravaggia. Światło ma taką intensywność, że poza nim wszystko jest ciemnością. Najbardziej uderzająca jest postać konia: zajmując całą górną i środkową część obrazu, narusza klasyczny kanon sztuki, który zabrania zwierzęcia na obrazie historycznym lub religijnym. Jak zawsze Caravaggio demonstruje swoje mistrzostwo w chiaroscuro, cieniowaniu, które dodaje objętości figurom, oraz tenebrism, dramatyczne użycie cienia i światła, aby skupić uwagę widza na kluczowych obszarach jego pracy. Po jego śmierci te elementy malarskie staną się znakiem rozpoznawczym „karawagizmu” i będą inspirować artystów w całej Europie.

W archiwum kościoła Santa Maria del Popolo znajduje się zapis ciekawego dialogu proboszcza kościoła z artystą: – Dlaczego masz konia pośrodku, a Szaweł, przyszły apostoł Paweł, leży na ziemia? Ty Boże?- Nie, ona jest oświetlona tylko boskim światłem.

Chociaż Caravaggio został zapomniany po jego śmierci, ostatecznie stał się uznanym ojcem założycielem nowoczesnego malarstwa. Był kluczowym artystą w przejściu sztuki od suchej manieryzmu do nowego stylu baroku, który wpłynął na okres renesansu i wielu przyszłych mistrzów, od Diego Velazqueza do Rembrandta.