Co każdy kulturalny człowiek musi wiedzieć o 5 kultowych obrazach XIX-wiecznych romantycznych obrazów

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Niewiele okresów w historii Europy przyniosło tak znaczące zmiany społeczne i kulturowe, jak jedyny rok 1848 (nazwany później Wiosną Ludów), który zapoczątkował na kontynencie rewolucje nacjonalistyczne. Był to szczyt romantyzmu, który zdefiniował XIX-wieczną europejską sztukę i politykę.

Odnosząc się do wyimaginowanej przeszłości, romantyzm uwydatnił wcześniej ignorowaną spuściznę. Jeśli klasycyzm dążył do odtworzenia i naśladowania surowego piękna Cesarstwa Rzymskiego i starożytnej Grecji, to romantyzm czerpał inspirację z zapomnianych europejskich legend i tradycji ludowych. To dzięki romantycznym obrazom ludzie odkrywali swoją chwalebną przeszłość i widzieli przebłyski jaśniejszej przyszłości.

Idea „narodu” jest stosunkowo nowa: jest to romantyczna koncepcja ukuta przez niemieckich filozofów w XIX wieku, a nie spuścizna przeszłości. Podczas gdy polityczny romantyzm koncentrował się na narodowej emancypacji, sztuka XIX wieku odzwierciedlała tę samą ideę w muzyce, literaturze i malarstwie. Ze wszystkich mediów dostępnych artystom malarstwo stanowiło najlepsze medium do przedstawiania tak płynnych pojęć, jak duch narodowy i historia. W czasach, gdy wielu Europejczyków było analfabetami i ledwie interesowało się narodową przeszłością, obrazy historyczne budowały mosty między nacjonalizmem a obojętnością.

Sztuka XIX wieku powoli i konsekwentnie podążała drogą narodowej emancypacji. Małe ludy, wciśnięte między potężne imperia, były szczególnie podatne na te nowe trendy. W ten sposób romantyczne obrazy zastąpiły historię wyidealizowanym przedstawieniem marzeń politycznych. Artyści przedstawili narodowych przodków w swoich wersjach tradycyjnych strojów, podkreślając ich heroizm i nie przywiązując dużej wagi do autentyczności. Obrazy historyczne (często monumentalnych rozmiarów) były wersjami współczesnych XIX-wiecznych plakatów filmowych: żywych, bogatych, wciągających i często podobnych. Kolejne pięć arcydzieł opowiada tę samą historię europejskiego romantycznego nacjonalizmu pięciu różnych narodów, których poglądy na historię i przyszłość nie były zbieżne. Jednak ich wspólne romantyczne portrety zdawały się dobrze uzupełniać.

1. Mihai Munkachi

Kiedy zmarł Mihai Munkachi (1844-1900), dopiero jego pogrzeb wyprowadził na ulice połowę Budapesztu. Jak na ironię, ostatni węgierski malarz romantyczny zmarł na przełomie XIX i XX wieku, pozostawiając po sobie szereg arcydzieł. Wśród wielu jego dzieł poświęconych tematyce historycznej wyróżnia się najbardziej powielony z jego romantycznych obrazów – „Podbój Ojczyzny”.

Odwołanie się Mihaia do decydującego epizodu w historii narodu węgierskiego nie jest przypadkowe. Cóż może być bardziej dramatycznego i ważniejszego dla romantycznego artysty niż przybycie Madziarów do Europy Środkowej na początku X wieku? Po osiedleniu się na nizinach basenu karpackiego plemiona węgierskie rzekomo zawarły układ ze Świętopełkiem I. Oszukując słowiańskiego władcę, by dał ziemię, trawę i wodę ich przywódcy Arpadowi, Węgrzy „kupili” ziemię od Słowian.

W anachroniczny sposób romantyczny obraz Munkacsich wypełniają postacie zgromadzone na skraju lasu, których ubiór nie przypomina prawdziwych historycznych strojów noszonych przez miejscowych Słowian czy węgierskich przybyszów w X wieku. Podobnie majestatyczny biały koń Arpada jest artystycznym wyrazem jego energii, siły i znaczenia. Historycznie w Europie Wschodniej panowały wówczas znacznie mniejsze i silniejsze rasy koni. Żywe kolory Mihaia, a także jego dbałość o szczegóły, nadają obrazowi nowoczesnego ducha. Fryzury i ubrania odzwierciedlają romantyczną węgierską modę, w tym wspaniałe wąsy, które nosili wszyscy mężczyźni wokół Arpad. Tworząc obraz do budynku węgierskiego parlamentu, Munkácsi zakończył swoją pracę w 1893 roku, na zawsze utrwalając legendę, która mówi więcej o idei narodu niż o przeszłości.

2. Oton Iveković

W dążeniu do przedstawienia momentów definiujących kraj, węgierscy artyści romantyczni nie odbiegali daleko od Słowian, których Arpad rzekomo oszukał. Niesamowicie podobna fabuła zawładnęła innym romantycznym umysłem. Tym razem artystą był nikt inny jak chorwacki miłośnik folkloru Oton Ivekovic (1869-1939).

Z wykształcenia realizm akademicki, swoje umiejętności rozwijał w Wiedniu i Zagrzebiu. Opętany słowiańską historią swojej ojczyzny, Otho wyobrażał sobie przybycie Chorwatów jako własną refleksję na ten temat. Zignorował każdą chorwacką „teorię migracji”, skupiając się na reprezentacji narodowej.

W rezultacie jego romantyczny obraz ożywia zanikający obraz średniowiecznego królestwa chorwackiego, przedstawiając legendarne przybycie siedmiu braci i sióstr do morza. Szaty bohaterów, a także nienaturalnie jasna sceneria nie na próżno przypominają scenerię teatralną. Otho był przecież projektantem kostiumów, którego historyczne obrazy były często sprzedawane jako pocztówki wszystkim grupom ludności.

W przeciwieństwie do innych kolegów, Iveković używał alegorii oszczędnie, koncentrując się na dużych emocjach i przekazując bezpośrednią wiadomość: na poszarpanych skałach górujących nad błękitną wstęgą morza przyszły naród chorwacki stawiał pierwsze kroki w kierunku państwowości – marzenie polityczne ucieleśnione w zdjęcie. Do dziś historyczne płótna artysty zajmują poczesne miejsce w podręcznikach historii i kulturze popularnej.

3. Franciszek Żenisek

W 1891 roku Frantisek Zhenisek (1849-1916), czeski artysta nacjonalistyczny i romantyczny, stworzył znaczące dzieło poświęcone na wpół mitycznym spotkaniom i narodowym legendom. Podobnie jak wielu innych romantyków, zwrócił się do swojej historii narodowej, a dokładniej do swojego romantycznego spojrzenia na tajemniczą przeszłość Czechów.

Według starej legendy Libuše była najmłodszą córką mitycznego władcy, który panował w Czechach. Mimo że jej ojciec wybrał ją na swoją następczynię, Libuše napotkała sprzeciw mężczyzn z jej plemienia, którzy zażądali jej małżeństwa. Zamiast wybrać szlachcica ze swojego plemienia, zakochała się w prostym chłopie Przemyślu.

Posiadając wyjątkowy dar jasnowidza, Libuche nakazała szlachcie odszukać chłopa, którego widziała w swojej wizji, i sprowadzić go do pałacu. Przemyśl został przywódcą i założycielem czeskiej dynastii królewskiej, która przez wieki rządziła krajem. Libuše przepowiedziała założenie Pragi, powstanie narodu czeskiego i cierpienie, które w końcu będzie musiało znosić.

Historia widzącej królowej urzekła całe pokolenie młodych czeskich nacjonalistów. Kiedy Bedřich Smetana skomponował muzykę do pierwszej opery narodowej Libuše, inni artyści poszli w jej ślady. Zhenishek z kolei zwrócił się do tej historii o miłości, proroctwie i nacjonalizmie w swoim romantycznym obrazie Dziedzictwo Libuszy i oracza Przemysła.

Podobna do Chrystusa postać z wyciągniętymi ramionami i skromnym zachowaniem, legendarny założyciel pierwszej czeskiej dynastii królów, spotyka na skraju pola Libuše, który pochyla się do oracza, prosząc o jego rękę. To właśnie ten decydujący epizod w historii narodu czeskiego ostatecznie doprowadził do czeskiego odrodzenia narodowego.

4. Jan Matejko

Na Wschodzie, w Polsce, romantyczny nacjonalizm przybrał tragiczny obrót. Podczas gdy inni Słowianie skupiali się na chwalebnych wydarzeniach ze swoich legend, wielu polskich malarzy romantycznych opłakiwało utratę swego niegdyś potężnego państwa.

Podzielona przez trzy mocarstwa europejskie zjednoczona Polska stała się marzeniem wyrażonym w wielu arcydziełach XIX-wiecznej sztuki. „Reitanie. Upadek Polski” (Upadek Polski) Jan Matejko (1838-1893) opowiada w tajemnicy obrazu historię minionej tragedii.

Stworzony w 1866 roku, kiedy Jan miał zaledwie dwadzieścia osiem lat, romantyczny obraz przedstawia rozpaczliwy protest Tadeusza Reitana, posła na Sejm, który był świadkiem pierwszego rozbioru Polski w 1773 roku. W przeciwieństwie do bogato ubranego tłumu po jego lewej stronie, Tadeusz leży rozciągnięty na podłodze, z łokciem opartym na szkarłatnej draperii i rozdartej koszuli, odsłaniającej pierś. Nad nim wznosi się majestatyczny portret przedstawiający cesarzową Rosji Katarzynę Wielką.

Podczas gdy Reitan blokuje ścieżkę i uniemożliwia innym członkom Sejmu odejście, patrzą na niego z mieszaniną udręki, poczucia winy i wstydu. Tragedię tej sceny potęguje świadomość, że był to dopiero pierwszy z trzech rozdziałów, które wymazały Polskę z mapy Europy przed końcem I wojny światowej.

Yang malował prawdziwe postacie historyczne, a nie na wpół mitycznych bohaterów legend. Jednak nawet w tym pozornie historycznym obrazie nacjonalistyczny romantyzm jest obecny w wzmożonych emocjach postaci, w dramatycznej pozie samego Tadeusza iw dziwnie teatralnym przedstawieniu wydarzenia, które zadecydowało o tragicznych losach Polski. Uważany za kontrowersyjny przez współczesnych i krytykowany nie za przedstawianie upadku, ale sprzedaż Polski, Reitan Jana Matejki jest obecnie uważany za jedno z najsłynniejszych polskich dzieł sztuki.

5. Gheorghe Tattarescu

W południowo-wschodniej Polsce inny naród świętował swoje odrodzenie w trakcie odrodzenia sztuki nacjonalistycznej. Utworzona w 1859 r. Rumunia świętowała swoją niezależność od Osmanów i narodową unię w sztuce dziełem przedstawiającym długo oczekiwane przebudzenie narodowe. Rumuński artysta, który stał się rewolucjonistą, wyraził swoje nadzieje na przyszłość swojego państwa w romantycznym obrazie zatytułowanym „11 lutego 1866 – Nowoczesna Rumunia”.

Gheorghe Tattarescu (1818-1894), jeden z najbardziej wszechstronnych intelektualistów rumuńskich połowy XIX wieku, poszedł za przykładem Jacquesa Louisa Davida i jego portretu rewolucji francuskiej. Gheorghe, wykształcony we Włoszech, wychowany w Mołdawii i wyszkolony do malowania ikon przez swojego wuja, jest wyjątkowym przykładem romantycznego artysty z kręgu kulturowego postbizantyjskiego prawosławia. Łącząc neoklasycyzm i romantyzm, udało mu się przekazać przesłanie pełnego nadziei odrodzenia.

Kobieta reprezentująca Rumunię trzyma nową flagę narodową, która powiewa za nią. Zerwane łańcuchy zwisają jej z kostek i nadgarstków, gdy wznosi się w niebo. W tle słońce wschodzi nad małymi kościołami i skalistymi wąwozami.

Obraz sytuuje się pomiędzy emocjonalnymi burzami Delacroix a neoklasycznym spokojem Davida. Jest to jednak wciąż teatralne przedstawienie narodowego dramatu nałożonego na wizję przyszłości. Podobnie jak „Grecja na ruinach Missolonghi” Delacroix, jest to kolejna fikcyjna opowieść o ludziach, którzy powstali z osławionych popiołów.

Ale pod koniec XIX wieku obrazy historyczne straciły na popularności. Pierwsza wojna światowa, upadek imperiów europejskich i powstanie nowych niepodległych państw wysunęły na pierwszy plan inne kierunki artystyczne. Jednak romantyczne obrazy pozostały w pamięci ludzi. Dzieła Munkacciego, Ivekovica, Jeniseka, Matejki, Tattarescu i wielu innych podobnych artystów XIX wieku do dziś kształtują zbiorową wyobraźnię. Reprodukcje tych prac, często spotykane w podręcznikach, ukształtowały pokolenia ludzi na lepsze lub gorsze.

Sztuka romantyczna zawsze skupia się na wizjach, a nie rzeczywistości, projektach, a nie przyjętych faktach. W serii romantycznych obrazów można prześledzić wysokie aspiracje nacjonalistów, którzy często odbiegali od siebie i swoich narracji historycznych.

Romantyzm to romantyzm, ale zawsze chcesz jeść. Przynajmniej tak myślą artyści którzy szczęśliwie przedstawiają jedzenie?, patrząc na to, apetyt może się rozwinąć.