Skąd kataloński geniusz surrealizmu czerpał inspirację do swoich niepowtarzalnych obrazów: Joan Miró

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Joan Miró stał się jednym z najbardziej wpływowych artystów awangardowych XX wieku w Europie. Był inspirowany surrealistycznymi i kubistycznymi ruchami, które pojawiły się w Europie na przełomie wieków i kontynuował rozwój własnego, charakterystycznego stylu, tworząc niezwykłe, a czasem kapryśne dzieła.

Joan Miró był wpływowym XX-wiecznym malarzem, rzeźbiarzem, ceramikiem i grawerem, który urodził się w 1893 roku w katalońskim regionie Hiszpanii, niedaleko Barcelony. Zaczął malować jako dziecko, a później uczęszczał do szkoły biznesu oraz Szkoły Sztuk Pięknych La Longja.

W młodości zapoznał się z bogatym folklorem Katalonii, co później wpłynęło na jego obrazy, w których widział wszystkie naturalne formy jako stworzenia, w tym kamyki i drzewa. Podczas wizyty w Muzeum Katalonii w Barcelonie zapoznał się także z wykonanymi wnętrzami kościołów z freskami z IX-XII wieku, z ich stosunkowo surowym wykonaniem oraz prostymi, płaskimi i karykaturalnymi obrazami.

Wszystkie te elementy widać w pracach artysty, jak również zastosowanie różnic w skali, gdzie jeden kształt jest nieproporcjonalnie większy od innych, techniki często stosowanej przez dzieci, gdy przedmioty dla nich najważniejsze stają się największymi obiektami w obraz.

Po trzech latach w szkole biznesu Joan dostała pracę jako księgowa w aptece, którą wybrali dla niego rodzice. Tam przepracował się i poważnie zachorował, bliski „załamania nerwowego”, po którym nastąpił atak tyfusu. Następnie jego rodzice zabrali go do swojej nowej wiejskiej farmy Montroig, położonej w ustronnej katalońskiej wiosce. Jego stan zdrowia zmusił rodziców, by pozwolili mu robić to, na co najbardziej miał ochotę - malować. Uczęszczał do Gali Academy w Barcelonie (miłosnej wolności akademii, na którą wpływ mieli współcześni artyści zagraniczni, gdzie interesował się również literaturą i muzyką). Nauczył się także malować dotykiem, a nie wzrokiem.

W okresie dadaizmu Ferrat zaczął czytać awangardowych poetów surrealistycznych, takich jak Apollinaire i Pierre Reverdi. Poznał Josepa Llorensa y Artigasa, który stał się jego wieloletnim przyjacielem i z którym miał współpracować w kolejnych latach przy projektach garncarskich. Joan był również pod wpływem fowizmu (w szczególności Henri Matisse) i kubizmu, który rozpoczął się na początku XX wieku, początkowo preferując malowanie martwych natur.

Od 1915 do 1918 malował nagość, potem portrety i pejzaże. A potem zaczął geometryzować formy i używać kolorów niezależnie od ich istnienia w naturze (jak Fauves, którzy używali jasnych kolorów, niewidocznych w naturze). Zaczął też szukać znaków i symboli przedstawiających ludzi i zwierzęta w napięciu lub w ruchu. W młodości największy wpływ wywarli na niego Paul Cezanne, Manet, Claude Monet i Vincent Van Gogh. Galeria Dalmau w Barcelonie była miejscem spotkań zagranicznych gości. To właśnie tam Joan poznała Francisa Picabię, malarza dadaistycznego.

Przez całe życie był pod wpływem jego katalońskiego dziedzictwa, takich jak dekorowana katalońska ceramika i katalońskie freski, które zostały odrestaurowane w latach 20. XX wieku i pomalowane płaskimi wzorami w stylu ludowym. Z czasem zaczął skłaniać się ku surrealizmowi.

Miró wystawiał swoje prace na surrealistycznych wystawach i był szczególnie pod wpływem surrealistycznych poetów, którzy w swoim dążeniu do penetracji podświadomości grali w takie gry jak Exquisite Corpse w celu komponowania poezji. Exquisite Corpse (Consequences) to technika polegająca na przekazywaniu słownictwa grupie poetów, z których każdy wybrał losowo słowo. Jakiekolwiek słowa się pojawiły, ułożyły się w wierszu. Tak powstało wyrażenie „Exquisite Corpse”. Wykorzystywali także techniki automatyzmu umysłowego (np. wolne skojarzenia) i „systematycznego zaburzenia uczuć”.

W rezultacie Joan i inni artyści opracowali sposób przeniesienia tych technik do swojego środowiska wizualnego, wykorzystując swoje marzenia i wolne od wizualnych skojarzenia. W tym czasie Ferrat namalował około stu obrazów ze swoich snów i był to jego najbardziej surrealistyczny okres. Ilustrował także poezję surrealistyczną we współpracy z poetami.

Po przeprowadzce do Paryża twórczość Joanny przeszła wielkie zmiany: przeniósł się do bardziej symbolicznych form (np. hieroglify), geometrycznych kształtów i ogólnego rytmu. Jego formy obejmowały koty, motyle, manekiny i katalońskich chłopów, a w jego obrazach był wizualny ruch.

Później zaczął malować figury zapożyczone z katalońskiej sztuki ludowej oraz obrazy oparte na pocztówkach niektórych holenderskich wnętrz, które widział w Holandii, takich artystów jak Jan Steen. Obrazy, nad którymi pracował, były przepełnione formami. Joanna stopniowo uprościła formy i mocno wycięła obraz, stosując w kompozycjach geometryczne podziały i zginające ruchy.

Następnie zakończył pierwszą fazę swojej twórczości i zaczął kwestionować i ponownie oceniać swoją pracę przez następne dziesięć lat, które były dla niego zmaganiami finansowymi i artystycznymi. Zaczął eksperymentować z materiałami - tworzył kolaże z papierowych materiałów i kolaże, wykorzystując obrazy zwykłych przedmiotów, takich jak sprzęty domowe, samochody, a także prawdziwe gwoździe, liny itp. Ten okres eksperymentów pomógł mu odrzucić wszelkie tradycyjne praktyki i pozbyć się ich znajome szczegóły i technik w pracy.

Używając przedmiotów, które nie mają znaczenia, artyści mogą skoncentrować się na abstrakcyjnych właściwościach przedmiotów, a nie na towarzyszących im znaczeniach czy emocjach, co pozwala na większą swobodę formalną. Te neutralne przedmioty, nieposiadające szczególnej wartości estetycznej ani znaczenia, odwracają uwagę od podmiotu i kierują ją na formę i treść obrazu. Po stworzeniu takich kolaży Miro przeniósł obraz kolażu na płótno.

Chociaż Miro jest często opisywany jako artysta abstrakcyjny, sam uważał, że tak nie jest – uważał nawet za obrazę nazywanie swojej pracy abstrakcją, ponieważ przekonywał, że każda forma na jego obrazach opiera się na czymś ze świata zewnętrznego, po prostu uproszczony do charakterystycznych biomorficznych kształtów i zakrzywionych linii.

Podczas hiszpańskiej wojny domowej było wiele okrucieństw popełnionych przez faszystowskie wojska Franco, jak to przedstawił Picasso w swojej słynnej Guernicy. Pomimo tego, że Miro nie był artystą politycznym, jego formy w tym czasie przedstawiają pewną brutalność, zniekształcenie i krzykliwy kolor. Stworzył fresk do pawilonu hiszpańskiego na paryskiej wystawie „Żniwiarz”.

W latach 40-41 rozpoczął swoją słynną serię 22 konstelacji, składających się z czarnych kropek przedstawiających gwiazdy na białym tle, używając gwaszu i rozcieńczonego oleju na papierze. W czasie II wojny światowej artysta przebywał w Hiszpanii, a na jego twórczość zaczęła wpływać noc, muzyka i gwiazdy. Jego formy stały się jeszcze bardziej abstrakcyjne, a w swoich pracach zastosował szereg technik, na przykład, gdy linie się przecinały, pojawiała się plama koloru głównego, gdy nakładały się na siebie czerwień i czerń, pojawiał się żółty.

Kilka lat później powrócił do malarstwa, nadając swoim obrazom walory kaligraficzne, a w wieku 44 lat zaczął zdobywać międzynarodową sławę dzięki retrospektywnej wystawie w Museum of Modern Art w Nowym Jorku i obecności na Międzynarodowej Wystawie Surrealistów w Nowym Jorku. Paryż, zorganizowany przez Marcela Duchampa i André Bretona.

Po wystawach został zaproszony do zamówienia muralu do hotelu w Cincinnati w stanie Ohio. A potem zrobił kolejny mural dla szkoły podyplomowej na Harvardzie. W latach czterdziestych malował także „figurki z patyków”, aw latach pięćdziesiątych jego obrazy zawierały kształty, które przypominały prymitywne piktogramy. Malował ceramikę i rzeźbił z gliny małe figurki przypominające prymitywne boginie płodności oraz proste wazony z ptakami i głowami. Jego styl i technika ulegały ciągłym zmianom, wnosząc do jego pracy nowe i ciekawsze pociągnięcia i kierunki.

Przeczytaj także o jak dziwaczne dzieła Salvadora Dali z czasem stały się najbardziej prawdziwymi arcydziełami biżuterii, których koszt dosłownie się przewraca.