Słynne suknie w malarstwie, po których można ocenić, jaka była moda epoki

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Od niepamiętnych czasów sztuka i moda wpływały na siebie nawzajem, zmuszając krytyków i fashionistów do uważnego śledzenia nowych trendów, pośpiesznie zastępujących się nawzajem. I podczas gdy niektórzy oceniali obraz pod kątem parametrów technicznych, inni pobiegli do krawców, aby wkrótce zdobyć sukienkę dokładnie taką, jak bohaterki przedstawione na płótnach.

1. Renesans

Renesans był czasem ożywienia kulturalnego i artystycznego, ponieważ klasycyzm dokonał rewolucyjnego powrotu do społeczeństw europejskich. Jednak w tym okresie nastąpiły również znaczące zmiany w modzie. Zobacz, jak słynne suknie na obrazach wpłynęły na modę w okresie renesansu.

„Portret pary Arnolfinich” Jana van Eycka to jeden z głównych elementów studium tkaniny w malarstwie portretowym. Szmaragdowo-zielona wełniana szata kobiety i rękawy z gronostajami świadczą o statusie rodzinnym, gdyż tylko bogaci mogli sobie pozwolić na taki materiał. Wełna, jedwab, aksamit i futro były rzadkie i droższe w produkcji niż bawełna czy len i były symbolem statusu i bogactwa. Jednym z najbardziej kontrowersyjnych pytań dotyczących obrazu jest to, czy przedstawiona kobieta (prawdopodobnie żona Arnolfini) jest w ciąży. Renesansowe spódnice były tak bujne i ciężkie, że kobiety podnosiły je, aby ułatwić poruszanie się.

Dodane zaokrąglone fałdy sukienki również pokazują tendencję do przedstawiania kobiet z wyraźnym brzuchem, ponieważ sugerowały poczęcie dzieci podczas małżeństwa. Innym tego przykładem jest Les Très Riches Heures du Duc de Berry braci Limburg. Na obu obrazach kobiety są przedstawione z bardziej zaokrąglonymi brzuchami. Wspaniała Księga Godzin Księcia Berry przedstawia wesele i jest porównywalna z portretem Arnolfini, ponieważ obie kobiety w oczekiwaniu na ciążę projektują obraz macierzyństwa. Bez patrzenia na obraz z nowoczesnej perspektywy, można go potraktować jako zapis tego, co nosiły kobiety i co było ważne, by ludzie mogli pokazać innym.

2. Epoka baroku i rokoka

Epokę baroku i rokoka charakteryzuje wykwintny wystrój, dekadencja i żartobliwość. Tendencje te przejawiały się nie tylko w sztuce, ale także w modzie poprzez misterne zdobienia i luksusowe suknie. Rzuć okiem na niektóre ze słynnych sukienek inspirowanych sztuką.

Dbałość o szczegóły i ubiór nieznanej artystki sprawia, że Elizabeth Clark Frick (Pani John Frick) i Little Mary to ważne nagranie purytan z Nowej Anglii. W tym stylu Elizabeth nosi delikatne amerykańskie tkaniny i dodatki z XVII wieku. Jej biały koronkowy kołnierzyk wskazuje na popularną europejską koronkę spotykaną wśród arystokratek. Spod jej sukienki widać aksamitną halkę wyszywaną złotem, a rękawy zdobią wstążki. Kobieta ma również biżuterię: naszyjnik z pereł, złoty pierścionek i bransoletkę z granatów, co z kolei mówi o statusie i dobrobycie. Obraz ten oferuje wyjątkową perspektywę na purytańskie życie Elżbiety i jej rodziny.

Warto też zwrócić uwagę na fakt, że artyście w skromnej oprawie udało się po mistrzowsku połączyć obrazy bogactwa. Obraz wyraźnie pokazuje bogactwo Elżbiety, podkreślając jej najlepsze ubrania i biżuterię. Odzwierciedla również bogactwo jej męża, Johna Fricka, który mógł sobie pozwolić na spełnienie każdej zachcianki swojej żony, kupując jej różnego rodzaju stroje i biżuterię. Ponadto obraz symbolizuje ich purytańską postawę wdzięczności wobec Boga, bo bez Jego błogosławieństwa nie mogliby mieć takiego luksusu.

Huśtawka Jean-Honore Fragonarda jest przykładem stylu rokoko w kręgach francuskiej arystokracji. Obraz powstał na prywatne zamówienie, gdy francuski dworzanin poprosił artystę o namalowanie portretu własnego i swojej kochanki. Pomimo tego, że obraz był przechowywany za zamkniętymi drzwiami, zdradza on luksus, frywolność i tajemniczość francuskiego dworu królewskiego.

Pastelowa różowa sukienka wyróżnia się wśród bujnego ogrodu i jest w centrum uwagi. Jean pomalowała sukienkę luźnymi pociągnięciami pędzla, które naśladują szerokie spódnice i marszczony gorset jej sukienki. Jego luźny pędzel pasuje do fabuły tej idyllicznej sceny ogrodowej wypełnionej zalotnymi i kapryśnymi obrazami.

Jego malarstwo pokazuje również trendy panujące na francuskim dworze w modzie. Rokoko przekroczyło modę, sztukę i architekturę, tworząc coś wyjątkowo francuskiego. Moda rokoko obejmowała najbardziej luksusowe tkaniny, w tym pastelowe jedwabie, aksamity, koronki i wzory kwiatowe, a także nadmierną ilość kokardek, klejnotów, falban i ozdobnych ozdób, aby stworzyć wygląd, na którym dworzanie i goście mogliby się zwinąć. mają głowy. Styl określał różnicę między biednymi a bogatymi, gdyż arystokracja mogła sobie pozwolić na luksus wykwintnych tkanin i ozdób. Dla kobiet noszących te stroje inspirowane rokokiem obraz jest uosobieniem francuskiego dworu królewskiego przed rewolucją.

3. Słynne sukienki na obrazach XIX wieku

W XIX wieku nastąpiło artystyczne przejście od neoklasycyzmu do wczesnego modernizmu, ustępując miejsca stylom i szkołom myślenia. W tym stuleciu nastąpiła również zmiana w modzie. Czytaj dalej, aby zobaczyć, jak obrazy wpłynęły na pojawienie się słynnych sukienek i stylów, które były zauważalnie bardziej nowoczesne niż wcześniej.

Sztuka dla sztuki związała się z Symfonią w bieli nr 1 Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera, który zamierzał nadać obrazowi duchowy sens. Krytycy jednak tego wszystkiego nie widzieli, ponieważ obraz przedstawiał kochankę artysty ubraną w jasną białą sukienkę. W rezultacie ten portret stał się skandaliczny. W XIX wieku odzież damska często zawierała halkę z krynoliny wykonaną ze stali. Kobiety nosiły również gorsety wśród wielu innych elementów bielizny, aby móc tworzyć szersze spódnice.

„Kobieta w bieli” to zupełne przeciwieństwo tego, co było wówczas modne i głośne. Przedstawiona na zdjęciu sukienka głównego bohatera była rodzajem bielizny, którą mógł zobaczyć mąż lub kochanek, ponieważ wierzono, że takie ubrania są bardzo łatwe do zdjęcia. Dla Whistlera jego muza miała być częścią przyjemnej dla oka sceny. Przedstawił Hiffernan tak, jak ją zobaczył, a dla widzów w tym czasie obraz był zarówno mylący, jak i trochę nieprzyzwoity. Jednak wraz z nadejściem 1900 roku taka sukienka stała się normą do codziennego noszenia.

James Tissot stworzył wiele obrazów przedstawiających modę kobiecą pod koniec XIX wieku. Wyprzedzał europejską modę i jest znany z malowania swoich przedmiotów z myślą o najnowszych trendach w modzie. Moda damska zaczęła się zmieniać wśród młodych dam w Paryżu i Londynie pod koniec XIX wieku. Szerokie i ciężkie spódnice ich wiktoriańskich poprzedniczek zostały zastąpione węższymi z bufiastymi plisami z tyłu.

Na obrazie „Miss Lloyd” bohaterka jest ubrana w sukienkę, jaką nosiło się wówczas w społeczeństwie, podkreślając wąską talię i figurę klepsydry. „Portret Kathleen Newton” (jego ówczesna towarzyszka) jest całkowitym przeciwieństwem wizerunku panny Lloyd. Artystka przedstawiła kobietę w sukience, jakby promieniowała ospałością i uwodzeniem. Jednak obie kobiety mają wokół siebie szczególny urok i tajemniczość. Sama suknia symbolizuje ówczesne różnice w kulturze popularnej. Jeden obraz jest tradycyjny i konwencjonalny, podczas gdy drugi jest szczerze intymny i skandaliczny dla widzów w XIX wieku.

John Singer Sargent stworzył wizerunek kobiety, który choć nie do przyjęcia dla jego czasów, stał się jednym z jego najbardziej rozpoznawalnych i szanowanych obrazów. To portret Madame Virginie Gautreau, amerykańskiej piękności zmieszanej z francuskim społeczeństwem. Wywołało to taki skandal, że sam John musiał wyjechać z Paryża do Londynu.

Jej gorset jest wyjątkowo skierowany w stronę podbrzusza. Ostry, głęboki dekolt w szpic i wysadzane koralikami ramiączka ledwo zakrywają ramiona i odsłaniają to, co uważano za intymne części kobiety, nieodpowiednie do publicznego eksponowania. Prezentacja obrazu przez Sargenta na Salonie Paryskim w 1884 roku wywołała oburzenie krytyki i widzów, gdyż nie wypada, aby zamężna kobieta z wyższych sfer była w tak prowokacyjnej formie. Publiczności w Salonie wydawało się, że bohaterka obrazu ma na sobie bieliznę, a nie sukienkę. A reputacja Gautreau w oczach ludzi zaczęła spadać do zera, ponieważ wielu uważało ją za osobę nieprzyzwoitą. Ostatecznie Sargent usunął jej imię z portretu, zmieniając je na „Madame X”.

4. Słynne sukienki na obrazach XX wieku

Sztuka XX wieku skupiała się na abstrakcji i ekspresji, ulegając znaczącym zmianom wraz z nowymi stylami i tematami. Doprowadziło to również do eksploracji nowych form i syntezy mody i sztuki. Pokazane są tutaj słynne suknie, które pojawiały się na obrazach w XX wieku.

Złota suknia Adele Bloch-Bauer wyróżnia się spośród reszty stroju z wyższych sfer jej czasów. Zamiast przedstawiać kobietę z wyższych sfer odpoczywającą w ogrodzie lub czytającą na kanapie, Klimt przekształca Adele w postać z innego świata. Jej sukienka to wirująca postać wypełniona trójkątami, oczami, prostokątami i ikonografią. Nie ma śladów prostego sznurowania gorsetów ani warstw odzieży. Modern zawiera motywy natury i mityczne obrazy. Dotyczy to również mody bohemy, którą sam Gustav nosił i wykorzystywał w różnych innych obrazach.

Często malował rysunki stworzone przez projektantkę mody Emily Flege. Nie jest tak dobrze znana w świecie mody jak jej współcześni czy poprzedniczki, ale dobrze radziła sobie w tworzeniu mody dla kobiet swoich czasów. Czasami była to współpraca, ponieważ Gustav używał jej słynnych sukienek w wielu innych swoich obrazach.

Tamara Lempicka stworzyła portrety eksplorujące kobiecość i niezależność w latach 20. XX wieku. Artystka Art Deco stała się znana z portretów celebrytów, które badały stylizowaną i wypolerowaną formę kubizmu, która stała się jej znakiem rozpoznawczym. Ira Perrault (bliska przyjaciółka i prawdopodobnie kochanka Łempickiego) jest postrzegana jako dosłowna manifestacja muzyki w La Musicienne. To, co wyróżnia obraz, to przedstawienie niebieskiej sukienki. Ostra technika rzucania cieni Tamary z jej bogatą paletą kolorów nadaje sukience ruch, dzięki czemu wydaje się unosić w powietrzu. Krótki rąbek sukienki i falujące plisy wciąż przywodzą na myśl modę lat 20., która była punktem zwrotnym w modzie damskiej. Kobiety nosiły sukienki odsłaniające nogi i ramiona oraz plisowane spódnice, które ułatwiały taniec.

Tamara była inspirowana i studiowana przez mistrzów renesansu i wykorzystywała podobne tematy z nowoczesnym podejściem. Tradycyjnie błękit można zobaczyć na strojach Matki Boskiej na obrazach średniowiecznych lub renesansowych. Ultramaryna była rzadka i była używana do znaczących obrazów.

W prace Fridy Kahlo wplecione są kolorowe i ręcznie robione meksykańskie tkaniny. Przyjęła te ubrania jako część swojej spuścizny i nosiła je na licznych autoportretach i fotografiach. Słynne sukienki przedstawione w Dwóch Fridach symbolizują jej związki z obiema stronami jej europejskiego i meksykańskiego dziedzictwa.

Frida po lewej odzwierciedla swoje wychowanie w rodzinie z wyższej klasy średniej. Jej ojciec pochodził z Niemiec, a życie domowe jako dziecko zawierało zachodnie zwyczaje. Biała koronka sukienki symbolizuje styl popularny w modzie europejskiej. Ta westernizowana wersja kontrastuje z prawicowym pragnieniem Fridy, by przyjąć swoje meksykańskie dziedzictwo poprzez noszenie tradycyjnego stroju. Te ubrania są czymś, do czego zachęcał jej mąż Diego Rivera, zwłaszcza w ich walce o zmianę kraju. Sukienka pokazała jej dumę z noszenia lokalnych i tradycyjnych ubrań z Meksyku.

Ubrania Kahlo to ważny aspekt jej życia i pracy. Po tym, jak jako dziecko zachorowała na polio i jedna noga stała się krótsza od drugiej, kolorowe spódniczki stały się dla niej sposobem na ukrycie nogi w taki sposób, aby uchronić ją przed badaniem. W garderobie artysty znajdowały się sukienki tehuana, bluzki huipil, rebozo, kwiatowe nakrycia głowy i zabytkowa biżuteria. Te części garderoby dla Kahlo są ilustracją jej miłości, bólu i cierpienia, które włączyła do swojej pracy.

O, jak kimono zmieniało się na przestrzeni wieków i jaką rolę odegrała w sztuce i nowoczesnej modzie, przeczytaj następny artykuł.