Co przekupiło bogate i znane kolekcje mody niezwykłej kubańskiej Isabel Toledo?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Zaledwie kilka miesięcy temu zmarła Isabel Toledo, kubańsko-amerykańska projektantka, która zasłynęła na całym świecie dzięki pomysłowo udrapowanym ubraniom, które opisała jako „płynną architekturę”. I nic dziwnego, że kreowane przez nią kreacje w mgnieniu oka stały się jednymi z ulubionych strojów bogatych i sławnych, w tym publicznie wiecznych osobowości.

Maria Isabel Izquierdo urodziła się w 1960 roku w Kamazuani na Kubie. Toledo jest prawdopodobnie najbardziej znane z stworzenia inauguracyjnego zespołu Michelle Obamy w 2009 roku, sukienki i płaszcza w kolorze trawy cytrynowej z wełny i koronki. Zaczęła szyć w wieku ośmiu lat, wkrótce po tym, jak jej rodzina opuściła rewolucyjną Kubę, by przenieść się do zachodniego Nowego Jorku w stanie New Jersey. W liceum Isabelle poznała swojego przyszłego męża, kubańskiego emigranta Rubena Toledo. Tak rozpoczęła się ich historia miłości i współpracy. Ruben ilustrował i szkicował, podczas gdy Isabelle szyła i drapowała ubrania znane ze swojej elegancji i pomysłowości.

W latach szkolnych para często odwiedzała Manhattan, gdzie stopniowo nawiązywali nowe znajomości z bardzo popularnymi ludźmi, takimi jak Joey Arias z Fiorucci, Andy Warhol, Halston, Patricia Field i wiele innych luminarzy designu i sztuki. Toledo zadebiutowała w pierwszej linii na Danceteria w 1984 roku, w tym samym roku, w którym ona i Ruben pobrali się. W 1998 roku Toledo rozważnie zdecydowała się zrezygnować ze standardowego formatu kolekcji ubrań co dwa lata i podążać za własnym harmonogramem twórczym. W kolejnych latach swoją wizję couture prezentowała markom modowym Anne Klein i Lane Bryant, kontynuując tworzenie pod własnym nazwiskiem.

Kilka lat temu Andre Leon Talley z Vogue przyprowadził parę z Toledo do Instytutu Sztuki w Detroit, aby porozmawiać o modzie, stylu i sztuce. Następnie, mniej więcej rok później, Laurie Farrell, kuratorka galerii sztuki współczesnej w DIA, poprosiła Isabelle, aby poprowadziła tam pokaz, a po tym, jak powiedziała jej „Tak!” Toledo entuzjastycznie wybrało się na dwudniową wycieczkę po muzeum i zakochało się w nim. jego kolekcja. Następnie słynny projektant, płonący pomysłami, stworzył interwencje w całym muzeum, poświęcone różnym tematom, na przykład włoskiemu renesansowi, starożytnemu Egiptowi, wczesnemu językowi amerykańskiemu, sztuce afrykańskiej.

Pierwszym impulsem Isabelle było ubrać muzeum. Dosłownie. Jako reakcja nie tyle na konkretne dzieła sztuki, ile na przestrzeń, w tym historię DIA, jej pracowników, kuratorów i stale przez nią przechodzących gości. Toledo podchodził do przestrzeni muzeum jak do żywej istoty. I wtedy zaczęła dostrzegać pewne wzory w różnych kulturach, w różnych okresach i łączyć kropki, widząc, jak w jednej galerii umieszczono Statuetkę Oceanu, a potem zauważyła, że ta sama poza została powtórzona na wczesnym amerykańskim portrecie w innej galerii. „Cała ta historyczna praca z kolekcji muzeum była bardzo pouczająca: każda epoka i kultura, komunikująca się przez wieki, mogła nam teraz powiedzieć coś o tym, jak wszystko zostało zrobione, jakie pomysły zostały docenione” – napisała Isabelle, czując się odpowiedzialna za to, że podobno bierze nad przywództwem cywilizacji.

Zdaniem projektantki odzież może do nas przemawiać w ten sam sposób, a może nawet głębiej, ponieważ dotyczy bezpośrednio ciała. Lniane opaski na głowę używane do mumifikacji zainspirowały parę do stworzenia rzeźby o nazwie Human Remains. Ze słów Isabelle wynikało, że do wykonania tej rzeźby wykorzystano płótno, które doskonale trzyma swój kształt, dobrze zapamiętując kontury ludzkiego ciała. A Ruben z kolei namalował go w taki sam sposób, jak malują i ozdabiają egipski sarkofag, opowiadając nam o zmarłych i ich podróży w zaświaty.

Ponadto wielu widzów, w tym krytyków, zwraca uwagę na jedną z prac zatytułowaną Dismantling Industry / Transitions, która opowiada o pozytywnych zmianach zachodzących w Detroit i o tym, jak miasto całkowicie się odbudowuje. Jak każdy żywy organizm, ludzkość ma zdolność do inkubacji, transformacji i odrodzenia się w nowej formie. Mieszkańcy Detroit są naprawdę lojalni wobec swojego miasta – ich duma i przywiązanie do niego są piękne, silne. Sew Great Detroit jest rozszerzeniem non-profit Alternatives for Girls, programu, który pomaga bezdomnym i zagrożonym młodym kobietom. Sew Great uczy te kobiety sztuki i rzemiosła szycia, pomagając im zbliżyć się do kreatywności i tym samym zapewnić sobie życie. Ponadto uczestnicy tego projektu uszyli serię toreb stworzonych według szkiców Rubena.

Ale seria „Czarna chmura” to kolejna część, która powstała pod wpływem fresków Diego Rivery. To niesamowite dzieło zostało wykonane z pierwszej maszyny do szycia Isabelle, rozłożonej na części i kawałki. Każdy element – śruby, paski, blaszki, a nawet igła do szycia – został zaprezentowany w połączeniu z czarną taftą. Praca sprawia, że widz patrzy w niebo, myśląc, że dzieło jest komentarzem do znikającej siły roboczej przemysłu modowego, kobiet i mężczyzn tworzących niestandardowe ubrania, wielu z umiejętnościami przekazanymi im przez poprzednie pokolenia. Nadmiernie ludzki i delikatny ekosystem mody zginie na zawsze wraz z tym nowym pokoleniem. „Czarna chmura” jest świadectwem końca jednej rzeczywistości, popychając młodych marzycieli do stworzenia nowej.

Do tego wszystkiego w jednym z pokoi wisiały z sufitu czarne sukienki z serii „Praca miłości”; w drugiej były manekiny w rzeźbionych czarnych sukniach z głowami nakrytymi czarnymi kapturami i welonami, reprezentujące celebrację imigracji i integracji różnych kultur w lokalną strukturę społeczną, podczas gdy gdzie indziej była wystawna złota suknia przykryta czarną peleryną - zespół przypominający czarne szaty noszone na figurach Matki Boskiej opłakującej śmierć syna.

Warto również zwrócić uwagę na fakt, że geometryczne kształty zamieniły prosty płaszcz w doskonałą rzeźbę; suknia i żakiet odtworzyły w swoich kształtach sylwetkę pagody, a wieloaspektowy szlif diamentu został odwzorowany na białych, drapowanych sukienkach z wiskozy. Niektóre części garderoby charakteryzowano jako kokon formy, inne jako suknię z przemiennej sałaty, cienkie i zwiewne warstwy jedwabnej gazy z krepy lub drobno udrapowane motywy, które tworzyły na tkaninie coś w rodzaju efektu wodospadu, podczas gdy sukienki z dżerseju i tafty mogły z łatwością zmieniać kształt. ze względu na swoją teksturę i strukturę. Styl pracy Isabelle i jej pasja do innowacyjnego krawiectwa i krawiectwa wzbudziły nieskrywane zainteresowanie opinii publicznej, zmuszając krytyków i historyków mody do częstego porównywania jej z projektantami Charlesem Jamesem i Jeffreyem Beanem.

Nic dziwnego, że Tona pracowała jako dyrektor kreatywny dla Anne Klein w latach 2006-2007, jednocześnie współpracując z największymi sprzedawcami detalicznymi, takimi jak Target, Lane Bryant i Payless ShoeSource. Isabelle projektowała także kostiumy do spektakli, trup i legend tańca, w tym Twyli Tharp i Christophera Wheeldona. Jedna z najnowszych instalacji, które stworzyła, jest centralnym punktem wystawy „Synthetic Cloud” w Detroit Institute of the Arts (DIA), na której znajduje się jedenaście bladoniebieskich paczek ukrywających jaskrawo zabarwione dolne warstwy. Być może tak, legendarna projektantka ubierze teraz anioły, które zabrały ją do nieba 26 sierpnia 2019 roku, w wieku pięćdziesięciu dziewięciu lat.

Przeczytaj także o tym, jak stworzyć odważną, niezwykłą haute couture XX wieku.