9 arcydzieł genialnych artystów, którzy zainspirowali wielkich projektantów mody i stworzyli wyjątkowe kolekcje

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Na przestrzeni dziejów moda i sztuka szły ze sobą w parze, tworząc wspaniałe połączenie. Wielu projektantów mody zapożyczyło pomysły z ruchów artystycznych do swoich kolekcji, co pozwoliło interpretować modę jako formę sztuki, która służy głównie do wyrażania pomysłów i wizji. Pod wpływem tego, niektórzy światowej sławy projektanci mody stworzyli wybitne kolekcje oparte na ruchach artystycznych XX wieku.

1. Madeleine Vionne

Urodzona w północno-środkowej Francji w 1876 roku Madame Madeleine Vionne była znana jako „bogini stylu i królowa krawiectwa”. Podczas pobytu w Rzymie fascynowała ją sztuka i kultura cywilizacji greckiej i rzymskiej, inspirowała się starożytnymi boginiami i posągami. W oparciu o te dzieła ukształtowała estetykę swojego stylu i połączyła elementy greckiej rzeźby i architektury, aby nadać nowy wymiar kobiecemu ciału. Dzięki swoim umiejętnościom drapowania i skośnych sukienek Madeleine zrewolucjonizowała współczesną modę. Często konsultowała się z dziełami sztuki, takimi jak The Winged Victory of Samotrace, w swoich kolekcjach sztuki.

Podobieństwa między arcydziełem sztuki hellenistycznej a muzą Vionne są uderzające. Głębokie drapowanie tkaniny w stylu greckiego chitonu tworzy pionowe smugi światła spływające po sylwetce. Rzeźba powstała w hołdzie Nike, greckiej bogini zwycięstwa, i jest podziwiana za realistyczne przedstawienie ruchu. Płynne drapowanie w projekcie Vionnet nawiązuje do ruchu falującego materiału, który przylega do ciała Nike. Sukienki mogą być jak żywe istoty z duszą, jak ciało. Podobnie jak Skrzydlaty Zwycięstwo z Samotraki, Madeleine stworzyła sukienki, które budzą ukrytą głęboko w sobie ludzką esencję. Klasycyzm, będący zarówno filozofią estetyczną, jak i filozofią projektowania, dał Vionne możliwość przekazania swojej wizji w geometrycznej harmonii.

Fascynowały ją także współczesne ruchy artystyczne, takie jak kubizm. Madeleine zaczęła włączać geometryczne kształty do swoich kreacji i przyjęła inną metodę ich cięcia, zwaną cięciem ukośnym. Oczywiście Vionne nigdy nie twierdził, że wynalazł skośny krój, a jedynie rozszerzył jego zastosowanie. Gdy kobiety poczyniły ogromne postępy w walce o swoje prawa na początku XX wieku, Madeleine broniła ich wolności, usuwając z codziennego noszenia kobiet długowieczny wiktoriański gorset. Stała się więc symbolem wyzwolenia kobiet z niewoli gorsetu, a zamiast tego wypuściła nowe, lżejsze tkaniny, które dosłownie spływały po kobiecych ciałach.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli jest głównym projektantem Valentino i jest bardzo zafascynowany religijnymi dziełami średniowiecza. Punktem wyjścia inspiracji jest dla niego moment przejściowy od średniowiecza do północnego renesansu. Współpracował z Zandrą Rhodes i wspólnie opracowali inspirującą kolekcję wiosną 2017 roku. Piccioli chciał połączyć punkową kulturę późnych lat 70. z humanizmem i sztuką średniowieczną, więc powrócił do swoich korzeni i renesansu, odnajdując inspirację w obrazie Hieronima Boscha Ogród rozkoszy ziemskich.

Słynny holenderski malarz był jednym z najwybitniejszych przedstawicieli renesansu północnego w XVI wieku. W „Ogrodzie rozkoszy ziemskich”, który Bosch namalował przed reformacją, artysta chciał przedstawić Raj i stworzenie ludzkości, pierwszą pokusę Adama i Ewy, a także antycypujące grzeszników piekło. W środkowym okienku ludzie zdają się zaspokajać swoje apetyty w świecie przyjemności. Ikonografia Boscha wyróżnia się oryginalnością i zmysłowością. Cały obraz jest interpretowany jako alegoria grzechu.

W świecie mody obraz zyskał popularność, ponieważ jego motywy fascynowały różnych projektantów mody. Łącząc epoki i estetykę, Piccioli na nowo zinterpretował symbole Boscha za pomocą latających, przezroczystych sukienek, podczas gdy Rhodes stworzył romantyczne nadruki i haftowane wzory nieco podobne do oryginalnych dzieł sztuki. Kolory z pewnością były częścią przesłania, które projektanci chcieli przekazać. W ten sposób kolekcja latających marzycielskich sukienek oparta jest na północnej palecie kolorystycznej jabłek, jasnoróżowych i niebieskich rudzików.

3. Dolce i Gabbana

Peter Paul Rubens po mistrzowsku malował kobiety z miłością, nauką i pracowitością. Przedstawił swoją "Wenus przed lustrem" jako najwyższy symbol piękna. Peter przedstawił wyłącznie jej jasną twarz i blond włosy, które kontrastują z ciemnoskórą pokojówką. Lustro to absolutny symbol piękna, który oprawia kobietę niczym portret, a jednocześnie subtelnie podkreśla nagość postaci. Lustro, które Kupidyn trzyma dla bogini, pokazuje odbicie Wenus jako reprezentację erotycznego pociągu i pożądania. Rubens, który był jednym z twórców sztuki barokowej, i jego koncepcja „kolorów nad liniami” wpłynęła na kilku projektantów mody, w tym Dolce & Gabbana. Styl barokowy odbiegał od ducha renesansu, porzucał spokój i gładkość, a zamiast tego szukał elegancji, podniecenia i ruchu.

Projektanci mody Domenico Dolce i Stefano Gabbana chcieli stworzyć kampanię, która będzie celebrować zarówno zmysłową, jak i romantyczną stronę kobiecego piękna. Peter Paul Rubens był najbardziej odpowiednim źródłem inspiracji. Kreacje kultowego duetu doskonale współgrały ze sztuką flamandzkiego artysty. W tej kolekcji modelki pozowały z wielką szlachetnością, wyglądając, jakby właśnie zeszły z jednego z obrazów Rubensa. Dekoracje zostały zaprojektowane tak, aby przypominały barokowe lustra i haftowane detale. Wdzięk figur i pastelową paletę barw pięknie podkreślała brokatowa różowa sukienka. Wybór projektantów mody, aby uwzględnić różnorodne modele, dodatkowo przyczynił się do typu sylwetki tamtej epoki. Zaokrąglone linie, których używali Dolce i Gabbana, były sprzeczne z dyskryminacją różnych typów ciała w branży modowej.

Kolekcja Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 prezentuje wiele cech włoskiej architektury barokowej. Ta kolekcja doskonale wpisuje się w bogato zdobione cechy stylu baroku sycylijskiego. Projektanci skupili się na architekturze barokowej, którą widać w katolickich kościołach Sycylii. Punktem odniesienia był obraz Rubensa „Portret Anny Austriaczki”. W swoim królewskim portrecie Anna Austriaczka jest przedstawiona w stylu hiszpańskim. Czarną sukienkę Anny zdobią pionowe pasy zielonego haftu i złote detale. Pomysłowo zaprojektowane sukienki i peleryny wykonane z luksusowych tkanin, takich jak koronki i brokat, stały się głównym elementem pokazu Dolce and Gabbana, który podbił świat swoją kreatywnością.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga można nazwać prawdziwym mistrzem, który w XX wieku zreformował modę kobiecą. Urodzony w małej wiosce w Hiszpanii, do swoich współczesnych projektów wniósł esencję hiszpańskiej historii sztuki. Przez całą swoją karierę Balenciaga był pod wrażeniem hiszpańskiego renesansu. Często szukał inspiracji u hiszpańskiej rodziny królewskiej i członków duchowieństwa. Projektantka mody przekształciła przedmioty kościelne i monastyczne szaty z epoki w arcydzieła mody do noszenia.

Jedną z jego wielkich inspiracji był manierystyczny El Greco, znany również jako Dominikos Theotokopoulos. Patrząc na kardynała El Greco Fernando Niño de Guevarę, można dostrzec podobieństwa między peleryną kardynała a projektem Balenciagi. Obraz przedstawia hiszpańskiego kardynała Fernando Niño de Guevarę z czasów El Greco w Toledo. Idee El Greco zostały zapożyczone z neoplatonizmu włoskiego renesansu, a na portrecie tym przedstawia kardynała jako symbol łaski Bożej. Manieryzm jest obecny w całym obrazie. Widać to w wydłużonej sylwetce z małą głową, zgrabnych, ale dziwacznych kończynach, intensywnych kolorach i odrzuceniu klasycznych miar i proporcji.

Pasja Balenciagi do ubrań historycznych jest widoczna w tym ekstrawaganckim płaszczu wieczorowym z jego kolekcji z 1954 roku. Miał wizję i umiejętność wymyślania kształtów w nowoczesny sposób. Przesadny kołnierz tego płaszcza nawiązuje do workowatego stylu kardynalskiej peleryny. Czerwony kolor szat kardynała symbolizuje krew i gotowość umrzeć za wiarę. Żywa czerwień została uznana przez słynnego projektanta za niezwykłą, ponieważ często preferował odważne kombinacje kolorów i żywe odcienie. Jego wielką innowacją było wyeliminowanie talii i wprowadzenie płynnych linii, prostych krojów i rękawów 3/4. W ten sposób Balenciaga zrewolucjonizowała modę kobiecą.

Projektant wprowadził również rękawy o długości bransoletki, które pozwalały kobietom wyeksponować swoją biżuterię. W latach 60., wraz ze stopniowym wprowadzaniem kobiet do branży pracy, Balenciaga wpadł na pomysł, aby zapewnić komfort, swobodę i funkcjonalność kobietom, które ubierał. Promował luźne, wygodne sukienki, które kontrastowały z dopasowanymi sylwetkami dnia.

5. Aleksander McQueen

Austriacki artysta, mistrz symboliki i twórca wiedeńskiej secesji, Gustav Klimt położył podwaliny pod historię sztuki XX wieku. Jego obrazy i estetyka artystyczna od dawna inspirują projektantów mody. Inni, tacy jak Aquilano Rimondi, L'Rene Scott i Christian Dior, projektantem, który bezpośrednio odniósł się do Klimta, był Alexander McQueen. W kolekcji Resort Wiosna/Lato 2013 zaprojektował unikatowe prace, które wydają się być inspirowane twórczością artysty. Patrząc na lejącą się czarną sukienkę z powtarzającym się złotym wzorem na górze - może przyjść do głowy konkretny obraz. McQueen wykorzystał abstrakcyjne, geometryczne i mozaikowe wzory w odcieniach brązu i złota, włączając je do swoich projektów.

W 1905 roku Gustav Klimt namalował obraz „Uścisk”, przedstawiający parę złapaną w delikatnym uścisku, który stał się symbolem miłości. Austriacki artysta znany jest ze swoich złotych obrazów, a także z doskonałego połączenia abstrakcji i koloru obecnego w tych pracach. Wszystkie mozaiki mają bogate złote odcienie z kalejdoskopowymi lub naturalnymi zdobieniami, które miały ogromny wpływ na modę. Ten obraz jest uderzający ze względu na kontrastujące geometryczne kształty między ubraniami dwojga kochanków. Odzież męska składa się z czarnych, białych i szarych kwadratów, natomiast suknię damską zdobią owalne koła i motywy kwiatowe. W ten sposób Klimt po mistrzowsku ilustruje różnicę między męskością a kobiecością. Aleksander zaadoptował coś podobnego do swoich ubrań.

6. Christian Dior

Założyciel impresjonizmu i jeden z największych francuskich malarzy w historii sztuki, Claude Monet pozostawił po sobie wielką spuściznę artystyczną. Wykorzystując swój dom i ogród w Giverny do inspiracji, Monet uchwycił naturalny krajobraz na swoich obrazach. W szczególności w obrazie „Ogród artysty w Giverny” udało mu się manipulować naturalnym krajobrazem zgodnie ze swoimi potrzebami. Kontrast brązowego toru gruntowego z żywym kolorem kwiatów dopełnia scenę. Słynny impresjonista często wybierał kwiat tęczówki ze względu na jego fioletowy kolor, aby stworzyć efekt jasnego słońca. Ten obraz jest pełen życia, gdy kwiaty kwitną i witają, obejmując wiosnę. Płatki róż i bzu, irysy i jaśmin są częścią kolorowego raju przedstawionego na białym płótnie.

W tym samym duchu Christian Dior, pionier francuskiej mody, pozostawił ogromny ślad w świecie mody, który jest odczuwalny do dziś. W 1949 zaprojektował kolekcję haute couture na sezon wiosna/lato. Jednym z głównych punktów tej wystawy była kultowa sukienka Diora, w całości wyszywana płatkami kwiatów w różnych odcieniach różu i fioletu. Dior doskonale zilustrował dwa światy sztuki i mody oraz naśladował estetykę Moneta w tej funkcjonalnej sukience. Spędził dużo czasu na wsi, malując swoje kolekcje w swoim ogrodzie w Granville, tak jak zrobił to Monet. W ten sposób zdefiniował elegancki styl Diora, włączając do swoich kreacji paletę kolorów Moneta i kwiatowe wzory.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian był jednym z pierwszych artystów tworzących sztukę abstrakcyjną w XX wieku. Urodzony w Holandii w 1872 roku założył cały ruch artystyczny o nazwie De Stijl. Celem ruchu było zjednoczenie współczesnej sztuki i życia. Styl ten, zwany też neoplastycyzmem, był formą sztuki abstrakcyjnej, w której łączono wyłącznie zasady geometryczne i kolory podstawowe, takie jak czerwień, niebieski i żółty, z neutralnymi (czarnym, szarym i białym). Innowacyjny styl Pete'a z początku XX wieku zmusił projektantów mody do odtworzenia tego czystego rodzaju sztuki abstrakcyjnej. Najlepszym przykładem tego stylu malarstwa jest Kompozycja z kolorami czerwonym, niebieskim i żółtym.

Miłośnik sztuki, francuski projektant mody Yves Saint Laurent włączył obrazy Mondriana do swoich kreacji haute couture. Po raz pierwszy zainspirował się twórczością Pete'a, gdy przeczytał książkę o życiu artysty, którą dostał od matki na Boże Narodzenie. Projektant wyraził uznanie dla artysty w swojej jesiennej kolekcji z 1965 roku, znanej jako kolekcja Mondrian. Zainspirowany geometrycznymi liniami i odważnymi kolorami artysty, zaprezentował sześć sukienek koktajlowych, które celebrowały jego kultowy styl i ogólnie lata sześćdziesiąte. Każda z sukienek Mondriana była nieco inna, ale wszystkie miały prosty kształt w kształcie litery A i długość do kolan bez rękawów, która była idealna dla każdego typu sylwetki.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, urodzona w 1890 r. w arystokratycznej rodzinie w Rzymie, wkrótce dała wyraz swojej miłości do świata mody. Zaczęła rozwijać swój rewolucyjny styl, inspirowany futuryzmem, dadaizmem i surrealizmem. W miarę rozwoju kariery nawiązywała kontakty z tak znanymi surrealistami i dadaistami, jak Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp i Jean Cocteau. Współpracowała nawet z hiszpańskim artystą Salvadorem Dali.

Jedną z największych kolaboracji w historii mody była współpraca Dali i Elsy Schiaparelli. Ta sukienka została stworzona z Salvadorem Dali jako część cyrkowej kolekcji Schiaparelli latem 1938 roku. Suknia nawiązuje do obrazu Dalego, na którym przedstawiał kobiety o zniekształconych proporcjach ciała.

Dla artystów surrealistów poszukiwanie idealnej kobiety było skazane na niepowodzenie, ponieważ ideał istniał tylko w ich wyobraźni, a nie w rzeczywistości. Jednak nie było intencją Dali, aby realistycznie przedstawiać kobiety, więc ich ciała nie są wcale estetyczne. Schiaparelli chciał poeksperymentować z tą grą ukrywania i odkrywania ciała, tworząc iluzję wrażliwości i niepewności. Suknia z iluzją łez została wykonana z jasnoniebieskiej jedwabnej krepy, oddając hołd Salvadorowi i jego nieproporcjonalnym kobietom.

9. Gianni Versace

Era Pop Artu była prawdopodobnie najbardziej wpływowym okresem dla projektantów mody i artystów w historii sztuki. Andy Warhol był pionierem w łączeniu popkultury i wysokiej mody, czyniąc go ikonicznym symbolem ruchu pop-artu. W latach sześćdziesiątych Warhol zaczął praktykować swoją charakterystyczną technikę znaną jako sitodruk.

Jednym z jego najwcześniejszych i niewątpliwie najsłynniejszych dzieł był Dyptyk Marilyn. W tym utworze inspirował się nie tylko popkulturą, ale także historią sztuki i abstrakcyjnymi ekspresjonistami. Andy uchwycił dwa światy Marilyn Monroe, życie towarzyskie gwiazdy Hollywood i tragiczną rzeczywistość Normy Jeane, kobiety zmagającej się z depresją i uzależnieniem. Po lewej dyptyk wzmaga wibrację, po prawej znika w ciemności i mroku. Próbując reprezentować społeczeństwo konsumpcyjne i materializm, przedstawiał jednostki jako produkty, a nie ludzi.

Włoski projektant Gianni Versace od dawna przyjaźnił się z Andym Warholem. Obaj mężczyźni byli zafascynowani kulturą popularną. Aby uhonorować Warhola, Versace zadedykował mu swoją kolekcję Wiosna/Lato 1991. Jedna z sukienek zawierała nadruki Warhola z Marilyn Monroe. Włożył żywe jedwabne portrety Marilyn i Jamesa Deana z lat 60. do spódnic i sukienek maxi.

A w kontynuacji tematu o modzie, urodzie i nietuzinkowych pomysłach czytaj też o tym jak współcześni artyści zamienili makijaż w prawdziwe dzieło sztuki.