Jak powstały najsłynniejsze obrazy świata: Intrygujące historie obrazów wielkich artystów

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Grigory Landau, dziennikarz i filozof, powiedział kiedyś: „Sztuka to dialog, w którym rozmówca milczy”. Malarstwo to sztuka subtelna, alegoryczna, emocjonalna, dająca swobodę interpretacji. To cały świat nierozwiązanych tajemnic i nierozwiązanych tajemnic. Spróbujmy otworzyć zasłonę tajemnicy nad historią powstania najsłynniejszych obrazów wielkich artystów.

#1. Święty Jerzy i Smok, Paolo Uccello, 1470

W rzeczywistości artysta ma dwie wersje tego obrazu. W tej wersji George pokonuje smoka, którego Piękna Pani trzyma na smyczy. Obraz ma głębokie znaczenie religijne. Według legendy smok osiadł na jeziorze miasta w Libii. Cesarz pogański kazał złożyć mu w ofierze piękne dziewczęta. Gdy w mieście nie było już młodych kobiet, cesarz wysłał do smoka własną córkę. Dzielny wojownik George wyruszył, by ją uratować i pokonał smoka. Księżniczka symbolizuje tu prześladowany Kościół Chrześcijański, smoka – pogaństwo, a George – wiarę chrześcijańską. Istnieją wersje, które George, później uznany za świętego, depcze nie tylko pogaństwo, ale samego diabła, „starożytnego węża”.

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

„J'aime la couleur” to autoportret artysty. Oto jak ujawnia sens swojej pracy: „Kolor jest wszędzie. Wierzę, że kolor to życie. Nasza głowa musi kręcić się po spirali, aby zrozumieć, że wszystko, co nas otacza, to nic innego jak kolory. Kolor to wszechświat, wszechświat to życie, malarstwo to życie”.

# 3. Kąpiel, Jean-Leon Gerome, 1885

Eksperci uważają, że ten obraz i seria podobnych w pracy Hieronima symbolizują „biały” snobizm. Widać to po dynamice postaci przedstawionych na płótnie. Biała kobieta jest dominującym podmiotem, czarna kobieta jest uległa.

#4. Ogród rozkoszy ziemskich, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch to jeden z najbardziej tajemniczych artystów na świecie. Symbolika jego obrazów jest tak zagmatwana, że po prostu niemożliwe jest znalezienie jednego wyjaśnienia ogromnej liczby przedstawionych na nich symboli. Ta konkretna praca wzięła swoją nazwę od krytyków sztuki, którzy ją studiowali. Pierwotna nazwa pozostała nieznana. Historycy uważają, że lewy panel tryptyku to niebo, środkowy to współczesne grzeszne życie ludzkie, a prawy panel przedstawia piekło. Ale obraz rodzi o wiele więcej pytań niż odpowiedzi.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Ta praca wcale nie jest karykaturą występku brudnego hazardu. To raczej spokojna narracja, o której Caravaggio doskonale wiedział. W końcu sam artysta prowadził swoje życie bardzo lekkomyślnie, a nawet gwałtownie. Fabuła sprowadza się do opisania rozwijającego się dramatu - dramatu oszustwa i utraconej niewinności. Naiwna młodzież została wprowadzona w obieg przez doświadczonych ostrzycieli. Starszy zerka na swoje karty i daje znaki kolejnemu oszustowi.

# 6. Watson i rekin, John Singleton Copley, 1778

Zdjęcie przedstawia przypadek z prawdziwego życia. W 1749 roku w Hawanie Brooke Watson, 14-letni chłopiec kabinowy, zdecydował się na kąpiel. Zaatakował go rekin. Kapitan statku, na którym służył chłopiec, próbuje go uratować, zabijając rekina harpunem. Kapitanowi udało się dopiero za trzecim podejściem. Watson w tej nierównej walce stracił stopę. Całe życie chodził wtedy z drewnianą nogą. Nie przeszkodziło mu to w zostaniu burmistrzem Londynu. W tym samym czasie poznał artystę i opowiedział mu tę historię. Co było inspiracją dla Johna Copleya.

# 7. Kompozycja VIII Wassily'ego Kandinsky'ego, 1923

Od dzieciństwa Kandinsky był zafascynowany kolorem. Artysta wierzył, że ma właściwości transcendentalne. Kandinsky pisał swoje kompozycje jako kompozytor symfonii. Każda kompozycja odzwierciedlała wizję artysty w swoim czasie. Kandinsky w swoich pracach wykorzystywał kształty geometryczne, ponieważ wierzył w ich mistyczne właściwości. Kolorystyka postaci odzwierciedlała emocje.

#osiem. Saturn pożerający syna, Francisco Goya, 1823

Na starość Goya ogłuchł, a jego zdrowie, zarówno fizyczne, jak i psychiczne, pogorszyło się. Właśnie z tym historycy kojarzą jego pisanie serii 14, jak nazywano je „Ponurymi obrazami”. Które namalował w środku na ścianach swojego domu. Jednym z nich jest "Saturn pożerający syna". Jest to dobrze znany starożytny grecki mit o tytanie Kronosie (później Rzymianie przemianowali go na Saturn). Kronosowi powiedziano, że zostanie obalony przez własnego syna. A Saturn zjadł wszystkie swoje nowo narodzone dzieci. W Goi Saturn jest przedstawiany jako straszny, na wpół szalony starzec, który zjada nie niemowlę, ale dorosłe dziecko. Istnieje wiele interpretacji znaczenia tego płótna. Ale najważniejsze jest to, że artysta nie napisał tego dla publiczności. Być może w ten sposób Goya próbował wypędzić własne demony.

#dziewięć. Jeleń w Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

Artysta przedstawił powszechną scenę z życia codziennego Nowego Jorku na początku XX wieku. Prywatny klub walki, taki jaki zwykle znajdował się w biednych dzielnicach. Przybyszów, którzy nie byli członkami klubu, nazywano tam „jeleniem”. Otrzymali tymczasowe członkostwo, aby walczyć. Miech malował obraz w taki sposób, że patrząc na niego ma się wrażenie, że jest się wśród widzów bitwy.

#dziesięć. Przyjaciel w potrzebie, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

„Przyjaciel w potrzebie” to najpopularniejszy film z serii Dogs Playing Poker autorstwa Cassiusa Marcellusa Coolidge'a. Ta seria została zamówiona przez Coolidge przez Brown & Bigelow w celu reklamowania cygar. Chociaż obrazy Coolidge nigdy nie były uważane przez krytyków za prawdziwą sztukę, od tego czasu stały się ikoną.

#jedenaście. Zjadacze ziemniaków, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh chciał przedstawić chłopów takimi, jakimi są naprawdę. Chciał pokazać zupełnie inny sposób życia, odmienny od klas wyższych. Później napisał do swojej siostry i stwierdził, że The Potato Eaters to jego najbardziej udany obraz.

#12. Tratwa Meduzy, Theodore Gericault, 1819

Płótno „Tratwa Meduzy” („Le Radeau de la Méduse”) przedstawia następstwa upadku francuskiej fregaty morskiej „Medusa”. Część osób zmieściła się do łodzi, dla pozostałych 147 osób pospiesznie zbudowano tratwę. Łodzie holowały tratwę. Ale kapitan, widząc, że tratwa jest zbyt ciężka, kazał odciąć liny. Prawie półtora setki ludzi pozostawiono samym sobie bez jedzenia i wody. Przez 13 dni podróży na tratwie, z upiorną nadzieją na ocalenie, ze 147 osób przeżyło 15. Oszalałych z głodu i pragnienia ludzie zjadali się nawzajem i pili krew. Francja chciała zatuszować tę haniebną historię, ale była zbyt rażąca i nie udało się.

#13. Woźnice barkowe na Wołdze, Ilya Repin, 1873

Ta praca jest najbardziej znana Ilya Repin. Obraz stał się kultowy. Praca, którą wykonał artysta, była poważna. Repin osobiście spotkał się ze wszystkimi wozidłami barkowymi przedstawionymi na obrazie. Artysta napisał setki szkiców i spędził nad tą pracą 5 lat. Zarówno historycy, jak i współcześni uważają obraz za bezpośrednie potępienie ciężkiej pracy klas uciskanych. Chociaż Repin zawsze zaprzeczał tej opinii.

#czternaście. Zuzanna i starsi, Artemisia Gentileschi, 1610

Zuzanna i starsi to biblijna historia ze Starego Testamentu. Za panowania cesarza Nabuchodonozora naród żydowski znalazł się w niewoli Babilończyków. Wśród nich była Zuzanna z mężem Joachimem. Kobieta posiadała nieziemską urodę i pożądało jej dwóch starszych. Grozili jej, że jeśli Susanna nie będzie dla nich miła, powiedzą ludziom, że jest cudzołożnicą. Kobieta odmówiła, a starsi zastosowali się do ich gróźb. Została skazana na śmierć na mocy prawa żydowskiego. Ale wtedy interweniował młody prorok Daniel. Wpadł na pomysł przesłuchania mężczyzn najpierw osobno, a potem razem. Ich wersje się nie pokrywały, oszczerstwo zostało ujawnione. Zuzanna została uniewinniona, a starsi straceni. To bardzo niezwykłe, że artystka miała zaledwie 17 lat, kiedy malowała ten obraz. Dla samej Artemizji stała się prorocza, bo później spotkała ją podobna historia.

#15. Klinika Grossa, Thomas Eakins, 1875

Fabuła tego obrazu oparta jest na operacji, której świadkiem był Eakins. Przeprowadził ją jeden z najlepszych chirurgów w Ameryce, dr Samuel Gross. Operacja została przeprowadzona w klasie na oczach uczniów w celu nauczania. Lekarz pokazał, jak leczyć infekcję za pomocą operacji zachowawczej, a nie amputacji całej kończyny (co było wówczas standardem). Płótno przedstawia rzeczywistość bez upiększeń: zarówno spokojny profesjonalizm Grossa, jak i cierpienie kobiety w lewym dolnym rogu. Naukowcy uważają, że matka pacjenta. Krytycy i widzowie ocenili pracę, ku przerażeniu Eakinsa, wyjątkowo negatywnie. Ludzie spokojnie kontemplujący fabułę krwawych bitew nie byli gotowi kontemplować realizmu operacji medycznej.

#16. Wędrowiec nad morzem mgły, Caspar David Friedrich, 1818

„Wędrowiec nad morzem mgły” („Der Wanderer über dem Nebelmeer”) to płótno, na którym artysta pozostał wierny swojemu romantycznemu stylowi. Na zdjęciu Friedrich przedstawił siebie, stojącego samotnie plecami do widza na ciemnej, stromej skale. „Wędrowiec nad morzem mgły” to metafora. Chodzi o autorefleksję, o nieznaną przyszłość. Friedrich tak powiedział o tej pracy: „Artysta musi rysować nie tylko to, co jest przed nim, ale także to, co widzi w sobie”. # 17. Żniwiarze, Jean-Francois Millet, 1857

Obraz Des glaneuses przedstawia trzy wieśniaczki zbierające pozostałe po żniwach z pola. Ciężka, skromna praca chłopów wywołała sympatię artysty. To właśnie te emocje zostały wyrażone na zdjęciu. Ale w społeczeństwie dzieło spotkało się z negatywną krytyką ze strony klas wyższych. Francja przeżyła niedawno rewolucję i szlachta uznała ten obraz za nieprzyjemne przypomnienie, że społeczeństwo francuskie jest zbudowane na pracy klas niższych. A ponieważ w tym czasie klasa robotnicza przewyższała liczebnie klasę wyższą, obawiali się, że obraz może jakoś popchnąć klasę niższą do buntu.

#osiemnaście. Krzyk, Edvard Munch, 1893

Krzyk to jedno z najbardziej tajemniczych arcydzieł malarstwa światowego. Munch powiedział, że kiedyś wyszedł na spacer o zachodzie słońca. Światło zachodzącego słońca zabarwiło chmury na krwistoczerwony kolor. A Munch nagle usłyszał, poczuł, jak to ujął, „niekończący się krzyk natury”. Innym wyjaśnieniem może być stan emocjonalny Muncha, ponieważ jego siostra została niedawno wysłana do zakładu dla obłąkanych. Ten obraz był wielokrotnie porywany. Fabułę można uznać za proroczą: pod koniec XIX wieku Munch opisał katastrofy XX wieku.

# 19. Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Kompozycja składa się z trzech głównych elementów: wzburzonego morza, trzech łodzi i góry. Ośnieżona góra to góra Fuji, którą Japończycy uważają za świętą. Jest symbolem narodowej tożsamości i piękna. Takie gry z przestrzenią i jasnymi kolorami, nietypowe dla malarstwa azjatyckiego. Obraz symbolizuje strach człowieka przed nieposkromionym elementem i przymusowe poddanie się mu.

#20. Gwiaździsta noc, Vincent Van Gogh, 1889

„Gwiaździsta noc” to arcydzieło, które po obejrzeniu go tylko raz, już nigdy go nie zapomnisz. Artysta namalował go w szpitalu dla psychicznie chorych. Te strumienie wirowe, ogromne gwiazdy… Niektórzy uważają, że Van Gogh przedstawił widok z okna. Ale chorym nie wolno było wychodzić na ulicę, nawet nie wolno im było pracować na oddziale. Brat Vincenta poprosił kierownictwo szpitala o przydzielenie mu pokoju do pisania. Naukowcy uważają, że Van Gogh przedstawił na swoim obrazie takie zjawisko jak turbulencja - wir przepływa z wody i powietrza. Tego nie widać, ale wzmożona percepcja artysty pomogła mu dostrzec to, co jest ukryte przed oczami zwykłych śmiertelników. 10 zaginionych i nowo odkrytych arcydzieł wielkich mistrzów. Na podstawie materiałów