7 utalentowanych surrealistek, które mogłyby być godnymi rywalkami Fridy Kahlo

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Surrealizm był nie tylko ruchem artystycznym, ale także pragnieniem wolności, obejmującej wszystkie aspekty życia. Jak powiedziała Meret Oppenheim, surrealistyczne kobiety żyły i pracowały ze „świadomym pragnieniem wolności”. Podobnie jak ich męskie odpowiedniki, surrealistyczne kobiety były również działaczami politycznymi, obrońcami praw kobiet i bojownikami rewolucyjnymi. Żyli niezwykłym życiem jako wolne jednostki, wymyślając własne piękno i godność, wyrażając natychmiastową energię, atrakcyjność i humor, i nic dziwnego, że niektórzy z nich prześcignęli nie tylko artystów mężczyzn, ale także legendarną Fridę Kahlo, której obrazy zostały wykorzystane od wielu lat niezmiernie popularny na całym świecie.

Kiedy osiemnastoletnia Violetta Nozières przyznała się do otrucia ojca 21 sierpnia 1933 roku, francuska prasa wybuchła oburzeniem przeciwko niej. W opinii publicznej Violetta była „dziewczyną niepoważną”, wykazującą tendencje charakterystyczne dla nowo powstałych „wyemancypowanych” kobiet, prowadzącą życie rozwiązłe, w przeciwieństwie do pracowitych rówieśników. Nie miało znaczenia, czy oskarżenia były prawdziwe, w każdym razie prasa postanowiła zrobić z niej kozła ofiarnego.

A jednak wciąż odzywał się samotny głos niezgody: surrealiści okazywali poparcie dla zbiorowej twórczości, wybierając na swojego Czarnego Anioła Violettę, muzę, która miała inspirować ich do nieustannej walki z mieszczańską mentalnością i jej mitami o praworządności, logice i powód. System, który doprowadził do nierówności społecznej ery postindustrialnej i horroru I wojny światowej, był według surrealistów nieodwracalnie wadliwy. Aby go pokonać, potrzebna była nie tylko rewolucja polityczna, ale także kulturalna.

Tak więc emancypacja kobiet miała fundamentalne znaczenie dla obalenia kapitalizmu i patriarchatu, zaczynając od zakwestionowania burżuazyjnego postrzegania kobiet jako z natury dobrych, bezinteresownych, uległych, ignoranckich, pobożnych i posłusznych.

Poezja. Wolność. Miłość. Rewolucja. Surrealizm nie jest kapryśnym eskapizmem, ale poszerzoną świadomością. Brak granic i cenzura zapewniły bezpieczne miejsce do dyskusji i przetworzenia zbiorowej traumy I wojny światowej, a także zapewniły ujście dla twórczych potrzeb kobiet.

Chociaż były mile widziane i aktywnie angażowały się w ruch, surrealistyczne rozumienie kobiet wciąż było bardzo głęboko zakorzenione w idealizacyjnych stereotypach. Kobiety były albo postrzegane jako muzy i obiekty inspiracji, albo wzbudzały podziw jako infantylne postacie obdarzone bujną wyobraźnią ze względu na swoją naiwność i skłonność do histerii.

To dzięki twórczości surrealistycznych kobiet naprawdę miały szansę rozkwitnąć kobiece tożsamości, mocno zakorzenione w świecie sztuki, ponieważ zawłaszczyły mit muzy, aby wyrazić swój pełny potencjał jako aktywnych twórczyń. Przez długi czas artystki były pamiętany głównie z relacji, często sentymentalnych, z męskimi artystami. Dopiero niedawno ich praca została niezależnie przeanalizowana i poświęcona należytej uwagi.

1. Walentynkowy Hugo

Valentina Hugo urodziła się w 1887 roku i otrzymała akademickie wykształcenie jako artystka, która studiowała w paryskiej Szkole Sztuk Pięknych. Dorastając w oświeconej i postępowej rodzinie, poszła w ślady ojca, stając się ilustratorką i rysownikiem. Znana z pracy z rosyjskim baletem, związała się zawodowo z Jeanem Cocteau. Poprzez Cocteau Hugo poznała swojego przyszłego męża Jeana Hugo, prawnuka Victora Hugo i André Bretona, założyciela ruchu surrealistycznego, w 1917 roku.

Dzięki tej przyjaźni coraz bardziej zbliżała się do nowo powstałej grupy artystów, w skład której wchodzili Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso i Salvador Dali. W tym czasie dołączyła do Biura Studiów Surrealistycznych i wystawiała swoje prace w surrealistycznych salonach w 1933 oraz na wystawie Fantastic Art, Dada, Surrealism w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1936.

Samobójcza przez swoich surrealistycznych kolegów Rene Crevel oraz odejście Tristana Tzary i Éluarda, na zawsze opuściła grupę surrealistów. W 1943 jej słowo znalazło się na wystawie 31 kobiet Peggy Guggenheim. Jej pierwsza retrospektywna wystawa odbyła się w Troyes we Francji w 1977 roku, dziesięć lat po jej śmierci.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim urodziła się w Berlinie w 1913 roku, ale na początku I wojny światowej przeniosła się do Szwajcarii. Jej matka i babcia, które dorastały w zamożnej rodzinie, były sufrażystami. Babcia była jedną z pierwszych kobiet, które uczyły się malarstwa. W swoim domu w Karonie Meret poznała wielu intelektualistów i artystów, m.in. dadaistycznych malarzy Hugo Balla i Emmy Hennings, a także pisarza Hermanna Hessego, który poślubił jej ciotkę (a później się z nią rozwiódł).

Jej ojciec, lekarz, był bliskim przyjacielem Carla Junga i często uczęszczał na jego wykłady: wprowadził Meret w psychologię analityczną i zachęcał ją do prowadzenia pamiętnika snów od najmłodszych lat. Dzięki tej wiedzy Meret był chyba jedynym surrealistą, który miał autorytet w psychoanalizie. Co ciekawe, była także jedną z niewielu surrealistów, którzy woleli Junga od Freuda.

W 1932 przeniosła się do Paryża, by kontynuować karierę artystyczną, nawiązując kontakt z surrealizmem za pośrednictwem szwajcarskiego rzeźbiarza Alberto Giacomettiego. Wkrótce zaprzyjaźniła się z resztą grupy, w skład której wchodzili wówczas Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst i Rene Magritte.

Siedząc w paryskiej kawiarni z Picasso i Dorą Maar w 1936 roku, Picasso zauważył na nadgarstku Oppenheim niezwykłą obszytą futrem bransoletkę zaprojektowaną dla domu Elsy Schiaparelli. W wyraźnej wersji wydarzeń Picasso skomentował, jak wiele rzeczy, które lubił, można ulepszyć za pomocą kawałka futra, na co Oppenheim odpowiedział: „Nawet ten kubek i spodek?”

Rezultatem tych żartobliwych przekomarzań był najsłynniejszy surrealistyczny przedmiot Oppenheima, Déjeuner en Fourrure, kupiony przez Alfreda Barra dla nowo utworzonego Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Uznawany za „kwintesencję surrealistycznego przedmiotu”, obszyty futrem kubek stał się pierwszym dziełem artysty w stałej kolekcji muzeum. Choć jej prace były entuzjastycznie przyjmowane przez jej kolegów-mężczyzn, wciąż walczyła o to, by stać się artystką we własnych zasługach i uniknąć bycia muzą i obiektem inspiracji.

Jej niezależność, emancypacja i buntowniczość uczyniły z niej w oczach męskich kolegów fetyszyzowane ucieleśnienie femme-enfant. Ta walka o tożsamość, wpływ antysemityzmu na praktyki jej ojca i surrealistyczna diaspora podczas II wojny światowej zmusiły Meret do powrotu do Szwajcarii. Tutaj wpadła w głęboką depresję i zniknęła z oczu na prawie dwadzieścia lat.

Aktywnie działając w latach 60. i 70. ostatecznie zdystansowała się od ruchu, odrzucając odniesienia do surrealizmu z czasów Bretona. Sympatyzując z feminizmem, nigdy jednak nie zdradziła swojego jungowskiego przekonania, że nie ma różnicy między mężczyznami i kobietami, stanowczo odmawiając udziału w wystawach „tylko dla kobiet”.

Jej życiową misją było przełamanie płciowych konwencji i stereotypów, całkowite przekroczenie płciowych podziałów i odzyskanie pełnej swobody wypowiedzi., - powiedziała.

3. Walentynkowy Penrose

Jedna z najbardziej krytycznych i lekceważących surrealistycznych artystek, Valentina Penrose poświęciła większość swojego życia na zniszczenie burżuazyjnego postrzegania kobiet jako pierwotnie dobrych, bezinteresownych, czczących mężów, uległych, nieświadomych, pobożnych, pracowitych, posłusznych żon i córek.

Jedna z pierwszych kobiet, które przyłączyły się do ruchu, Penrose była zafascynowana przykładami nieortodoksyjnych kobiet i sama prowadziła niekonwencjonalne życie. Urodzona w 1978 roku jako Valentina Bouet, poślubiła historyka i poetę Rolanda Penrose'a w 1925 roku, przyjmując jego nazwisko. W 1936 przeniosła się z mężem do Hiszpanii, aby wstąpić do milicji robotniczej w obronie rewolucji. Jej zainteresowanie mistycyzmem i filozofią Wschodu zaprowadziło ją wielokrotnie do Indii, gdzie studiowała sanskryt i filozofię Wschodu. Valentina była szczególnie zainteresowana tantryzmem, w którym odkryła cenną alternatywę dla surrealistycznej obsesji na punkcie pociągu „genitaliów”, pod wpływem psychoanalizy Freuda.

Wierzyła, że surrealistyczny pogląd na kobiety jako niezbędną „drugą połowę” ostatecznie nie uwolnił kobiet od ich burżuazyjnych ról i uniemożliwił im znalezienie niezależnej ścieżki. Jej rosnące zainteresowanie okultyzmem i ezoteryką w końcu wbiło się między nią a męża, co doprowadziło do rozwodu w 1935 roku. W następnym roku ponownie wyjechała do Indii ze swoją przyjaciółką i kochanką Alice Paalen. Jednak po rozdzieleniu się dwóch kobiet lesbijstwo stało się powracającym tematem w twórczości Penrose'a, często skoncentrowanej wokół postaci Emily i Rubii. Jej powieść kolażowa z 1951 roku Feminine Gifts jest uważana za archetypową surrealistyczną książkę. Książka, przedstawiająca przygody dwojga kochanków przemierzających światy fantasy, jest fragmentarycznym zbiorem dwujęzycznej poezji i zestawionych kolaży, uporządkowanych bez kolejności i o podwyższonym stopniu skomplikowania.

Zawsze rzucając wyzwanie stereotypowi idealnej kobiety, w 1962 opublikowała swoje najsłynniejsze dzieło, romantyczną biografię seryjnej mordercy Erzbiety Batory, Krwawa hrabina. Powieść o lesbijskim gotyckim potworze wymagała lat badań we Francji, Wielkiej Brytanii, na Węgrzech i w Austrii. Zawsze zamknięta dla byłego męża, ostatnie lata życia spędziła w jego wiejskim domu z jego drugą żoną, amerykańskim fotografem Lee Miller, znany również jako Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon stworzył wiele różnych postaci, aby uniknąć dyskryminacji i uprzedzeń, zaczynając od wyboru pseudonimu, neutralnego płciowo imienia, które nosiła przez większość swojego życia. Kaon to symboliczny przykład artysty, który, pozostając w swoim czasie niemal nieznanym, zyskał popularność i uznanie w ostatnich latach, będąc jedną z najsłynniejszych wśród surrealistek. Często uważana za prekursorkę postmodernistycznej sztuki feministycznej, jej sztuka genderowa i poszerzona definicja kobiecości, którą przedstawiła, stały się fundamentalnymi precedensami w dyskursie postmodernistycznym i feminizmie drugiej fali.

Caon nawiązał kontakt z surrealistami za pośrednictwem Stowarzyszenia Écrivains et Artistes Révolutionnaires, gdzie poznała Bretona w 1931 roku. W kolejnych latach regularnie wystawiała się z grupą: jej słynne zdjęcie Sheili Legg stojącej na Trafalgar Square pojawiało się w wielu magazynach i publikacjach. Pomimo rewolucyjnej pozycji komuniści uważali homoseksualizm za luksus, na który stać tylko rozwiązłą elitę.

Claude mieszkała ze swoją przyrodnią siostrą i partnerką na całe życie, Suzanne Malherbe, która również przyjęła męski pseudonim Marcel Moore. Nierówność płac celowo pozbawiała kobiety możliwości samowystarczalności, więc aby przetrwać, musiały liczyć na ekonomiczne wsparcie księdza Kaona. Bez zewnętrznej publiczności sztuka Kaona została stworzona przede wszystkim w środowisku domowym, zapewniając niefiltrowane spojrzenie na ich artystyczne eksperymenty. Używając masek i luster, Claude kontemplował naturę tożsamości i jej wielość, tworząc precedens dla postmodernistycznych artystek, takich jak Cindy Sherman.

Swoimi fotografiami Claude odrzuciła i przekroczyła modernistyczne (i surrealistyczne) mity o esencjonalnej kobiecości i idealnej kobiecie, wysuwając postmodernistyczną ideę, że płeć i atrakcyjność są w rzeczywistości konstruowane i realizowane, a rzeczywistości nie uczy się po prostu poprzez doświadczenie, ale definiuje. poprzez dyskurs. Podczas niemieckiej inwazji Claude i Marsylia zostali aresztowani za działania antyfaszystowskie i skazani na śmierć. Chociaż doczekali dnia wyzwolenia, Claude nigdy w pełni nie wróciło do zdrowia i ostatecznie zmarła w wieku sześćdziesięciu lat w 1954 roku. Marcel przeżył ją przez kilka lat, po czym w 1972 popełniła samobójstwo.

5. Maria Czerminowa (Zabawka)

Urodzona Maria Cherminova, lepiej znana jako Toyen, była częścią czeskiego surrealizmu, pracując u boku poety-surrealisty Jindřicha Štyrskiego. Podobnie jak Kaon, Toyen również przyjął pseudonim neutralny pod względem płci. Jako dwuznaczna postać, Toyen całkowicie łamała konwencje płci, nosząc zarówno męskie, jak i żeńskie stroje, przyjmując zaimki obu płci. Chociaż była sceptycznie nastawiona do francuskiego surrealizmu, jej prace w dużej mierze zbiegły się z ruchem bretońskim, a do lat 30. artystka stała się integralnym członkiem surrealizmu. Zawsze transgresywne zainteresowanie Toyen czarnym humorem i erotyzmem ugruntowało ją w surrealistycznej tradycji hiperseksualnej, lekceważącej sztuki, na którą wpływ miały prace markiza de Sade.

W 1909 Apollinaire znalazł jeden z rzadkich rękopisów de Sade'a w Bibliotece Narodowej w Paryżu. Głęboko pod wrażeniem, opisał go jako „najwolniejszego ducha, jaki kiedykolwiek żył” w swoim eseju L'oeuvre du Marquis de Sade, przyczyniając się do odrodzenia popularności de Sade'a wśród malarzy surrealistów. De Sade, w imieniu którego wywodzi się sadyzm i sadyzm, większość życia spędził w więzieniu lub w szpitalach psychiatrycznych, pisząc, że łączy dyskurs filozoficzny z pornografią, bluźnierstwem i erotycznymi fantazjami o przemocy. Mimo ostrej cenzury jego książki w ciągu ostatnich trzech stuleci wywarły wpływ na europejskie kręgi intelektualne.

Podobnie jak przed nimi bohemy, surrealistów intrygowały jego opowieści, identyfikując się z rewolucyjną i prowokacyjną osobowością de Sade'a i podziwiając jego sprzeczne ataki na burżuazyjny gust i sztywność. Łącząc przemoc i pociąg, sadystyczna postawa stała się sposobem na uwolnienie wrodzonych impulsów ukrytych w podświadomości: - przeczytaj Pierwszy Manifest surrealizmu. Toyen złożył hołd libertyńskiemu pisarzowi serią ilustracji erotycznych do czeskiego przekładu Justyny Sztyrskiego.

Nieobecny polityczny aspekt sztuki Toyena nabrał jednak wyrazistości w miarę pogarszania się sytuacji politycznej w Europie: cykl Tyr ukazuje niszczycielski charakter wojny poprzez ikonografię dziecięcych zabaw. Osiedlając się w Paryżu w 1948 r. po komunistycznym przejęciu Czechosłowacji, Toyen pozostała aktywna aż do śmierci w 1980 r., kontynuując współpracę z poetą i anarchistą Benjaminem Pere oraz czeskim artystą Jindrichem Heislerem.

6. Itel Kohun

Oddzieleni w czasie II wojny światowej surrealiści drugiego pokolenia mieli tendencję do dystansowania się od głównego nurtu, opracowując własne kierunki badawcze. Artystki przejęły surrealistyczną ideę mitycznej kobiety i przekształciły ją w potężny obraz czarodziejki i istoty kontrolującej jej transformacyjne i generatywne moce. Femme-enfant, która zainspirowała pierwsze pokolenie surrealistycznych kobiet, jest teraz femme-sorciere, mistrzynią własnej siły twórczej.

Podczas gdy artystki wydawały się wymagać zewnętrznego medium, często kobiecego ciała, jako medium dla swojej podświadomości, artystki nie miały takich barier, wykorzystując własne ciało jako podstawę swoich poszukiwań. Ja-inność, alter ego, przez które artystki eksplorowały swoje wnętrze, nie była płcią przeciwną, ale samą naturą, często przedstawianą poprzez zwierzęta i fantastyczne stworzenia.

Dla ich pokolenia, które przeżyło dwie wojny światowe, kryzys gospodarczy i nieudaną rewolucję, magia i prymitywizm były wyzwalające. Dla artystów magia była środkiem zmiany, jednoczącym i powstrzymującym rozwój sztuki i nauki, bardzo potrzebną alternatywą dla religii i pozytywizmu, która doprowadziła do okrucieństw wojny. Wreszcie, dla kobiet okultyzm stał się sposobem na obalenie patriarchalnych ideologii i wzmocnienie kobiecego ja.

Nic dziwnego, że Itel Kohun zainteresował się okultyzmem w wieku siedemnastu lat po przeczytaniu Opactwa Thelemy Crowleya. Wykształcona w Slade School of Art, w 1931 przeniosła się do Paryża. Jednak to w Wielkiej Brytanii jej kariera nabrała rozpędu: po wielu wystawach indywidualnych pod koniec lat 30. stała się jedną z czołowych postaci brytyjskiego surrealizmu. Jej przynależność do ruchu była krótkotrwała i odeszła po roku, kiedy została zmuszona do wyboru między surrealizmem a okultyzmem.

Podczas gdy nadal określała się jako artystka surrealistyczna, zerwanie formalnych więzi z ruchem pozwoliło jej rozwinąć bardziej osobistą estetykę i poezję. W swoim manierze wykorzystywała wiele surrealistycznych technik, takich jak frottage, decalomania, collage, a także opracowała własne inspirujące gry, takie jak parsemaż i grafomanię entoptyczną. Kierując mroczną mocą, Itel dostrzegł w kobietach potencjał tworzenia, zbawienia i zmartwychwstania, który łączył je z naturą i przestrzenią.

Jej prace, kreślące paralele między ochroną przyrody a emancypacją kobiet, stały się mocnym precedensem dla dalszego rozwoju ekofeminizmu. Poszukiwanie zaginionej bogini było spotkaniem kobiet z Naturą i ponownym odkryciem ich własnej mocy, podróżą prowadzącą do powrotu wiedzy i mocy.

7. Leonora Carrington

Leonora Carrington, jedna z najdłużej żyjących i najbardziej płodnych surrealistek, była brytyjską artystką, która uciekła do Meksyku podczas surrealistycznej diaspory. Urodziła się w 1917 roku w zamożnej brytyjskiej fabryce tekstyliów i irlandzkiej matce. Z powodu buntowniczego zachowania została wydalona z co najmniej dwóch szkół. Młodszy o ponad dwadzieścia lat od większości surrealistów Carrington zetknął się z ruchem wyłącznie poprzez wystawy i publikacje.

W 1937 poznała Maxa Ernsta na imprezie w Londynie. Natychmiast się zbliżyli i przenieśli razem do południowej Francji, gdzie szybko rozstał się z żoną. W tym czasie powstało jedno z jej najsłynniejszych dzieł „Autoportret”. Wraz z wybuchem II wojny światowej Ernst został internowany jako „niechciany cudzoziemiec”, ale został zwolniony dzięki wstawiennictwu Eluarda. Niedawno aresztowany przez Gestapo, ledwo uciekł z obozu internowania, co skłoniło go do szukania schronienia w Stanach, gdzie wyemigrował z pomocą Peggy Guggenheim i Variana Fry'a.

Nie wiedząc nic o losie Ernsta, Leonora sprzedała swój dom i uciekła do neutralnej Hiszpanii. Zrozpaczona, doznała załamania psychicznego w ambasadzie brytyjskiej w Madrycie. W szpitalu była leczona terapią szokową i ciężkimi lekami, które powodowały halucynacje i omdlenia. Po zakończeniu leczenia kobieta uciekła do Lizbony, a następnie do Meksyku. Tam poślubiła meksykańskiego ambasadora Renato Deluc i mieszkała z nim do końca życia, aż do śmierci w 2011. Jej poszukiwanie kobiecej duchowości opierało się na eseju Groves z 1948 roku Biała bogini, który rozbudził ponowne zainteresowanie mitologią pogańską. dla surrealistycznych kobiet był mit o matriarchalnym pochodzeniu ludzkości. Zainspirowane tą nową mitologią surrealistyczne kobiety drugiej fali stworzyły wizję fantastycznych egalitarnych społeczeństw, w których ludzie i natura żyli w harmonii: wizję przyszłości stworzoną przez kobiety.

Sztuka jest tak różnorodna, że czasem trudno zdecydować, co się lubi i przyciągnąć uwagę. Malarstwo cyfrowe nie było wyjątkiem., co o dziwo rodzi wiele pytań, wywołując podwójne doznania i wrażenia. Ponadto niewiele osób wie, jak ta praca stała się częścią wielkiej sztuki, na którą dziś wielu fanów tego nurtu jest gotowych wyłożyć porządną sumę.