Dlaczego opinia publiczna wyśmiewała pracę impresjonistów i jak to wszystko się skończyło (część 1)

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Ruch, który starał się uchwycić współczesne życie, światło i chwilę, stał się jednym z ulubionych gatunków XXI wieku. Ale impresjoniści byli zdecydowanie odrzucani przez establishment artystyczny i publiczność w latach 60. i 70. XIX wieku. Wielu z nich walczyło o związanie końca z końcem. A czasami niektórzy z nich wywołali nawet burzę oburzenia, pokazując światu swoje dzieła, które zawsze są potępiane i odrzucane przez społeczeństwo.

1. Edouard Manet: Śniadanie na trawie

Zaprezentowane przez Edouarda Maneta na Salon des Beaux-Arts (coroczna wystawa organizowana przez wpływową i konserwatywną Akademię Sztuk Pięknych), Śniadanie na trawie zostało odrzucone przez jury. Zamiast tego obraz został wystawiony na kolejnej wystawie, która odbyła się w 1863 roku pod tytułem „Salon Odmów” (lub Wystawa Odmów), otwartej na ponad trzy tysiące prac, które zostały odrzucone przez jury Salonu, gdzie spotkał się z wrogimi reakcjami ze strony zarówno opinii publicznej, jak i strony recenzentów. Ludzie tłumnie odwiedzali wystawę, aby wyśmiewać się i śmiać z pracy na wolnym powietrzu.

Recenzenci stwierdzili, że "Śniadanie na trawie" było tak pozbawione finezji, że można je namalować mopem do podłogi, a ludzie na obrazie wyglądali jak recenzenci lalek. Problem w tym, że ten obraz nie był sztuką, jaką znali Francuzi jego. W końcu Manet nie przedstawiał mitologii greckiej, historii rzymskiej ani sceny religijnej. Co więcej, obraz nie był malowany drobnymi pociągnięciami pędzla, które dawały niemal fotograficzny efekt. Zamiast tego użył odważnych kolorów, szerokich, niemieszanych pociągnięć pędzla i przedstawił ryzykowną współczesną scenę tamtych czasów. W rezultacie Francuzi nie mogli docenić takich obrazów przez kolejne dwie lub trzy dekady.

Jeśli chodzi o samą pracę, na pierwszym planie przedstawia ładną nagą kobietę rozmawiającą z dwoma dobrze ubranymi młodymi mężczyznami, podczas gdy druga kobieta kąpie się nieco dalej od nich. Nagi natychmiast przyciąga wzrok, ale po bliższym przyjrzeniu się pojawia się szereg pytań. Dlaczego mężczyźni są w pełni ubrani, kiedy kobieta jest naga? Czy jest zdezorientowana? Dlaczego kąpiąca się postać kobieca jest ubrana? Co ona robi (myje stopy, łowi ryby…)? Czy obraz ma prawdziwy problem z perspektywą?Ta debata, choć ciekawa, mija się z celem. Manet wygłosił kontrowersyjne oświadczenie w tej pracy. Zakwestionował ortodoksję i zademonstrował swoje nowe metody. I zadziałało: cały Paryż zaczął o nim mówić. Le Dejuner Sur l'herbe znajduje się w stałej kolekcji Musée d'Orsay w Paryżu. Mniejsza wcześniejsza wersja tej pracy znajduje się w Galerii Courtauld w Londynie.

2. Claude Monet, Wschodzące słońce, 1872

W 1873 roku grupa, znana jako impresjoniści, ostatecznie rozczarowała się Salonem i postanowiła zorganizować własną wystawę. I pomimo tego, że większość z nich to zrobiła, Manet odmówił udziału w niezależnej wystawie, obawiając się, że to jeszcze bardziej wyrzuci go z francuskiego establishmentu artystycznego. Pierwsza wystawa grupy, która odbyła się w 1874 roku, obejmowała prace Moneta, Cézanne'a, Reniora, Degasa i Pissarro i została zorganizowana na Rue de Capuchins.

Grupa utworzyła spółkę, w której każdy z nich posiadał udziały i pobierał wpisowe w wysokości jednego franka. Frekwencja była dobra (przyszło około trzech i pół tysiąca osób), ale złe wrażenia z Salonu powtórzyły się ponownie, bo publiczność przychodziła kpić, a recenzje były wrogie. Jeden z recenzentów powiedział, że wystawa była dziełem żartowniś, który był rozbawiony faktem, że „maczając pędzle w farbie, rozsmarowywał ją po dziedzińcach płótna, podpisując je różnymi imionami. „Ale najsłynniejszą i długo dyskutowaną recenzję pozostawił Louis Leroy, który wypowiadał się niepochlebnie Obraz Moneta„ Wschód słońca”:.

Niestety opinia publiczna długo nie rozumiała i nie akceptowała, że impresjoniści próbują czegoś nowego; obrazy, które odzwierciedlały to, jak czuli się na scenie, a nie obrazy, które były bliskie obrazowi fotograficznemu. Czym właściwie jest „Wschód słońca” i dlaczego został przyjęty z wrogością? Wschód słońca to w rzeczywistości obraz przedstawiający port w Le Havre, rodzinnym mieście Moneta, o wschodzie słońca. Oczy przyciągają dwie małe łódki wiosłowe na pierwszym planie i czerwone słońce odbijające się w wodzie. Za nimi znajdują się kominy i maszty klipsów, które nadają strukturę pracy. Nadal pozostaje tajemnicą, dlaczego tak nieszkodliwe dzieło przez długi czas ulegało ostrej krytyce i ośmieszaniu. W rezultacie, mimo niepochlebnych recenzji, w 1985 roku obraz ten został skradziony przez pięciu zamaskowanych bandytów i nie powrócił przez pięć lat (po ukryciu w małej korsykańskiej willi). Dziś Sunrise mieści się w Musée Marmottan-Monet w Paryżu, małym muzeum prezentującym ponad trzysta dzieł wielkiego malarza impresjonisty.

3. Edgar Degas, lekcja tańca

Edgar Degas, syn bogatego bankiera, był człowiekiem złożonym. Ojciec Degasa (w przeciwieństwie do ojca Maneta) nie miał nic przeciwko artystycznym ambicjom syna. Ale Degas zaczynał jako malarz klasyczny, kopiując obrazy dawnych mistrzów w Luwrze oraz we Włoszech, Holandii i Hiszpanii. Dopiero na początku lat siedemdziesiątych zwrócił uwagę na impresjonizm. Edgar wystawiał się na ośmiu wystawach impresjonistów w 1874 roku i później. Rzeczywiście, odegrał kluczową rolę w ich organizacji. Ale jego zaangażowanie zawsze budziło kontrowersje: był wymagający, szorstki i nie lubił, gdy nazywano go impresjonistą, Degas był też trudny pod innymi względami. Od czasu do czasu przyjmował zaproszenia na obiad, ale tylko pod warunkiem spełnienia długiej listy warunków: nie gotuj na oleju, nie kładź kwiatów na stole, nie pachnij perfumami, nie trzymaj zwierząt w pokoju, obiad powinien być podany dokładnie o 7:30, a światła powinny być przyciemnione. Artysta odmówił malowania na ulicy i naprawdę nie lubił zbytnio pejzaży. To właśnie sprawiło, że opera i jej praktyki baletowe były idealne.

Seria Dance Classes Degasa zaznacza wszystkie dzieła impresjonistów: są to współczesne sceny, które wykorzystują żywe kolory, aby dać widzowi poczucie ruchu. W dodatku, podobnie jak osobowość Edgara, pozbawione są sentymentalizmu, a ciekawy jest moment, w którym obrazów nie uchwyciły dzieci bogatej elity. Przedstawieni tancerze to potomkowie biednych i paryskich półświatków, usiłujących zarobić na życie. Trenowali przez długie godziny pod surową opieką słynnego i dominującego tancerza Julesa Perrota, którego często przedstawiano w pozycji stojącej, opartej na dużym kiju.

Głównym motywem Degasa w malarstwie tancerzy baletowych były finanse, ponieważ taki plan dobrze się sprzedawał. A w latach 70. XIX wieku artysta potrzebował pieniędzy, ponieważ jego brat założył rodzinną firmę. Wersje Tańca Degasa można znaleźć w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku oraz w Musée d'Orsay w Paryżu.

4. Claude Monet, Gare Saint-Lazare

W 1877 roku Monet wpadł na bardzo dobry pomysł - postanowił namalować mgłę. Nie chciał jednak czekać na odpowiedni moment i pogodę. Potem wpadł na kolejny bardzo dobry pomysł: zaczerpnąć pary i dymu dworca kolejowego. Ale to też było trochę trudne: musiał dostać się na peron i musiał walczyć z przyjeżdżającymi i odjeżdżającymi pociągami. W rezultacie artysta udał się na stację do kapitana stacji i, jak wyjaśnił później Renoir, wyglądało to mniej więcej tak:

Monet powiedział zawiadowcy stacji, że rozważa konkurencyjne zalety Gare du Nord i Saint-Lazare, wybierając Saint-Lazare. Ze swojej strony zawiadowca stacji niewiele wiedział o sztuce i dlatego nie odważył się kwestionować referencji Moneta. I myśląc, że zyskał przewagę nad Gare du Nord, dał Monetowi wszystko, czego chciał: perony były zamknięte, pociągi były pełne węgla, odjazdy były opóźnione. Po kilku dniach malowania Monet wyjechał z połową kilkanaście płócien. A potem… był to kolosalny sukces: widz niemal fizycznie odczuwa ciepło, hałas i zapach stacji. Jak zauważył jeden z recenzentów, obrazy odtwarzają wrażenie, jakie wywiera na podróżnych hałas zbliżających się i odjeżdżających pociągów.

Nawet Albert Wolff, jeden z najbardziej konserwatywnych komentatorów tamtych czasów, komplementował coś przeciwnego: obraz wywołał „nieprzyjemne wrażenie gwizdania kilku parowozów jednocześnie”. Paul Durand-Ruel, najbardziej wiarygodny właściciel galerii impresjonistów, kupił ten przedmiot od Moneta i przekazał niewielkie sumy reszcie grupy. W sumie Monet namalował dwanaście obrazów „Gare Saint-Lazare”, które znajdują się na całym świecie, w tym w muzeach w Londynie i Paryżu.