Śniadanie po holendersku: Jak „smaczne” martwe natury stały się odrębnym kierunkiem malowania

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Albo bardzo zamożni koneserzy malarstwa, albo zwykli holenderscy mieszczanie, żyjący około czterystu lat temu, mieli jednak okazję udekorować ścianę swojego salonu lub jadalni obrazem z XVII wieku. Potem pojawiły się pierwsze martwe natury śniadaniowe, które szybko stały się bardzo popularne, a jeśli dokładnie je przyjrzysz, stanie się jasne, dlaczego.

Obrazy wywołujące apetyt: martwe natury z Haarlemu

Pierwsze martwe natury miały zamaskować niszę ścienną lub ozdobić szarfę gabinetu – obywateli Holandii było na to stać, a ogromna ilość prac artystów na rynku sztuk pięknych pozwalała im wybrać te najlepsze, a przynajmniej te droższe w oku właściciela domu. Najpierw pojawiły się kwiatowe martwe natury, a nieco później modne stało się przedstawianie na białym obrusie grup przedmiotów jadalnych i niejadalnych, które migrowały do odrębnych prac niezależnych od portretów grupowych przy zastawionym stole.

Ojczyzną i ośrodkiem tworzenia takich martwych natur – nosiły one również nazwy „Śniadania”, „Desery” – stało się holenderskie miasto Haarlem. Mistrzowie przedstawiali przedmioty i produkty, które były proste i znane holenderskiemu życiu: sery, szynki, owoce, ryby, piwo, podawane w cynowych naczyniach. Ale pozycja Holandii jako kraju zamożnego i zamożnego, wysyłającego statki na krańce świata i sprowadzającego z kolonii ogromne ilości egzotycznych towarów, znalazła odzwierciedlenie w sztuce. Coraz częściej w martwych naturach zaczęły pojawiać się kraby i homary, krewetki i ostrygi, winogrona i oliwki. Zmieniały się też naczynia na obrazach – blaszane miseczki ustąpiły miejsca srebrnym naczyniom, artyści przedstawiali kielichy z masy perłowej z muszli łodzików, droga porcelana, wysokie kieliszki wina.

Jednym z celów martwej natury było zadowolenie oka właściciela, udekorowanie pokoju, dzięki czemu „śniadania” stawały się coraz bardziej luksusowe i dekoracyjne. Jednak każdy artysta, przynajmniej ten, który czuł się nie rzemieślnikiem, lecz twórcą, starał się nadać swoim dziełom sens, wypełnić je symbolami.

których imiona i martwe natury zachowały się w historii sztuk pięknych

Specyfiką ówczesnego holenderskiego rynku malarskiego jest to, że każdy z artystów – z wyjątkiem kilku wielkich mistrzów – pracował w bardzo wąskiej niszy, często przez lata przedstawiając na płótnie to samo. To był najłatwiejszy sposób na uruchomienie sprzedaży obrazów nabywcom i poradzenie sobie z konkurencją, która w tamtych czasach była bardzo zacięta. Dlatego teraz, znajdując się w jednej sali muzeum, obrazy czasami wyglądają jak rodzaj „bliźniaków”, różnice między którymi stają się zauważalne dopiero po uważnym przestudiowaniu.

Jedną z pierwszych śniadaniowych martwych natur z XVII wieku jest obraz malarza z Haarlemu Nicholasa Gillisa „Zakryty stół”. Przedmioty na stole pojawiają się przed widzem pod takim kątem, jakby oglądano je trochę z góry. Dzięki temu możesz zobaczyć i rozróżnić wszystko na stole, od piramidy serów po łupiny orzechów.

Aby martwa natura była ciekawa i żywa, a nie tylko przedstawieniem grupy różnych obiektów, artysta musiał dokładnie przemyśleć kompozycję. Dlatego holenderskie „śniadania” pozostawiają wrażenie intymności, jakby widz zaglądał do czyjegoś domu i czyjegoś życia. Martwe natury Rulofa Kutsa, innego malarza z Harlemu, wyróżniały się celowym zaniedbaniem. Jego znakiem rozpoznawczym była winorośl ze starannie wypisanymi liśćmi i celowe zaniedbanie, a nawet bałagan na stole – zmięty obrus, przewrócone kielichy, przedmioty zwisające z krawędzi stołu.

Dwóch mistrzów holenderskiej martwej natury jest uważanych za czołowych malarzy tego gatunku. Jednym z nich był Peter Claes, który początkowo specjalizował się także w martwych naturach typu „próżność marności” lub vanitas, przypominających kruchość ludzkiej egzystencji. Z biegiem czasu poświęcił się całkowicie „śniadaniu”, przedstawiając niewielką liczbę obiektów na płótnie, tworząc iluzję skromnego posiłku dla jednej osoby, tak jakby ktoś, dla kogo został nakryty stół, właśnie odszedł i zaraz wraca. Martwa natura Claesa jest również godna uwagi, ponieważ przedstawia trójwymiarowy obraz, grę światła na przedmiotach, blask i srebrzysty odcień.

Inny wybitny malarz XVII wieku, Willem Claesz Heda, również zwrócił się do idei kruchości bycia w swoich martwych naturach - widać to w wizerunkach odwróconych i potłuczonych szkieł, Jego obrazy utrzymane były w odcieniach szarości lub brązu. -zielony ton, bez jasnych akcentów, tylko nieco wyróżniał się biały obrus i żółta cytryna lub ciasto. Prace Khedy były pierwszymi przykładami monochromatycznej martwej natury. Zwykły zestaw przedmiotów na obrazach artysty - dzbanek, półmisek, szklanka, szynka, zmięta serwetka, przewrócony wazon, na wpół obrana cytryna - w każdym nowym kawałku tworzyły nową, niepowtarzalną kompozycję. Kheda starannie, dokładnie oddał kształt, kolor, fakturę każdego przedmiotu, a ta niezawodność nadała martwej naturze pewną tajemnicę, tajemnicę.

Co mogło zostać zaszyfrowane w martwych naturach śniadaniowych?

Współczesny widz ma szansę zobaczyć na holenderskich martwych naturach wyroby sprzed czterech wieków i jednocześnie dawne sposoby ich serwowania, a już to skłania do przyjrzenia się im bliżej. A poza tym nie wolno nam zapominać o symbolach, które były ukryte w obrazach.

Holendrzy lubili postrzegać rzeczy proste, codzienne, pełne ukrytych znaczeń, często filozoficznych. O tym, że życie i przyjemność są przemijające, artyści lubili „wspominać” w większości martwych natur. Uważa się, że chodzi o próżność i kruchość, o których mówią np. potłuczone szklanki i uczucie chaosu na stole. Ale szynka, szynka, wino symbolizują cielesne, ziemskie przyjemności.

Ostrygi miały niejednoznaczne znaczenie, najczęściej ich wizerunek miał konotację erotyczną - w końcu Wenus narodziła się z muszli, ale czasami były postrzegane wręcz przeciwnie, jako symbol otwartej duszy. Ryba przypominała Chrystusa, nóż - ofiarę, cytryna symbolizowała zdradę.

W dużej mierze ze względu na obraz w martwych naturach niektóre produkty stały się szczególnie poszukiwane, te same ostrygi kiedyś znalazły się pod groźbą całkowitego zniszczenia, konieczne było zakazanie ich połowów w niektórych miesiącach roku.

Ogólnie rzecz biorąc, martwa natura dała właścicielowi możliwość samodzielnej interpretacji kompozycji przedstawionej na płótnie, a sądząc po popycie, jakim cieszyły się „śniadania”, Holendrzy, a nawet zagraniczni koneserzy tego gatunku, lubili to zajęcie.

Nie tylko martwe natury, ale także inne gatunki malarstwa zaczęły się cztery wieki temu i łatwo się domyślić na czym polega tajemnica popularności małych Holendrów z XVII wieku, z których obrazów Ermitaż i Luwr są dziś dumne.