Dlaczego uważa się, że dobry artysta powinien być biedny i nieszczęśliwy?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Współcześni artyści z powodzeniem obalili mit, że z pewnością muszą wyglądać ekscentrycznie, nosząc stary beret na długich włosach i kamizelkę. Większość twórców wygląda stylowo, a nawet imponująco. Ale nie zdołali uporać się ze wszystkimi stereotypami. Na przykład nadal istnieje przekonanie, że utalentowany artysta powinien być biedny. I na pewno cierpieć. Bez względu na to, czy jest to nieszczęśliwa miłość, złe nawyki, czy tylko okoliczności życiowe, bieda nie powinna być jedyną wadą. Skąd się wzięło i czy artyści i inni twórcy są naprawdę biedni i nieszczęśliwi?

Jeśli od razu przejdziemy do faktów, to np. UNESCO określiło okres między namalowaniem obrazu a jego światowym uznaniem (oczywiście w ogóle, pod warunkiem, że zostanie rozpoznany) na 50 lat. Ogromny czas, jeśli weźmiemy pod uwagę to w kontekście ludzkiego życia, a nie historii świata. Czy nie dlatego większość artystów, nie doceniwszy za życia, zmarła w biedzie? Oznacza to, że ten stereotyp to nic innego jak obserwacja życia, ludowa mądrość.

Co więcej, ta zasada jest odpowiednia nie tylko w przypadku artystów i ich dzieł, ale każdego twórcy i innowatora. Czy to osoba kreatywna, matematyk czy programista. Społeczeństwo i gospodarka rynkowa nie akceptują od razu czegoś koncepcyjnie nowego. Oczywiście, jeśli mówimy o artystach, to jeśli ten twórca ozdabia to, co się teraz sprzedaje, to może zarabiać, ale warto zapowiadać innowację, to wszyscy sceptycznie wydążą usta. Dlatego jest duża różnica, czy artysta pracuje na wieki, czy na rynek. Istnieją jednak przykłady, które dowodzą, że jedno nie koliduje z drugim.

Ale faktem jest, że genialne kreacje powstają po zwykłej pracy, a ta ostatnia wcale nie wyróżnia się wzniosłością. Jednak nie wszyscy twórcy są na tyle mądrzy, z reguły posiadają złożony i impulsywny charakter, że nie godzili się na takie kompromisy, które skazywały ich na biedną egzystencję.

Biedni ludzie i miłośnicy dolara

Salvador Dali nazwał siebie „Miłośnikiem Dolarów”, określając w ten sposób własne ambicje. Za życia zmienił swoje nazwisko w markę i aktywnie z niego korzystał. Oczywiście bez jego talentu nie zwróciłby na niego uwagi, ale należy oddać hołd poziomowi szumu, z jakim się otaczał, byłby przedmiotem zazdrości współczesnych celebrytów. Jaka jest jego historia z żoną Galą. W końcu pozostali mężczyźni uznaliby za wstyd ujawnianie takich szczegółów z ich życia rodzinnego, ale Dali chętnie powiedział wszystkim, w tym w wywiadzie, że jego żona mieszka z kochankami w pobliskim zamku, a on sam tylko do niej przychodzi na zaproszenie.

A ta historia, która się rozprzestrzeniła? Powiedzmy, Dali, płacąc za obiad w restauracji, zrobił mały rysunek na odwrocie. Czek w restauracji kosztował więcej niż sam lunch, więc nigdy nie został zrealizowany. Dla artysty nie było to nic warte.

Pomimo tego, że nigdy nie pracował za niskie wynagrodzenie, zawsze otrzymywał ogromną liczbę zamówień. To często prowadziło do upadku własnego rynku, obniżając koszty pracy indywidualnej. Jednak zamiast odpoczywać, zaczął pracować jeszcze ciężej, dosłownie zalewając rynek obrazami, szkicami, ilustracjami, projektami mebli.

Kiedy inne celebrytki nawet nie pomyślały o filmowaniu w reklamie, Dali już polecił kupowanie pewnej marki czekolady z ekranów. Potem pojawiła się reklama marki samochodowej, linii lotniczej, a nawet gumy do żucia. Jednak prawdziwy skandal na obyczajach ujawnił stosunek Dalego do pieniędzy - bardzo je kochał.

Wymierny dochód przyniosły mu grafiki, których autentyczność potwierdził własnoręcznym podpisem. Ale, jak się okazało, nie zamierzał rysować każdego z osobna. Zostały wydrukowane na metalowej płytce, a puste kartki sygnowane licznikiem zostały wcześniej przygotowane. To właśnie je w ilości 40 tysięcy egzemplarzy odnaleziono w urzędzie celnym. Arkusze były tanie, ale Dali bardzo szybko je podpisał. Średnio mógł podpisać do 70 tysięcy dolarów za godzinę.

Na początku XX wieku społeczność artystów została milcząco podzielona na tych, którzy pracowali (lub przynajmniej starali się) pracować tak finansowo jak Salvador Dali, oraz tych, którzy honorowali wyłącznie nierozpoznanych geniuszy żebraków, takich jak Vincent van Gogh. Za życia za mniej więcej przyzwoitą kwotę 400 franków sprzedał swoje jedyne dzieło „Czerwone winnice”. Wszystkie inne prace zostały ocenione po jego śmierci. Nie tylko nie zarobił, nie mógł nawet zapewnić sobie przyzwoitej egzystencji.

Jego rodzina zawsze go potępiała, społeczeństwo nie rozumiało i nie akceptowało, a jedyną rzeczą, która go pocieszała, było malowanie. Pracował bardzo ciężko, choć nie można tego nazwać pracą, ponieważ nigdy nie otrzymał zapłaty za obrazy. Czy można przyjąć pośmiertną sławę i wieczność w pamięci potomnych jako zapłatę?

Van Gogh napisał, że gdyby mógł zarobić co najmniej tysiąc franków rocznie, zacząłby malować pełną parą iz jeszcze większą przyjemnością, ale tak się nie stało i genialny artysta odszedł z urazą i nierozpoznanym talentem.

Wyidealizowany wizerunek głodnego artysty

Szczerze mówiąc do końca nie tylko sami artyści włożyli rękę w idealizację wizerunku nierozpoznanego geniusza. Franz Kafka w swoim opowiadaniu „Głód” opisuje człowieka, który miał bardzo specyficzny stosunek do sztuki (jednak jak sam Kafka) i całą istotą jego autoekspresji była strajk głodowy. Teraz można by to nazwać performansem, ale podobno wtedy nie byli tak naprawdę postrzegani, bo ludzie patrzyli, patrzyli na umierającego z głodu artystę, a potem wynieśli jego ciało stertą słomy.

Kafka dość ironicznie demonstruje swój stosunek do związku „artysta-pieniądz”, wierząc, że prawdziwy geniusz i twórca musi cierpieć, „głodzić” swoją wizję sztuki. A jeśli dobrze zarabia, jest dobrze odżywiony, ma się dobrze i jest w harmonii z obecnym rządem, to jest sługą kapitalistów. Prawdziwy geniusz jest zawsze nieznany za jego życia i najlepiej żebrakami.

Knut Hamsun w swojej powieści „Głód” również miał swój udział w stworzeniu tego samego obrazu, opisując pisarza z halucynacjami z głodu. Hemingway uważał również, że pisarz powinien być głodny, aby lepiej myśleć o wieczności, aby być o krok wyżej od swoich czytelników. Jednak sam pisarz wspaniale odpoczywał w kurortach i żył długo i szczęśliwie, wcale nie dążąc do ascetycznego stylu życia.

Być może bieda w jakimś stopniu rozwiązuje ręce twórców obrazów i nie tylko. Nierozpoznany przez nikogo artysta będzie tworzył w sposób, który jest mu bliski, nie próbując zaimponować krytykom, nie biorąc pod uwagę życzeń przyszłych nabywców i nie tylko. Ma możliwość eksperymentowania, nie oglądając się na opinię kolegów, nie boi się, że opinia publiczna nie pochwali (ona już się nie pochwaliła), zaczyna rozumieć głębokie tematy i odwieczne wartości. Czy nie jest to warunek wstępny do stworzenia arcydzieła?

Inni postrzegają biedę jako wolność, bo jeśli artysta oddaje się malowaniu z całego siebie, nie zawracając sobie głowy banalną i rutynową pracą na rynku, to ma znacznie więcej czasu na eksperymenty i samo malowanie. Pablo Picasso powiedział, że „inspiracja istnieje i pojawia się podczas pracy”. Oznacza to, że nie powinieneś leżeć na kanapie, czekając na przybycie muzy, która poprowadzi za rękę na płótno i pozwoli narysować arcydzieło warte miliony.

Muzyk rockowy Nick Cave powiedział, że inspiracja w ogóle nie istnieje. Nazywając pracą twórczą, w najmniejszym stopniu nie umniejszał roli talentu. Ale sam talent nie wystarczy, potrzebujesz wytrwałości i pracy. Dużo pracy. Dopiero wtedy dzieją się wspaniałe rzeczy. Dlatego zalecenie „tworzyć wieczność po pracy” jest raczej sformułowaniem teoretycznym, praktycznie niemożliwym do zrealizowania w rzeczywistości.

Cierpienie i strach o artystę

Jedyne, czego każdy bez wyjątku oczekuje od każdego dzieła sztuki - emocje. Radość, zachwyt, przerażenie, wstręt, strach - to nie jest ważne, najważniejsze jest to, że energia emanuje z obrazu, w przeciwnym razie dlaczego to wszystko? Czy artysta, który spał, miał obfite i smaczne śniadanie, którego dom jest pełny, jego ukochana żona jest zajęta obiadem, a dzieci (koniecznie zdrowe i heteroseksualne) zapełnią dom (z pewnością jasny i przestronny, zbudowany na własne opłaty) ich głosy i śmiech nagle tworzą arcydzieło, które wywróci dusze innych ludzi na lewą stronę? Wątpliwy.

Wielu artystów celowo kumuluje negatywne emocje: strach, złość, urazę, pomagają nadać swojej pracy niezbędny poziom energii i ostrości. Kłopoty te nie miały jednak nic wspólnego z ich talentem, a raczej wynikały z ich statusu społecznego i stylu życia. Ten sam van Gogh cierpiał na zaburzenia psychiczne od dzieciństwa, a cierpienie było częścią jego życia.

Często geniusze mają zaburzenia psychiczne. Te ostatnie, mimo że faktycznie niszczą osobowość, w najlepszych okresach mogą stać się przyczyną i podstawą tworzenia arcydzieł czy odkryć naukowych. Ale czy to wystarczająca zapłata za lata cierpienia, udręki, niepokoju i depresji? Schizofrenia, zaburzenia afektywne dwubiegunowe, lęki, depresja – wszystko to może i popycha człowieka do ekspresji poprzez sztukę, ale sprawia, że życie, zarówno samego człowieka, jak i jego bliskich, jest po prostu nie do zniesienia. Często życie geniuszy kończyło się samobójstwem – kolejny dowód na to, że cierpienie było nie do zniesienia.

Artel sztuki rosyjskiej

W 1963 roku rosyjską Akademię Sztuk Pięknych opuściło aż 14 artystów. A poza tym ze skandalem. Nie dano im możliwości wyboru tematów obrazów, które miały być zgłoszone do konkursu. Tak wielu artystów, którzy się znali i nagle uwolnili od swojego głównego zajęcia, postanowiło założyć własną społeczność. Zjednoczyli się w artelu i próbowali zarabiać na tym, co potrafili - malując obrazy, w tym na zamówienie.

Umieścili nawet rodzaj ogłoszenia w gazetach ze wskazaniem listy świadczonych przez nich usług i ich kosztu. Zakres usług był bardzo zróżnicowany, artyści i ikonostasy oraz portrety i obrazy malarskie. A to wszystko za pomocą farb olejnych, akwareli i pasteli. Oferowano również korepetycje.

Życie w artelu kosztowało artystę około 25 rubli miesięcznie, a zbiorowe poszukiwanie zamówień było bardzo dobrym pomysłem i przyniosło dobry zysk. Na przykład cena za portrety zaczynała się od 75 rubli i więcej. W większości cena zależała od doświadczenia i talentu artysty, jego nazwiska, a nie wielkości płótna.

Wielu artystów, których płótna należą do światowych arcydzieł i są teraz wyceniane na fortunę, zostało stworzonych przez mistrzów tworzących sztukę dla sztuki. Ich świadomość, nie mieszcząca się w ramach normalności, a więc nierozpoznawanie ich talentu za życia, stała się dla wielu powodem uwiecznienia ich imion w annałach historii. Potomkowie, jakby czując się winni przed geniuszem, pielęgnują jego talent, widzą w jego kreacjach iskrę Bożą, a tragiczna historia jego nędzy i niedostatku jedynie dopełnia całościowy obraz.

Często geniusze, oprócz złożonego charakteru i dziwactw, posiadali również odchylenia umysłowe. Niektórzy geniusze ZSRR, którzy odcisnęli swój ślad w nauce i sztuce, częściej zawdzięczają to swojej schizofrenii, która pozwala myśleć poza ramami..