Dlaczego artysta Georges Seurat ukrył autoportret na obrazie „Pudrowa kobieta”

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Francuski artysta i twórca puentylizmu, Georges Seurat, znany jest z ciężkiej pracy i skrytego charakteru. Tak więc na jednej ze swoich prac – portrecie z pudrującą twarz kobiety – mistrz ukrył autoportret. Kim jest ta kobieta i dlaczego przepisał ramkę swoją twarzą, malując tam martwą naturę z kwiatami?

O mistrzu

Georges-Pierre Seurat (1859-91) jest uznanym liderem postimpresjonizmu i twórcą puentylizmu. Łączył ideały akademickiej sztuki francuskiej z ciekawym dalekim spojrzeniem na nowoczesność i założonym puentylizmem. Seurat od najmłodszych lat zdecydował, że zostanie artystą, studiował w Szkole Sztuk Pięknych pod kierunkiem Ingresa. Sławę przyniosła mu praca „Kąpiący się w Asnieres”, która stała się ikoną awangardy po tym, jak została odrzucona przez wystawę w Salonie i wystawiona w alternatywnym Société des Artistes Indépendants (Stowarzyszeniu Artystów Niezależnych).

Założyciel puentylizmu

Seurat przeszedł do historii jako założyciel naukowo-obiektywnego ruchu artystycznego puentylizmu, który stara się odzwierciedlić ruch światła w przyrodzie. Puentylizm odzwierciedla wszystkie powierzchnie w postaci punktów rozpraszających. Efekt promieniuje energią tak skutecznie, jakby obraz się świecił. Wiele punktów tworzy obraz, który wydaje się wibrować w swojej kompozycji. Jest to bardzo podobne do nowoczesnej techniki kolażu fotograficznego z miniaturowych pojedynczych zdjęć. Ale Seura robi to bardziej subtelnie i z wdziękiem. Swego czasu twórca puentylizmu był bardzo inspirowany Ingresem (wchłonął ze swojej pracy poczucie struktury i kompozycji), a także romantycznym Delacroix (od którego Seurat czerpał siłę koloru).

Seurat otrzymał to wyróżnienie po wystawieniu obrazu „Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte”. Żywy przykład punatylizmu i apogeum sławy artysty. A obraz, który analizujemy, The Powdery Woman, jest kluczowym dziełem wybitnej kolekcji sztuki impresjonistycznej i postimpresjonistycznej stworzonej w latach dwudziestych przez samego potentata Samuela Courteau.

„Pudrowa kobieta”

Ten portret, namalowany przez Seurata w latach około 1889-1890, zalotnie przedstawia modelkę artysty. Wszystkie tradycje malarstwa portretowego tamtych czasów zostały naruszone w tej pracy. Gra kontrastów: bohaterka ma ogromną skrzynię, ale miniaturowy stolik. Fabuła nawiązuje do stylu rokoko (zwłaszcza sceny toaletowe Watteau i Fragonard). Są tacy, którzy widzieli snobizm w próbie uczynienia kobiety z klasy robotniczej burżuazją. Ale jak bardzo się mylą. To jest obraz uznania. I z autoportretem artysty… Ale gdzie on jest? Wszystko w porządku.

Znajomość Seurata z Knobloch

Seurat często podróżował latem do nadmorskich miast. A wracając z jednej z tych podróży (w 1889 wyjechał do Belgii, gdzie wystawiał w Salon de Wingt w Brukseli), Seurat poznał 20-letnią modelkę Madeleine Knobloch, przedstawicielkę klasy robotniczej. Stała się jego muzą i ukochaną kobietą. Kiedy Madeleine była już w ciąży ze wspólnym dzieckiem, para przeniosła się z pracowni Seurata na 7. piętrze Boulevard 128 Clichy do małego pokoju w cichym domu w Pasażu Sztuki. Seurat uznał ojcostwo swojego syna, urodzonego 16 lutego 1890 roku, i wpisał imię dziecka, Pierre Georges, do rejestru stanu cywilnego. Na swojej wystawie w Salonie Niezależnych w tym samym roku pokazał swój jedyny portret z modelką Madeleine Knobloch – „Pudrowa kobieta”. Nawet po długim czasie ani rodzina, ani przyjaciele nie wiedzieli o tajemniczej ukochanej kobiecie i dziecku Seurata. Według jednego z biografów Seurat odziedziczył po ojcu tendencję do zachowania tajemnicy i samoizolacji.

Niezdrowy styl życia i wyczerpująca praca doprowadziły do złego stanu zdrowia Seurata, a następnie wysokiej podatności na infekcje. Paul Signac, najbliższy przyjaciel i twórczy współpracownik Seurata, napisał, że artysta często jadł tylko rogalika i małą tabliczkę czekolady, aby nie tracić cennego czasu. Ten sam Signac napisał kiedyś ze smutkiem, że: „Nasz biedny przyjaciel zabił się z powodu przepracowania”. Początkowo sam Seurat zachorował na błonicę i zmarł, a po 2 tygodniach zmarł również jego syn. Znamienne, że Seurat i jego rodzina mieszkali na bardzo małej powierzchni (około 5 metrów kwadratowych). Przeludnienie i ciasnota są znanym czynnikiem przenoszącym błonicę. Relacje z Madeleine były wielką tajemnicą nie tylko przed jego mieszczańską rodziną, ale także przed przyjaciółmi z bohemy. Wkrótce po śmierci Seurata kobiecie dano w spadku niektóre z jego dzieł. Przyjęła je, ale zerwała wszelką komunikację z rodziną. Sama Madeleine zmarła na marskość wątroby w wieku 35 lat.

Fabuła obrazu

Portret Seurata przedstawia imponującą kobietę, która ma zamiar pudrować twarz. Siedzi na krześle przed małym stolikiem. Na nim znajduje się miniaturowe lusterko i puderniczka. Na zdjęciu oczy bohaterki są opuszczone, patrząc na samą poduszkę. Ma twarz o silnej woli. Jej bujna obecność jest źródłem wizualnej ekstazy. To urocza i żywa figura, wspaniały obraz solidnych krzywizn, które przypominają jej włosy i puder. Splendor form kontrastuje oczywiście z kruchą toaletką i lustrem. Okrągłe formy kompozycji obfitują w rytmiczny taniec: włosy, pierś, ramiona, fałdy sukni.

Na portrecie z pudrową kobietą Seurat namalował wiele białych, czerwonych, cielistych kropek, kolorów złota, brązu i fioletu. Z artystycznego punktu widzenia nie ma ściany ani stołu, a jedynie forma. Tapeta za bohaterką, ze swoim spiralnym wzorem, wibruje i rozszerza się jak suflet.

Ale gdzie kryje się tu autoportret Seurata?

Obecność artysty na obrazie ukryta jest w ciekawej ramie na ścianie. Teraz jest słodka kwiecista martwa natura, która początkowo zawierała portret samego Seurata. Krążyły pogłoski, że wazon w oknie symbolizował samego artystę podziwiającego piękną damę. Ale jeden z ich wiernych przyjaciół poradził mu, aby zdjął portret, bo inaczej mogą dowiedzieć się o starannie skrywanej tajemnicy. Nawet do czasu wystawy obrazu w 1890 roku nikt nie wiedział o prawdziwej osobowości Knoblocha. Dopiero 130 lat po powstaniu obrazu (1888–1890) badacze odkryli, że artysta pierwotnie namalował swój portret w miejscu kwiatu.

Pierwszym właścicielem obrazu był słynny francuski krytyk, anarchista i marszand Felix Feneon, który ukuł termin „neoimpresjonizm”. Obraz znajduje się obecnie w Courtauld Institute of Art.