Kto naprawdę stworzył „myśliciela” lub „żałobnika” Rodina: prawdziwe znaczenie słynnych dzieł sztuki

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Każdy może łatwo zauważyć, że temat żałoby jest bardzo popularny wśród artystów. A często współcześni ludzie nawet nie wiedzą o historii pochodzenia niektórych obrazów lub rzeźb i ich prawdziwym znaczeniu.

„Portret Wenecji Stanley, Lady Digby” Van Dyck

Wygląda na to, że młoda kobieta śpi spokojnie. Niemniej jednak, kiedy flamandzki artysta Anthony van Dyck w 1633 r. próbował przekazać na płótnie całe arystokratyczne piękno Wenecji Stanley, Lady Digby, w rzeczywistości malował portret… dwudniowego trupa leżącego na łożu śmierci.

Zrozpaczony żalem odkrycie, że jego żona zmarła nagle w nocy, w wieku 33 lat, mąż Wenecji, sir Kenelm Digby, poprosił Van Dycka, nadwornego malarza króla Karola I, aby namalował jego zmarłą żonę przed „chirurgami i koronerami”. przybył."

Anthony van Dyck napisał Venice, Lady Digby na łożu śmierci w 1633 r. - dwa dni po śmierci kobiety we śnie

Van Dijk zabrał się do pracy, ignorując straszne zmiany zachodzące w ludzkim ciele po śmierci. Na bladej, uroczej szyi Wenecji narysował naszyjnik z pereł, a na krawędzi prześcieradła rozsypał płatki róż. Digby uważał, że obraz Van Dycka, który znajduje się obecnie w londyńskiej Galerii Sztuki Dulwich, jest ukoronowaniem twórczości artysty. Według niego ta „róża” wydawała się „blaknąć” nawet na pierwszy rzut oka i miała symbolizować śmierć jego żony.

Mimo że minęło prawie 400 lat, wciąż krążą pogłoski, że Digby, który był nie tylko dworzaninem i dyplomatą, ale także wynalazcą i alchemikiem, sam spowodował śmierć swojej żony. Niektórzy mówią, że dał Wenecji do picia mieszankę krwi żmii, dzięki której miał nadzieję zachować jej piękno. Inni uważają, że zabił ją w przypływie zazdrości – w końcu podobno kiedyś powiedział o słynnej rozwiązłości Wenecji, że „mądry i silny mężczyzna może zrobić uczciwą kobietę nawet z burdelu”. Co ciekawe, chociaż przeprowadzono sekcję zwłok, jej wyniki nie zachowały się.

Jednak Digby był zdruzgotany śmiercią Wenecji. Napisał do brata, że pośmiertny portret Van Dycka „jest jedynym stałym towarzyszem, jakiego teraz mam. Cały dzień stoi przed moim krzesłem i stołem… i całą noc przy łóżku. Kiedy pada na niego słabe światło księżyca, wydaje mi się, że naprawdę widzę ją martwą”.

Innymi słowy, według listu Digby'ego, mały obraz olejny Van Dycka, o powierzchni niecałego metra kwadratowego, stał się pocieszeniem i pocieszeniem dla pogrążonego w żałobie wdowca. Jeśli róża na obrazie jest rzeczywiście „godlem” przemijania życia, to sam obraz symbolizuje to, co można nazwać sztuką smutku.

Oprócz pomników nagrobnych w kościołach, które montowano głównie ku pamięci zmarłych, temat żalu w sztuce zachodniej przed epoką Van Dycka, w średniowieczu i w okresie renesansu, z reguły znajdował się tylko w religijnym malarstwo i rzeźby poświęcone tragicznej historii śmierci Chrystusa…

Pieta Michała Anioła w Bazylice św. Piotra

Oszałamiająca marmurowa pieta Michała Anioła w Bazylice Świętego Piotra jest jedynym dziełem rzeźbiarskim, jakie kiedykolwiek podpisał. Przedstawia zrozpaczoną Matkę Boską z martwym Chrystusem leżącym na jej kolanach. To chyba najbardziej znany przykład, ale jest wiele innych. Na przykład można wyróżnić obraz innego artysty z okresu renesansu i przyjaciela Michała Anioła, Sebastiano del Piombo. Według ekspertów z Galerii Narodowej obraz (nad którym del Piombo pracował z Michałem Aniołem) „Opłakanie nad zmarłym Chrystusem” (ok. 1512-1516) jest „pierwszym w historii wielkoformatowym pejzażem nocnym” i jego księżycowym niebem doskonale pasuje do ponurego nastroju.

Pieta Michała Anioła w Bazylice św. Piotra jest słynną wersją jednego z najczęstszych obrazów w katolicyzmie: żalu Matki Boskiej nad śmiercią syna

Oczywiście tradycyjny temat żałoby po Chrystusie został przedstawiony przez wielu znanych autorów w historii sztuki, od Giotta i Mantegny po Rubensa i Rembrandta. To tylko kilka z tysięcy artystów, którzy na przestrzeni wieków przedstawiali tę biblijną scenę w takiej czy innej formie. Rzeczywiście, sztuka żałoby stała się tak wszechobecna, że czasami ludzie zapominają, na co patrzą. Kurator nowej wystawy Rodina w British Museum opublikował niedawno artykuł sugerujący, że słynna francuska rzeźba Myśliciel powinna w rzeczywistości nazywać się Żałobnikiem. „Przyjrzyj się uważnie dłoni i podbródkowi” – powiedział Ian Jenkins, znawca sztuki starożytnej Grecji. - Gdyby ta osoba o czymś myślała, zakryłaby ręką podbródek w geście zamyślenia. Ale w tej rzeźbie ręka podtrzymuje podbródek. A w starożytnej Grecji był to gest żałoby”.

„Wyspa Umarłych” Arnolda Böcklin

Obraz olejny na drewnie Arnolda Böcklin „Wyspa Umarłych”, 1880. Jego fabuła oparta jest na starożytnej mitologii greckiej. Obraz zainspirował horror o tym samym tytule autorstwa Jacques Tourneur

Jeśli wpiszesz słowo „smutek” do wyszukiwarki internetowej dowolnego międzynarodowego muzeum, zwróci wiele wyników. Na przykład w Wielkiej Brytanii wyszukiwanie tego słowa kluczowego w witrynie Tate Gallery zwróciło 143 dzieła sztuki o tematyce smutku i cierpienia z różnych okresów.

Na przykład w XVIII wieku artyści zaczęli patrzeć na żal i smutek przez pryzmat dramatu Szekspira. Ulubionym tematem była śmierć córki króla Leara Cordelii. W XIX wieku oszałamiająco szczegółowy obraz Johna Everetta Millaisa Ofelia (1851-52), do którego modelka Elizabeth Siddal przez cztery miesiące codziennie pozowała przez kilka godzin dziennie w wannie, jest znanym i bardzo poetyckim wizualnym wyrazem żalu. Przedstawia duńską szlachciankę z Shakespeare's Hamlet, która oszalała z żalu z powodu zamordowanego ojca i utopiła się w strumieniu.

Myśliciel Rodina

Ian Jenkins z British Museum uważa, że Myśliciel Rodina powinien nazywać się Żałobnikiem, ponieważ postać oparła podbródek w zaciśniętej pięści - wyraźny znak, że osoba jest wycofana i pogrążona we własnym żalu.

Żal był bardzo ważnym tematem dla artystów w epoce wiktoriańskiej, kiedy popularna była złożona „kultura żałoby”. W swojej Art of Death (1991) historyk sztuki Nigel Llewellyn zauważa, że „imponująca wizualna kultura śmierci” była znakiem rozpoznawczym XIX wieku.

„Płacząca kobieta” Picassa

W XX wieku artyści kontynuowali tradycję swoich wiktoriańskich przodków, by w swoich pracach wyrażać smutek. Być może najlepszym przykładem jest Płacząca kobieta Picassa (1937), która jest związana z jego epickim obrazem Guernica z tego samego roku, namalowanym podczas hiszpańskiej wojny domowej w odpowiedzi na bombardowanie przez niemiecki samolot baskijskiego miasta. Guernica jest uważana przez wielu za ostateczny wyraz zbiorowego żalu XX wieku. Oczywiście istnieje wiele przykładów innych obrazów XX wieku, których tematem jest smutek. Na przykład można przywołać mały obraz Luciana Freuda, namalowany przez niego w 1973 roku - portret jego matki, zasmuconej śmiercią męża.

„Tryptyk” Francisa Bacona

Francis Bacon namalował w lewym panelu Tryptyku (sierpień 1972) swojego kochanka George'a Dyera, który popełnił samobójstwo

Tryptyk Francisa Bacona, który jest również dziś wystawiony w Tate, zdołał dotknąć zarówno osobistego, jak i publicznego smutku. Jeden z tak zwanych czarnych tryptyków Bacona został namalowany po samobójstwie jego kochanka George'a Dyera, którego wizerunek można zobaczyć w lewym panelu. Tryptyk jest więc niezapomnianym i bardzo osobistym świadectwem cierpienia malarza (który notabene przedstawia prawy panel).

Oczywiście dwie wojny światowe w XX wieku nie mogły nie mieć wpływu na sztukę. Krytycy sztuki twierdzą, że wojna wywarła głęboki wpływ na sposób, w jaki artyści przedstawiali żałobę, w porównaniu z XIX wiekiem. W przeciwieństwie do żałoby wiktoriańskiej, kiedy poszczególne rodziny przeżywały indywidualny smutek, niemal każda rodzina w Europie nagle ucierpiała.

Pomniki wojenne

Jedną z konsekwencji tego była oficjalna próba rządu, aby „stworzyć odpowiednią kulturę wizualną do żałoby”. Klasyczne, alegoryczne figury pogrzebowe, tak uwielbiane przez wiktorianów, wyszły z mody. Na ich miejscu pojawiły się pomniki wojenne, które podkreślały raczej wspólną ofiarę narodową niż utratę jednostek.

Cenotaph War Memorial niedaleko Whitehall w Londynie, zaprojektowany przez Edwina Lutyensa, jest archetypowym przykładem tego nowego podejścia: zamiast postaci ludzkich jest pusta trumna, którą można skojarzyć z dowolnym żołnierzem. Rodziny w żałobie mogą używać go jako uniwersalnego symbolu.

Taryn Simon wykonała instalację „Occupation of Loss”, w której wzięło udział 21 „zawodowych żałobników” z różnych kultur

Wszechstronność żałoby wciąż jest tematem poruszanym przez współczesnych artystów. Na początku tego roku amerykańska fotografka Taryn Simon otrzymała entuzjastyczne recenzje za instalację na żywo Occupation of Loss, wystawioną w podziemnej hali w północnym Londynie. Do pracy, której premiera odbyła się w Nowym Jorku w 2016 roku, Simon zaprosił 21 „zawodowych żałobników” z całego świata, m.in. z Albanii, Azerbejdżanu, Ekwadoru, Ghany i Wenezueli. Publiczność mogła posłuchać każdej z tych kobiet.