Ukryte znaczenia 9 znanych na całym świecie obrazów, z których Muzeum Sztuki Współczesnej Ameryki jest dumne

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Muzeum Sztuki Nowoczesnej, które znajduje się w Ameryce, jest nadal uważane za jedno z najciekawszych i najważniejszych do odwiedzenia. To miejsce, w którym można zobaczyć, jak tworzyła się historia malarstwa, jak powstawały nowe, często skandaliczne i prowokacyjne obrazy. Dziś opowiemy o dziesięciu najsłynniejszych dziełach sztuki, które są eksponowane w tym muzeum, a które do dziś podziwiają ludzie z całego świata.

1. Tonąca dziewczyna, Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein początkowo pracował w kubizmie i ekspresjonizmie abstrakcyjnym, zanim przeszedł do pop-artu, gatunku, w którym odcisnął swoje piętno. Jednym z najwybitniejszych dzieł Liechtensteinu jest Tonąca dziewczyna (znana również jako Secret Hearts lub mnie to nie obchodzi! Wolałabym utonąć).

Sposób rysowania oraz sposób wyrażania myśli, uczuć i przeżyć nadaje obrazowi wygląd komiksowej strony. Bohaterka pojawia się jako ofiara nieszczęśliwej miłości, która wolałaby utonąć niż zwrócić się o pomoc do ukochanego. Tonąca dziewczyna została opisana jako arcydzieło melodramatu i jest najsłynniejszym obrazem Liechtensteinu od czasów Boo-hoo! Od 1971 roku „Nie obchodzi mnie to!…” znajduje się w stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

2. Kochankowie, Rene Magritte

Belgijski artysta Rene Magritte jest najbardziej znany jako jeden z liderów wpływowego ruchu artystycznego XX wieku - surrealizmu. Ten obraz przedstawia męską postać w czarnym garniturze w objęciach kobiety ubranej na czerwono. Postacie całują się, ale, co ciekawe, przez woalki i to właśnie sprawia, że obraz jest sugestywny, jak wiele innych prac Magritte'a.

Istnieje kilka interpretacji Kochanków, w tym ten obraz naszej niezdolności do pełnego ujawnienia naszej prawdziwej natury, nawet gdy jesteśmy w swoich ramionach. Twarze ukryte przed wzrokiem ciekawskich to cecha charakterystyczna wielu obrazów Magritte'a. Kiedy miał czternaście lat, jego matka popełniła samobójstwo, utonęła. Zobaczył ciało matki w mokrej koszuli nocnej owiniętej wokół jej twarzy, a niektórzy spekulowali, że ta kontuzja doprowadziła go do pokazania ciemnych twarzy w swojej pracy. Jednak artysta temu zaprzeczył.

Do dziś „Kochankowie” są jednym z najpopularniejszych i najczęściej analizowanych dzieł Rene Magritte, co skłania do myślenia.

3. Boogie-Woogie na Broadwayu, Pete Mondrian

Abstrakcja geometryczna to forma sztuki abstrakcyjnej oparta na wykorzystaniu kształtów geometrycznych. Pete Mondrian ukuł termin neoplastycyzm dla swoich abstrakcyjnych obrazów, które zawierały prostą linię, trzy podstawowe kolory i neutralne odcienie: czerń, biel i szarość.

Zainspirowany siatką miejską Manhattanu (mapą ulic) i muzyką Broadway boogie-woogie, stworzył swoje ostatnie, ukończone dzieło sztuki, zatytułowane Boogie-Woogie na Broadwayu. Obraz uważany jest za szczyt reprezentacji artysty przy użyciu jego niepowtarzalnego stylu, na który składają się linie, kwadraty i kolory podstawowe. Symbolizuje kulminację jego stylistycznej innowacyjności i jest jednym z najwybitniejszych i najważniejszych dzieł w szkole abstrakcyjnego malarstwa geometrycznego.

4. Świat Christiny, Andrew Wyeth

Andrew Wyeth był jednym z najsłynniejszych amerykańskich artystów połowy XX wieku. Jego precyzyjne, realistyczne poglądy na życie na wsi stały się ikonami amerykańskiej kultury i podważyły charakter współczesnej sztuki w kraju, w dużej mierze abstrakcyjnej. Jego arcydzieło „Świat Christiny” jest jednym z najsłynniejszych amerykańskich obrazów połowy XX wieku. Obraz przedstawia kobietę leżącą na polu patrzącą na szary dom na horyzoncie.

Bohaterką tej pracy jest Anna Christina Olson, sąsiadka Wyeth w South Cushing w stanie Maine, która cierpiała na zwyrodnieniową chorobę mięśni, która uniemożliwiała jej chodzenie. Artysta zainspirował się do stworzenia arcydzieła, gdy zobaczył ją czołgającą się po polu, obserwującą, co dzieje się z okna. Choć podczas pierwszego pokazu nie poświęcono mu wiele uwagi, z roku na rok Christina's World zdobywała coraz większą popularność. Obecnie uważana jest za ikonę sztuki i jedno z najważniejszych dzieł amerykańskiego realizmu.

5. Dziewczyny z Awinionu, Pablo Picasso

Pierwotnie nazwany Le Bordel d'Avignon (burdel w Awinionie), to rewolucyjne arcydzieło jest uważane za jedno z najbardziej wpływowych obrazów XX wieku, ponieważ odegrało kluczową rolę w rozwoju zarówno kubizmu, jak i sztuki współczesnej. Było to radykalne odejście od tradycyjnego malarstwa europejskiego.

Picasso używał różnych stylów, aby przedstawić każdą postać na obrazie, a głowa kobiety podciągającej zasłonę w prawym górnym rogu była najbardziej surowym elementem kubistycznym. Obraz wzbudził kontrowersje nie tylko ze względu na radykalny styl, ale i fabułę. Po raz pierwszy został wystawiony na widok publiczny w 1916 roku, a jego nazwa została zmieniona, aby zmniejszyć jego skandaliczny wpływ.

Awinion w tytule utworu nawiązuje do barcelońskiej ulicy słynącej z burdelu. Tutaj po mistrzowsku przedstawił pięć nagich prostytutek w zawstydzający, konfrontacyjny sposób. Panienki z Awinionu uważane są za jedno z najważniejszych dzieł Pabla Picassa. Muzeum nabyło obraz za dwadzieścia cztery tysiące dolarów, a teraz jest jedną z jego kluczowych atrakcji.

6. Trwałość pamięci, Salvador Dali

Być może obraz „Trwałość pamięci”, który przedstawia stopiony zegar, który powoli topi się i wypływa z gałęzi i nie tylko, jest uważany za jedno z najbardziej popularnych i kontrowersyjnych dzieł Dalego. Według jednej wersji artystka łączy w sobie pojęcie twardości i miękkości, gdzie pierwszym jest rzeczywistość, a drugim rozum.

I wcale nie jest zaskakujące, że to dzieło sztuki jest bez końca poddawane wnikliwej analizie, ponieważ artysta nigdy nie zagłębiał się w szczegóły i znaczenie tkwiące w obrazie. Niektórzy historycy sztuki sugerują, że topiący się zegar jest nieświadomym symbolem względności przestrzeni i czasu, podczas gdy inni utrzymują wersję związaną ze śmiercią i rozkładem.

7. Gwiaździsta noc, Van Gogh

Van Gogh, cierpiący na chorobę psychiczną, został przyjęty do szpitala psychiatrycznego Saint-Paul w małym francuskim miasteczku Saint-Remy-de-Provence. I pomimo tego, że dzieło to zostało namalowane w środku dnia, oddaje noc, a raczej widok z okna gabinetu, w którym przebywał artysta.

Według jednej wersji „Gwiaździsta noc” uosabia prawdziwe zainteresowanie Vincenta astronomią. Badania przeprowadzone przez jedno z obserwatoriów wykazały, że zdjęcie przedstawia Księżyc, Wenus i kilka gwiazd dokładnie tak, jak w tę bardzo pogodną noc.

Obraz był bardzo analizowany przez różnych krytyków sztuki, którzy znaleźli w nim elementy symboliczne. Gwiaździsta noc to jeden z najbardziej rozpoznawalnych dzieł w historii sztuki zachodniej. Jest szeroko opisywana w kulturze popularnej, w tym w słynnej piosence Dona McLeana „Vincent”. Jest to zdecydowanie najbardziej legendarny obraz Vincenta Van Gogha, uważany za jedno z największych dzieł sztuki współczesnej i znajduje się w stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

8. Dziewczyna przed lustrem, Pablo Picasso

Pablo Picasso był jednym z najbardziej rozpoznawalnych i największych malarzy wszech czasów. Ten obraz przedstawia Marie-Teresę Walter, kochankę i modelkę legendarnego malarza w latach 1927-1935. Młoda Marie-Therese była jednym z ulubionych tematów Picassa na początku lat 30. XX wieku.

Obraz „Dziewczyna przed lustrem” przedstawia ją z jednej strony piękną i namalowaną, z drugiej strony jej twarz pociemniała, a ciało całkowicie straciło proporcje, zniekształcone i powykrzywiane.

Dzieło to znane jest z różnorodnych interpretacji. Niektórzy krytycy sugerują, że ten obraz uosabia opozycję zewnętrznego i wewnętrznego „ja” bohatera. Inni uważają, że maestro próbował przekazać i uchwycić przemijanie czasu i przemijanie życia na przykładzie swojego ukochanego modelu.

9. Puszki zupy Campbell (pomidor), Andy Warhol

Jedno z najpopularniejszych i najbardziej rozpoznawalnych dzieł pop-artu, Puszki z zupą Campbella, składa się z trzydziestu dwóch płócien, z których jedno na 32 odmiany oferowane przez firmę w tamtym czasie. Ten rodzaj sztuki doprowadził do tego, że pop-art stał się głównym ruchem artystycznym w Stanach Zjednoczonych. Brzydki styl i komercyjny motyw obrazu był początkowo obraźliwy, gdyż obraził technikę i filozofię abstrakcyjnego ekspresjonizmu, dominującego wówczas stylu w Ameryce.

Wynikający z tego kontrowersje wokół zasadności i etyki takiego obrazu, pozbawionego estetyki i mistycznych tendencji abstrakcyjnych dzieł ekspresjonistycznych, wywołały burzę oburzenia w amerykańskim świecie sztuki. To uczyniło Andy'ego Warhola wiodącym i najbardziej znanym artystą ruchu pop-artu, który wywarł ogromny wpływ na cały zachodni świat sztuki.

Kontynuując temat sztuki, poczytaj też o tym, o czym wciąż się mówi.