Jak 7 wielkich ekspresjonistycznych malarzy podbiło świat, których prace są doceniane na całym świecie: Munch, Kandinsky itp

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Twórczość artystów ekspresjonistycznych to tak trudna do rozwiązania tajemnica, a tworzone przez nich obrazy są tak wieloaspektowe i sprzeczne, że patrząc na nie jest miejsce na wędrowanie wyobraźni. Nacisk na kolory, łamane linie i podarte kreski to tylko niewielka część tego, co już od pierwszych sekund przyciąga uwagę widza, wciągając go w ekscentryczny świat sztuki, gdzie nie wszystko jest tak proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka bo każdy obraz ma swoją historię, a każdy artysta ma swój niezrównany i rozpoznawalny styl, który na wieki stał się wizytówką…

1. Edvard Munch

Edvard Munch, który nigdy nie był żonaty, nazywał swoje obrazy swoimi dziećmi i nienawidził rozstania z nimi. Mieszkając samotnie w swojej posiadłości pod Oslo przez ostatnie dwadzieścia siedem lat swojego życia, coraz bardziej szanowany i coraz bardziej odizolowany, otaczał się pracą, która sięga początków jego długiej kariery. Po jego śmierci w 1944 roku, w wieku osiemdziesięciu lat, władze znalazły za zamkniętymi drzwiami na drugim piętrze jego domu zbiór ponad tysiąca obrazów, cztery i pół tysiąca rysunków i prawie piętnaście i pół tysiąca grafik, m.in. a także drzeworyty, akwaforty, litografie, kamienie litograficzne, drzeworyty, miedziane tablice i fotografie. Jednak w końcowej ironii jego trudnego życia Munch jest dziś znany jako twórca jednego obrazu, który przyćmił jego ogólne osiągnięcia jako pioniera i wpływowego artysty i grafika.

Jego Krzyk to ikona sztuki współczesnej, obraz przedstawiający bezpłciowego, sękate stworzenie z twarzą płodu, szeroko otwartymi ustami i oczami w krzyku przerażenia, odtworzył wizję, która porwała go pewnego wieczoru w młodości, gdy spacerował z dwoma przyjaciółmi na zachodzie słońca.

W Ackley zajął się malarstwem pejzażowym, portretując wiejskie i wiejskie życie wokół siebie, najpierw w wesołych, a potem ciemniejszych kolorach. Powrócił też do ulubionych obrazów, tworząc nowe wersje niektórych obrazów.

W ostatnich latach życia artysta wspierał finansowo ocalałych członków rodziny i komunikował się z nimi listownie, woląc ich nie odwiedzać. Większość czasu spędzał samotnie, opisując cierpienia i upokorzenia swoich zaawansowanych lat. Kiedy podczas Wielkiej Pandemii zachorowała na prawie śmiertelną grypę, uchwycił swoją chudą, brodatą postać w serii autoportretów, gdy tylko mógł podnieść pędzel.

Ponadto namalował szereg autoportretów, na jednym z nich zatytułowanym „Między zegarem a łóżkiem”, z lat 1940-1942, na krótko przed śmiercią widz widzi, co stało się z mężczyzną, który, jak pisał, pozostał w tyle za „Tańcem życia”.

Zmarznięty i niezgrabny fizycznie, stoi wciśnięty między zegar dziadka a łóżko, jakby przepraszał, że zajmuje tyle miejsca. Na ścianie za nim były jego „dzieci”, jedno nad drugim. Jako oddany rodzic poświęcił dla nich wszystko…

2. Wassily Kandinsky

Jeden z pionierów abstrakcyjnej sztuki współczesnej, Wassily Kandinsky, wykorzystał sugestywną relację między kolorem a kształtem, aby stworzyć estetyczne przeżycie, które obejmowało wzrok, dźwięk i emocje publiczności. Uważał, że całkowita abstrakcja pozwala na głęboką, transcendentalną ekspresję, a kopiowanie z natury tylko zakłóca ten proces.

Wysoce zainspirowany tworzeniem sztuki, która przekazywałaby uniwersalne poczucie duchowości, wprowadził nowy język obrazkowy, który tylko luźno związany ze światem zewnętrznym, ale wiele wyrażał o wewnętrznych doświadczeniach artysty. Jego wizualne słownictwo rozwijało się w trzech etapach, przechodząc od wczesnych, przedstawiających płócien i ich boskiej symboliki do entuzjastycznych i operowych kompozycji, a także późniejszych, geometrycznych i biomorficznych, płaskich przedstawień kolorystycznych. Sztuka i idee Wasilija zainspirowały pokolenia artystów, od jego uczniów w Bauhausie po abstrakcyjnych ekspresjonistów po II wojnie światowej.

3. Egon Schiele

Ze swoim charakterystycznym stylem graficznym, obejmującym zniekształcenia figuratywne i śmiałe sprzeciwianie się konwencjonalnym normom piękna, Egon Schiele był jedną z czołowych postaci austriackiego ekspresjonizmu.

Jego portrety i autoportrety, palące studium psychiki i intymności jego modelek, to jedne z najbardziej uderzających i zapadających w pamięć dzieł XX wieku. Artysta, uderzająco płodny w swojej krótkiej karierze, słynie nie tylko z bogatej psychologicznie i erotycznie twórczości, ale także z intrygującej biografii: jego rozwiązły tryb życia naznaczony jest skandalem, rozgłosem i tragicznie wczesną śmiercią na grypę w wieku dwadzieścia osiem, trzy dni później, po śmierci ciężarnej żony, w czasie, gdy był na krawędzi komercyjnego sukcesu, który umykał mu przez większość jego kariery.

Egon był kluczową postacią w rozwoju ekspresjonizmu w malarstwie. Napisał fenomenalną liczbę autoportretów i wykonał ponad trzy tysiące rysunków. Jego prace często zawierają intensywne treści emocjonalne, oprócz szczerej eksploracji ludzkiego ciała. Pracował u boku innych kluczowych austriackich artystów epoki, Gustava Klimta i Oskara Kokoschki.

Krótka, ale owocna kariera artystyczna Egona, wyraźne erotyczne treści jego twórczości i oskarżenia o molestowanie intymne sprawiły, że stał się obiektem licznych filmów, esejów i spektakli tanecznych, a Muzeum Leopolda w Wiedniu posiada największą kolekcję dzieł Schielego: ponad dwieście eksponaty.

4. Marc Chagall

Prace Chagalla są przesiąknięte jego żydowskim dziedzictwem, często zawierają wspomnienia o jego domu w Witebsku na Białorusi i jego kulturze ludowej. Z reguły artysta zawsze powracał do tych tematów. Niektórzy twierdzą, że jego styl malarski po wojnie był bardziej powściągliwy, melancholijny, a nawet cofnięty w czasie do postimpresjonizmu, ale jak zawsze jego twórczość była zupełnie wyjątkowa, wykonana we własnym, niepowtarzalnym stylu. Mark w swojej karierze łączył elementy wielu szkół sztuki współczesnej, w tym kubizmu, fowizmu, symbolizmu, surrealizmu, orfizmu i futuryzmu. Jednak jego twórczość ujawniła głębsze poziomy dźwięcznej, lirycznej, emocjonalnej estetyki, muzyki i kultury, głębokie, wewnętrzne zrozumienie żydowskiego dziedzictwa.

W 1985 roku Chagall zmarł i został pochowany we Francji. W chwili śmierci pozostawił po sobie szereg obszernych kolekcji z różnych dziedzin i stylów sztuki. Prace Marka demonstrują mistrzowskie zrozumienie koloru i głęboki rezonans emocjonalny, co być może jest powodem, dla którego jego prace są nadal tak popularne.

Jego wkład w świat sztuki XX wieku to taki, o którym może się pochwalić niewielu artystów.

5. Paweł Klee

Paul był ambitny i idealistyczny, ale utrzymywał niski profil i spokój. Wierzył w stopniową, organiczną ewolucję wydarzeń, a nie wymuszanie zmian, a jego systematyczne podejście do pracy było echem tego metodycznego podejścia do życia.

Był głównie rysownikiem (nawiasem mówiąc, leworęcznym). Jego rysunki, czasem bardzo dziecinne, były bardzo precyzyjne i kontrolowane.

Klee był bacznym obserwatorem przyrody i żywiołów, co było dla niego niewyczerpanym źródłem inspiracji. Często zmuszał swoich uczniów do obserwowania i rysowania gałęzi drzew, układu krążenia człowieka i akwariów z rybami w celu zbadania ich ruchu.

Dopiero w 1914 roku, kiedy Paul wyjechał do Tunezji, zaczął rozumieć i badać kolor. Ponadto w studiach kolorystycznych zainspirowała go przyjaźń z Kandinskym oraz prace francuskiego artysty Roberta Delaunaya. Paul nauczył się od Delone, jaki kolor może być użyty w czysto abstrakcyjny sposób, niezależnie od jego opisowej roli.

Wpływ na artystę mieli także jego poprzednicy, tacy jak Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc i inni członkowie grupy Blue Rider, którzy wierzyli, że sztuka powinna wyrażać to, co duchowe i metafizyczne, a nie tylko to, co widać i namacalny.

Przez całe życie muzyka wywierała wielki wpływ, przejawiając się w wizualnym rytmie jego obrazów oraz w staccato akcentów kolorystycznych. Stworzył obraz bardzo podobny do sposobu, w jaki muzyk gra utwór muzyczny, tak jakby muzyka była widoczna lub słyszalna.

Dziedzictwo artystyczne Klee było ogromne, nawet jeśli wielu jego następców nie przytaczało otwarcie jego pracy jako oczywistego źródła lub wpływu. Już za życia Paula surrealiści odkryli, że jego pozornie przypadkowe zestawienie tekstu, abstrakcyjnych znaków i symboli redukcyjnych sugeruje, jak umysł w stanie snu rekombinuje odmienne przedmioty codziennego użytku, a tym samym daje nowe zrozumienie tego, jak nieświadomość ma władzę nawet nad rzeczywistością. przebudzenia …

Reputacja artysty znacznie wzrosła w latach 50., kiedy np. abstrakcjonistyczni ekspresjoniści mogli oglądać jego prace na wystawach w Nowym Jorku. Użycie znaków i symboli przez Pawła było szczególnie interesujące dla artystów Szkoły Nowojorskiej, zwłaszcza tych zainteresowanych mitologią, nieświadomością i prymitywizmem (a także sztuką samokształcenia i sztuką dzieci). Użycie koloru przez Klee jako ekspresyjnego środka wyrażania ludzkich emocji samo w sobie przyciągnęło również artystów preferujących bogatą paletę kolorów, takich jak Jules (Jules) Olitzky i Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Jako czołowa postać niemieckiego ruchu ekspresjonistycznego, Mark pomógł na nowo zdefiniować naturę sztuki. Ruch ekspresjonistyczny znany był z zainteresowania duchowością i prymitywizmem, a także z wykorzystywania abstrakcji. Franz włączył swoją miłość do teologii i zwierząt do swojej pracy, aby stworzyć alternatywną, bardziej duchową wizję świata. Portretował świat oczami zwierząt, którymi podkreślał nieprzychylnie oglądane aspekty nowoczesności. Ale jego późniejsze prace wykroczyły również poza formy przedstawieniowe w kierunku czystej abstrakcji, torując drogę następnemu pokoleniu artystów.

Choć jego kariera była krótka, jego ekspresyjne, linearne formy i symboliczne użycie koloru wywarły trwały wpływ na światy abstrakcji i ekspresjonizmu. Jednak takich artystów jak Jackson Pollock i Willem de Kooning można nazwać jego potomkami. Artyści ci byli inspirowani zdolnością Marka do wywoływania uczuć emocjonalnych poprzez jego zainteresowanie duchowością i prymitywnością, a także używanie żywych kolorów. Ekspresjoniści abstrakcyjni czerpali z wkładu Franza w tworzenie obrazów, które kładły nacisk na bardziej minimalistyczne, uogólnione formy, skupiając się głównie na ekspresji liniowej i kolorze.

Te nowe podejścia do ekspresjonizmu miały na celu podkreślenie osobistych zmagań artystów ze zmianami, które nastąpiły po zakończeniu II wojny światowej. Późniejsze pokolenia ekspresjonistów, takich jak malarze pola kolorowego, którzy doprowadzili ekspresjonizm do jego najbardziej minimalistycznego, uproszczonego stanu, można postrzegać jako potomków Marka i jego współczesnych. Rzeczywiście, Franz Marc, jako jeden z twórców niemieckiego ekspresjonizmu, odegrał kluczową rolę w zdefiniowaniu modernizmu w XX wieku i później.

7. Van Gogh

Ilustrujące przykłady szerokiego wpływu Van Gogha można zobaczyć w całej historii sztuki. Fauves i niemieccy ekspresjoniści pracowali bezpośrednio po Van Goghu i przyjęli jego subiektywne i inspirowane duchowo użycie koloru. Ekspresjoniści abstrakcyjni z połowy XX wieku używali szerokich, ekspresyjnych pociągnięć pędzla Van Gogha, aby pokazać psychologiczny i emocjonalny stan artysty. Nawet neoekspresjoniści z lat 80., tacy jak Julian Schnabel i Eric Fischl, mają dług wobec ekspresyjnej palety i pędzla Van Gogha.

W kulturze popularnej jego życie inspirowało muzykę i liczne filmy, w tym Lust for Life Vincenta Minnelli (1956), który bada niestabilne relacje między Van Goghiem i Gauguinem. W ciągu swojego życia Van Gogh stworzył dziewięćset obrazów i wykonał tysiącset rysunków i szkiców, ale w swojej karierze sprzedał tylko jeden obraz. Artysta nie miał własnych dzieci, a większość jego prac trafiła do jego brata Theo.

Kontynuując wątek wielkich malarzy, czytaj też o gdzie surrealista Joan Miró szukał inspiracjii który z poetów i artystów miał najsilniejszy wpływ na jego twórczość.