Jak rozwiązano zagadkę podwójnej aureoli Chrystusa na krzyżu z Santa Croce

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

W XVIII wieku. rodzą się innowacyjne techniki malarskie, związane z kształtowaniem się nowego światopoglądu sztuki religijnej. Szczególnej uwagi w tym zakresie wymaga praca Cimabue, któremu udało się stworzyć naprawdę wspaniałe krucyfiksy. Wcielenie i ofiara Chrystusa są teraz symbolicznie przedstawione na obrazie krzyża, który przedstawia ukrzyżowanego Zbawiciela, a po bokach - Dziewicę Maryję i Jana Ewangelistę. Na czym polega tajemnica podwójnej aureoli na krzyżu i dlaczego krytycy negatywnie zareagowali na odrestaurowanie dzieła?

O artyście

Dane biograficzne dotyczące Cimabue są bardzo nieliczne. Wiadomo, że urodził się we Florencji w 1240 r. w szlacheckiej rodzinie florenckiej. Rodzice wysłali syna na studia literackie do klasztoru Santa Maria Novella. Spotyka tu wielkich mistrzów bizantyjskiej sztuki mozaiki, którzy przybyli do Florencji, aby tworzyć dzieła sztuki. Po przejęciu umiejętności malarza Cimabue wkrótce wypracowuje własny styl, który różni się „zarówno stylem, jak i kolorem od jego mentorów” (Vasari).

Ukrzyżowanie Cimabue

Około 1270 r. tworzy drewniane Ukrzyżowanie kościoła San Domenico in Arezzo. A w tym dziele malarz genialnie przewyższa styl bizantyjski nie tylko w technice, ale także w przekazie emocjonalnym. Jego wizja tragedii na Kalwarii jest bardziej ludzka: zamiast zwycięskiego Chrystusa przedstawia cierpiącego Zbawiciela dźwigającego ciężar grzechu człowieka. W rzeczywistości Cimabue kładzie podwaliny pod wielkie innowacje Giotta i reprezentuje styl włoskiego renesansu. Później Cimabue tworzy drugi duży drewniany krucyfiks dla kościoła Santa Croce.

Praca została zlecona przez franciszkanów z katedry Santa Croce. Wyróżnia go sprytna konstrukcja: krucyfiks zbudowany jest ze złożonego układu pięciu głównych i ośmiu pomocniczych drewnianych desek. Wymiary krucyfiksu są bardzo symetryczne i proporcjonalne. Jest prawdopodobne, że wpłynęło to na geometryczne ideały relacji i zasady projektowania starożytnych Greków. Jest to jedno z pierwszych dzieł sztuki włoskiej, które różni się od późnośredniowiecznego stylu bizantyjskiego i słynie z nowinek technicznych i humanistycznej ikonografii.

Główny bohater muralu

Ciało zmarłego Chrystusa wisi na krzyżu, głowa pochylona jest do ramienia, a prawdziwa aureola zdaje się ją wspierać. Postać Zbawiciela ma kształt litery S (symbol cierpienia psychicznego), biodra i głowa są pochylone w lewo, a nogi w prawo. Ta forma postaci Chrystusa jest formą ukrzyżowania rozpowszechnioną w XIII-wiecznej sztuce włoskiej. Takie krucyfiksy tworzyły widoczny, zmysłowo-konkretny obraz ofiary zadośćuczynienia, odpowiadający zmienionym ideom religijnym epoki.

Na końcach belek poprzecznych po obu stronach wizerunek Jana i Matki Boskiej. Ich twarze są celowo wykonane przez autora ciemnymi kolorami, ponieważ noszą bolesny i smutny wyraz. Obaj pochylili głowy w kierunku Chrystusa i położyli je na rękach. Nawiasem mówiąc, wielkość i położenie tych dwóch postaci są zmniejszone w porównaniu z ikonografią bizantyjską. Cimabue zrobił to, aby skupić uwagę widza na męce Chrystusa.

Kolory do malowania

Ta praca wyróżnia się przede wszystkim jasnością koloru. Obca wszystkim dążącym do naturalizmu artysta aranżuje eksplozję kolorów, której zadaniem nie jest naśladowanie faktury drewna, lecz błyszczenie. Cimabue udało się osiągnąć mistrzowskie przetwarzanie kolorów. Średniowieczne kościoły z reguły malowano niezwykle kolorowo: z freskami na ścianach, malowanymi kapitelami i malowaniem złotą listwą. W malarstwie Cimabuego dominuje blada tonacja, z dużym kontrastem (we włosach i brodzie Chrystusa), które służą do podkreślenia rysów jego twarzy i podkreślenia głównych punktów. Nimbus Jezusa, obrzeże krzyża, tło dla wizerunków Jana i Marii pokryte są złotem płatkowym (wynika to z tradycji bizantyjskiej).

Obraz wykorzystuje główne kolory malowania ikon - czerwień, złoto i błękit. Krzyż pomalowany jest granatową farbą, symbolizującą niebo i wieczność. Ale ciało Chrystusa jest pomalowane na żółto-zielonkawe odcienie, pokryte jest półprzezroczystą tkaniną i jest bardzo wydłużone. Jego oczy są zamknięte, jego twarz jest pozbawiona życia i pokonana. Nagość podkreśla Jego wrażliwość i cierpienie. W Chrystusie wcieliły się dwie zasady – Bóg i człowiek. Cimabue przekazuje swoją ludzką naturę światłem, a boską - za pomocą aureoli.

Autorstwo i restauracja

Podczas pisania dzieła (1287-1288) pojawiło się wiele kontrowersji dotyczących prawdziwego autora. Ale dziś powszechnie wiadomo, że autorstwo należy do pędzla Cimabue.

Krucyfiks został zainstalowany w kościele Santa Croce pod koniec XIII wieku i pozostał tam do 1966 roku, kiedy rzeki Arno zalały Florencję. Tysiące dzieł sztuki zostało uszkodzonych lub zniszczonych; 4 listopada 1966 r. rzeka Arno szalała na dobre, w wyniku czego obraz został uszkodzony. Brudna woda zepsuła krucyfiks, miejscami farba została całkowicie zmyta. Krucyfiks stracił 60% swojej farby. Właściwie renowację rozpoczęto od jubilerskiej pracy, aby oddzielić warstwę farby od drewnianej podstawy, która wchłonęła wodę.

Niezbędne było również naprawianie farb tam, gdzie zostały bezpowrotnie utracone. Postanowiono jednak nie wypełniać przerw między malowanymi obszarami (dlatego białe plamy na obrazie są bardzo widoczne). Czy konserwatorzy mogli postąpić inaczej? Chęć zachowania tylko tego, co niewątpliwie należy do autora, została doprowadzona do skrajności podczas restauracji krucyfiksu i nie poszła na korzyść uratowanego dzieła. Zdaniem krytyka Waldemara Januszaka krucyfiks „powrócił po odrestaurowaniu w dziwnym stanie. Częściowo oryginalne dzieło sztuki, częściowo arcydzieło współczesnej nauki … Dzieło XIII wieku stało się hybrydą XX wieku”.

Podwójny cień halo

Podwójny cień z aureoli nad głową Chrystusa służy nie tylko jako znak Jego boskości, ale także materializuje przestrzeń, w którą wpisana jest postać Zbawiciela. Podobny efekt uzyskuje się poprzez wygięcie ciała: bogato zaakcentowany łuk, wyrażający nieznośny ból fizyczny i głębokie cierpienie psychiczne, tworzy przestrzeń między widzem a krzyżem.

Mural zawiera elementy typowe dla twórczości religijnej Cimabue (na przykład iluzoryczne przedstawienie fałd draperii, duża aureola, długie falujące włosy, ciemne, kanciaste twarze i dramatyczne wyrazy twarzy). Ale reszta „Ukrzyżowania” odpowiada surowej ikonografii XIII wieku. Wspaniałe malowidła ścienne ukazujące niewiarygodne cierpienie Chrystusa mają ogromne znaczenie w historii sztuki i wywarły wpływ na artystów od Michała Anioła, Caravaggia i Velazqueza po Francisa Bacona.