11 najdroższych amerykańskich dzieł sztuki sprzedanych na aukcji w ciągu ostatnich 10 lat

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Pierwsza dekada XXI wieku okazała się korzystna dla przemysłu artystycznego: najdroższy obraz świata sprzedano na aukcji za bajeczną sumę, stale rosnące zainteresowanie sztuką rdzennych ludów i mniejszości ponieważ trwały wpływ sieci społecznościowych na perspektywę estetyczną spełnił swoje zadanie, odgrywając jedną z głównych ról. Sztuka amerykańska nie była wyjątkiem, a niektóre z najcenniejszych arcydzieł ze Stanów Zjednoczonych przechodziły z rąk do rąk, ustanawiając nowe rekordy świata na aukcjach.

W XX wieku nastąpiła eksplozja kreatywności i innowacji w sztuce amerykańskiej, odzwierciedlona w jedenastu wymienionych tutaj arcydzieł. Chociaż niektóre z nich zostały umieszczone w działach sztuki współczesnej dużych domów aukcyjnych, każdy z nich przyczynił się do ogólnej reputacji i sukcesu sztuki amerykańskiej.

1. Normana Rockwella

Oryginalnie stworzona jako okładka dla Saturday Evening Post, scena garderoby Normana Rockwella szybko stała się ikoną kultową. W połowie XX wieku płodne ilustracje Normana pomogły ukształtować tożsamość narodową, a jako jedna z najstarszych i najbardziej lubianych drużyn baseballowych Major League, Boston Red Sox był niezawodnym sposobem na poruszenie serc nawet najtwardszych Amerykanów.

Ten obraz przedstawiający rozpoznawalnych graczy w baseball i opublikowany podczas emerytury legendy baseballu Teda Williamsa jest nadal aktualny, ponieważ uważany jest za obraz ponadczasowy. Obraz przedstawia debiutanta wywołującego sprzeczne emocje, ponieważ akcesoria Red Sox reprezentują poczucie triumfu i chwały, podczas gdy niezręczny przybysz nie może nie powodować uczucia niepokoju, a nawet zakłopotania. Głęboka emocjonalna reakcja wywołana pozornie prostym obrazem jest niewątpliwie powodem, dla którego obraz ten został wylicytowany w 2014 roku za oszałamiającą kwotę 22 milionów dolarów.

2. Edward Hopper

Jeden z najważniejszych i najbardziej wpływowych artystów XX wieku, Edward Hopper, wyróżniał się na tle współczesnych w uchwyceniu scen z codziennego amerykańskiego życia z emocjonalną, ale rażącą szczerością. Jest to zawarte w The East Wind Over Weehawken.

Mimo braku dramatyzmu i oczywistego piękna, obraz jest naładowany napięciem i emocjami, zwłaszcza ze względu na znak „Na sprzedaż”, który może oznaczać ruch do przodu i progresję, ale w równym stopniu wiąże się z trudnościami i walką, wywołując niejednoznaczne uczucia. W 2013 roku ta praca została sprzedana w Christie's za czterdzieści jeden milionów dolarów.

3. Georgia O'Keeffe

Nieustannie czerpiąc inspirację ze świata roślin, Georgia O'Keeffe przeniosła amerykańską naturę na zupełnie nową skalę. Zamiast rozległych pejzaży i szerokich perspektyw, jako temat swoich obrazów wybrała małe pąki lub pojedyncze liście, mając nadzieję, że nawet zapracowani nowojorczycy będą mieli okazję docenić piękno świata przyrody.

Jednym z kwiatów, który pojawia się na wielu obrazach O'Keeffe, jest ziele Jimsona (powszechny narkotyk), trująca roślina, którą odkryła w pobliżu swojego domu w Nowym Meksyku. Jej zbliżenia, przedstawiające delikatny, ale trujący kwiat, przemieniają groźne w piękno i zamrażają ulotność, czyniąc ją nieśmiertelną.

Pomimo intymnego podtekstu często przypisywanego jej kwiatowym obrazom, O'Keeffe upierała się, że są one hołdem dla piękna natury i że takie interpretacje były wynikiem własnych projekcji krytyki, a nie jej intencji. zaskoczenie i podekscytowanie publiczności w momencie, gdy został sprzedany za prawie czterdzieści pięć milionów dolarów, co czyniło go najdroższym dziełem artystki.

4. Marek Rothko

Choć na pierwszy rzut oka wydaje się to tak proste, że każdy z pędzlem i płótnem mógłby namalować nr 10 – jeden z najsłynniejszych obrazów Marka Rothko. W rzeczywistości praca ta reprezentuje umiejętności artysty zarówno w zakresie instrumentów, jak i techniki. Oleje zdają się błyszczeć nadprzyrodzonym blaskiem, który dodaje obrazowi energii i ruchu. Paleta barw przywołuje bezpośrednie skojarzenia z ciepłem, ogniem i namiętnością, a miejsca, w których żółć spotyka się z pomarańczem, a czerwień przechodzi w czerń, nasycone są obsesyjnym poczuciem nieznanego.

Kto wie, co motywowało jednego z anonimowych licytujących w Christie's, który bez żalu rozstał się z imponującą sumą osiemdziesięciu dwóch milionów dolarów, zdobywając „nr 10” do własnej kolekcji.

5. Andy Warhol

Po przedstawieniu takich postaci jak Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor i Marlon Brando prawie nieuniknione było, że artysta pop zwróci się do Króla Rocka, aby uzupełnić swój panteon amerykańskich ikon. Fascynacja Warhola kulturą popularną uczyniła Elvisa Presleya idealnym tematem jednego z jego charakterystycznych sitodruków. Nakładające się na siebie monochromatyczne obrazy filmowe i idea srebrnego ekranu odbitego w wypolerowanym tle przenoszą widza w świat Hollywood z lat 50. XX wieku, zapewniając niezapomniane wrażenia. Ten wygląd jest tak potężny, że został kupiony w Christie's w 2014 roku za aż 82 miliony dolarów.

6. Barnett Newman

W latach 1958-1966 Barnett Newman (Newman) stworzył serię czarnych pigmentów na otwartych płótnach. Ich prostota i symboliczna gra światła i ciemności ucieleśniają poczucie powagi i ogromu wywołane utratą brata przez artystę. Newman przełożył swój żal i troskę o śmiertelność na dzieła sztuki, które są szorstkie i napięte, a jednocześnie wyrafinowane i harmonijne.

Tytułowe nawiązanie do ognia zachęca widza do ujrzenia ruchu i pasji nawet w linearnej błyskawicy i monochromatycznej palecie. Kawałek z pewnością rozpalił ogień w sercu pewnego anonimowego oferenta, który kupił Black Fire I od Christie's w 2014 roku za 84 miliony dolarów.

7. Marek Rothko

„Pomarańcz, czerwień, żółć” – kolory takie jak na obrazie Marka Rothko przyciągają wzrok i emocje z wielu tych samych powodów, co nr 10. Jego ciepła paleta barw wydaje się emitować światło z oleju, a liminalne obszary, w których staje się jednym odcieniem różne, wymagają szczególnej kontemplacji. Jednak w przeciwieństwie do numeru 10, ten utwór emanuje witalnością i nie ma w sobie cienia, co wydaje się oznaczać koniec.

Niezliczona ilość lekkich pociągnięć tworzy różnorodne faktury, od niemal przezroczystych po bogatą opalescencję, co nadaje obrazowi uderzające poczucie głębi. W połączeniu z ogromną rozpiętością płótna, która ma prawie 8 stóp wysokości, daje to efekt otulenia widza intymnym szlakiem ciepła. Dlatego ta praca Rothko została wystawiona na aukcji w Christie's w 2012 roku za prawie osiemdziesiąt siedem milionów dolarów.

8. Edward Hopper

Chop Suei jest często uważany za najdoskonalszy obraz Edwarda Hoppera, ponieważ oddziałuje na wszystkie zmysły i zachęca widza do stworzenia w umyśle opowieści. Podobnie jak East Wind over Weehawken, Chop Suei skupia się na spokojniejszych momentach amerykańskiego życia, prezentując codzienną scenę szerokimi pociągnięciami pędzla i wyciszonymi tonami.

Zamiast fotograficznego realizmu, do którego dążyło wielu jego rówieśników, styl ten ewokuje efekt wspomnienia lub snu. Czarująca i tajemnicza scena ustanowiła rekord najdroższego dzieła Hoppera, gdy sprzedano go w Christie's w 2018 roku za prawie dziewięćdziesiąt dwa miliony dolarów.

9. Roy Lichtenstein

Na długo zanim została sprzedana w Christie's za dziewięćdziesiąt pięć milionów dolarów w 2015 roku, Pielęgniarka Roya Lichtensteina stała się ikonicznym dziełem amerykańskiej sztuki, ucieleśniającym wyzwanie pop-artu wobec tradycyjnej sztuki wizualnej. Wzorując się na współczesnych kampaniach reklamowych, komiksach i komercjalizacji, pop-art dał swoim odbiorcom nowy obiektyw, przez który można było zinterpretować otaczający ich świat i przekazywane przez nich komunikaty.

Praca Pielęgniarki zachowuje poczucie głębi i energii generowanej przez ogromne pole ręcznie wytłoczonych (a nie maszynowych) kropek, które tworzą twarz, rękawy i tło kobiety. W połączeniu z odważnymi liniami i kolorami, które składają się na resztę obrazu, obraz oscyluje gdzieś pomiędzy parodią, szczerością i ironią.

10. Jean-Michel Basquiat

Po otrzymaniu kopii Grey's Anatomy podczas rekonwalescencji po wypadku samochodowym, Jean-Michel Basquiat zainteresował się ludzkim ciałem, o czym świadczą obrazy, które stworzył jako dorosły. Czaszka to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów, który regularnie pojawia się w jego twórczości, symbol budujący pomost między życiem a śmiercią.

Przykładem tego jest jego praca „Bez tytułu”, w której jasne kolory i ostre, chaotyczne kreski kontrastują z zapadniętą, wyciszoną czaszką. Łącząc naukowe podstawy z miejskim stylem, obraz uosabia nowe podejście Basquiata do sztuki. Zostało to pokazane na wystawie Basquiat, która nie została nazwana jako jedyny eksponowany obraz, oraz w Sotheby's, gdzie obraz został sprzedany za sto dziesięć milionów dolarów w 2017 roku.

11. Andy Warhol

Podobnie jak Triple Elvis, Silver Car Crash Andy'ego Warhola wykorzystuje połączenie sitodruku i srebrnej farby, ale efekt jest zupełnie inny. Silver Crash podkreśla, że choć samochód może być esencją wolności, przemysłu i amerykańskiego snu, ma też zdolność powodowania śmierci, zniszczenia i katastrofy.

Kusząco makabryczny obraz rozbitego samochodu, powtarzany w kółko, oraz zniewalająco puste płótno obok niego, przykuły uwagę trzech niezwykle znanych kolekcjonerów sztuki: Gian Enzo Sperone, Charlesa Saatchi i Thomasa Ammana. Anonimowy licytator Sotheby's kupił obraz w 2013 roku za sto pięć milionów dolarów, najwyższą cenę, jaką kiedykolwiek zapłacono za Warhola.

Kontynuując temat - 10 zachwycających obrazów pejzażowych, które ładują widza najbardziej realną „wysublimowaną energią” i dają morze przeróżnych emocji.