7 arcydzieł Ermitażu, które warto zobaczyć w 2020 roku

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Naukowcy od dawna udowadniają, że sztuka ma korzystny wpływ na zdrowie człowieka, zmniejszając poziom lęku i stresu w organizmie. Dotyczy to zwłaszcza sztuk pięknych i kontemplacji piękna. Dlatego, aby rok 2020 był wypełniony korzystnym stanem ciała i ducha, warto odwiedzić Ermitaż i obejrzeć najsłynniejsze ekspozycje muzeum.

„Apostołowie Piotr i Paweł” El Greco

El Greco to jeden z najzdolniejszych i najbardziej oryginalnych artystów. Grek z pochodzenia, uczył się malarstwa we Włoszech w warsztacie wielkiego Tycjana. Techniki olejnej nauczył się od swojego idola, a także inspirował się artystycznymi technikami włoskiego manieryzmu. El Greco wyróżniał się wśród swoich kolegów oryginalnością dramatycznie wyrazistego stylu. W swoich portretach przywiązywał dużą wagę do charakterystyki psychologicznej. Na tym obrazie z Ermitażu artysta reprezentuje dwa różne typy ludzi. Po lewej Apostoł Piotr, który trzykrotnie zaprzeczył istnieniu Chrystusa. Jego twarz wyraża smutek i niepewność, a jego gesty zabarwione są skruchą i błaganiem. Apostoł Paweł, który, jak wiecie, pierwotnie był gorliwym prześladowcą chrześcijan, na obrazku pokazuje duchowy zapał w potwierdzaniu prawdy. Gesty rąk, które stanowią centrum kompozycyjne dzieła, wyrażają dialog, który łączy dwóch apostołów.

Siwowłosy Piotr, owinięty złotą szatą, przechylił głowę na bok. W lewej ręce trzyma swój symbol - klucz do Królestwa Niebieskiego. Pavel mocno przyciska lewą rękę do otwartego tomu na stole, prawa ręka unosi się w geście wyjaśnienia, patrząc wprost na widza. Św. Piotr i Paweł pojawiają się wielokrotnie w twórczości El Greco i są przedstawiani z uderzającą konsekwencją. Artysta zawsze pokazuje Petrę z siwymi włosami i brodą, często nosi żółtą szatę na niebieską tunikę. Paul jest zawsze lekko łysiejący, z ciemnymi włosami i brodą, w czerwonej szacie na niebieskim lub zielonym ubraniu.

„Pokutująca Maria Magdalena” autorstwa Tycjana

Maria Magdalena pokutująca to portret św. Marii Magdaleny Tycjana z około 1531 roku, z podpisem „TITIANUS” na naczyniu po lewej stronie. Według fabuły jest to kobieta z rozwiązłą przeszłością, która według Ewangelii (Łk 7,36-50) przyszła do domu Szymona faryzeusza, aby prosić Jezusa o przebaczenie. To kobieca postać, którą Tycjan przedstawia grubymi, skoncentrowanymi pociągnięciami i ciepłymi tonami. Paleta podkreśla niesamowite oczy nasączone kryształowymi łzami. Miedziany blond włosy, które pokrywają figurę, są niesamowicie napisane. Temat skruszonej Marii Magdaleny, wznoszącej oczy ku niebu, zyskał we Włoszech w XVI wieku wielką popularność wśród arystokratów, przywódców religijnych i zamożnej klasy średniej. Brak odzieży symbolizuje odmowę Magdaleny od biżuterii, złota i światowych hobby ze względu na wiarę w Chrystusa. Ponadto złote włosy i ogólna figura Magdaleny spełniają standardy renesansowej urody.

„Madonna Litta” Leonarda da Vinci

Obraz otrzymał swoją nazwę od mediolańskiej rodziny szlacheckiej, w której kolekcji znajdował się przez większą część XIX wieku. W 1865 roku rosyjski car Aleksander II zakupił płótno do Ermitażu, gdzie jest ono eksponowane do dziś. Ta praca przedstawia Madonnę karmiącą piersią Dzieciątko Jezus. Zwróć uwagę na brak efektu zjawy na tym obrazku. Wiele płócien Leonarda pokazuje tę samą cechę. Postacie osadzone są w ciemnym wnętrzu z dwoma łukowymi otworami, przez które widać górzysty krajobraz. Ciekawy szczegół: w centrum obrazu, w lewej ręce Chrystusa, znajduje się szczygieł, który jest symbolem męki Chrystusa.

Uczucie radości macierzyństwa w obrazie „Madonna Litta” jest szczególnie zachwycająco ukazane dzięki bogactwu samego wizerunku Maryi – tutaj znalazł swój dojrzały wyraz kobiecego piękna Leonarda. Delikatna, piękna twarz Madonny nadaje szczególnej duchowości półprzymkniętym oczom i lekkiemu uśmiechowi. Kompozycja obrazu uderza w uderzającą klarowność i doskonałość. Madonna z Dzieciątkiem była częstym motywem w sztuce chrześcijańskiej w średniowieczu i kontynuowana w renesansie.

„Gracz lutni” Caravaggio

Obraz powstał na zamówienie kardynała Francesco del Monte, który patronował artyście. Caravaggio przedstawił młodego człowieka zafascynowanego muzyką: jego spojrzenie jest pełne inspiracji, jego palce trzymają się strun. Postać młodzieńca w białej koszuli wyraźnie wyróżnia się na ciemnym tle. Ostre boczne oświetlenie i padające cienie nadają przedmiotom niemal wyczuwalną objętość i wagę. Umieszczone na obrazie przedmioty świadczą o wielkiej miłości artysty do otaczającego go świata, jego pragnieniu wiernego odwzorowania natury, oddania materialnej jakości każdego szczegółu. Na leżącym przed bohaterem zeszycie z lutnią widnieją początkowe nuty popularnego w XVI wieku madrygału „Wiesz, że cię kocham”.

Na miłość jako temat tej pracy wskazują także inne przedmioty. Na przykład pęknięta lutnia była metaforą miłości, która zawodzi. U zarania twórczości Caravaggio często nadawał młodym ludziom cechy kobiece, co było jednak typowe dla sztuki włoskiej końca XVI wieku. Ciekawe, że muzyk z obrazu z Ermitażu był często mylony z dziewczyną, a kompozycja nazywała się „Lutnista”.

„Dama w błękicie” Thomas Gainsborough

Jedno z najlepszych dzieł artysty – „Dama w błękicie” – zostało stworzone przez Gainsborougha w rozkwicie swoich twórczych mocy. Postać młodej kobiety w otwartej sukience z przezroczystej białej tkaniny delikatnie wyróżnia się na ciemnym tle. Jej pudrowe włosy są ułożone w dziwaczną fryzurę. Duże loki opadają na pochyłe ramiona. Świeżość młodzieńczej twarzy podkreślają półotwarte usta i ciemne oczy w kształcie migdałów. Lekkim ruchem prawej dłoni trzyma niebieski jedwabny szal. Odcienie szarawe, niebieskawe, różowawe i białe gdzieniegdzie są podkreślone jasnymi pociągnięciami i pomagają oddać elegancję i piękno modelki.

Śmiałość technik malarskich Gainsborough zadziwiała jego współczesnych. Tak więc Reynolds zauważył „dziwne plamy i cechy” na obrazach Gainsborougha, „które wydają się bardziej prawdopodobnym wynikiem przypadku niż świadomej intencji”. To właśnie ta nieakademicka tradycja jest jednym z największych osiągnięć Gainsborough. „Dama w błękicie” weszła do Ermitażu w 1916 roku z kolekcji A. 3. Khitrovo z woli.

Powrót syna marnotrawnego – Rembrandt Harmenszoon van Rijn

To arcydzieło sztuki biblijnej po raz kolejny potwierdza status Rembrandta jako jednego z najlepszych malarzy wszechczasów i największego ze wszystkich dawnych mistrzów w przedstawianiu scen biblijnych. Obraz Powrót syna marnotrawnego, ukończony przez artystę w ostatnich latach życia, przedstawia scenę z przypowieści Łukasza 15, 11–32. Według wybitnego krytyka sztuki Kennetha Clarke'a płótno jest jednym z najwspanialszych obrazów wszechczasów. Zgodnie z fabułą ojciec, podobnie jak patriarcha, kładzie ręce na ramionach ogolonego pokutnika i ubranego w znoszone ubrania. Jego oczy są prawie zamknięte. Akt przebaczenia staje się błogosławieństwem sakramentu niemal sakramentalnego.

To obraz o najwyższej duchowości, wolny od wszelkich anegdotycznych aspektów, w którym zatrzymały się wszelkie ruchy i działania. Scena pogrąża się w ciemności, jak tunel, z którego blado lśnią twarze ojca i jego najstarszego syna. Ich czerwone szaty nadają tej ciemności blask. Rembrandt wielokrotnie malował na temat syna marnotrawnego, ale w tej monumentalnej olejnej wersji doszedł do swojego najbardziej ekscytującego i – dzięki zestawieniu najstarszego i młodszego (marnotrawnego) syna – najtrudniejszego psychologicznie sformułowania.

„Taniec” Henri Matisse

„Taniec” to jedno z najsłynniejszych dzieł Henri Matisse'a – oda do życia, radości, fizycznego odrzucenia i symbol sztuki współczesnej. Utwór został zamówiony przez wpływowego rosyjskiego kolekcjonera Siergieja Szczukina w 1909 roku do dekoracji jego rezydencji. Ta artystyczna orgia, charakteryzująca się prostotą i energią, pozostawiła niezatarty ślad w sztuce XX wieku. Taniec został napisany u szczytu estetyki fowistów i uosabia emancypację tradycyjnych zachodnich tradycji artystycznych. Estetyczny wybór Henri Matisse'a do tego obrazu wywołał prawdziwy skandal w salonach artystycznych w 1910 roku. Śmiała nagość i szorstkie odcienie nadały obrazowi niezwykły jak na tamte czasy charakter, który w oczach niektórych widzów wydawał się barbarzyński.

Matisse użył tylko trzech kolorów do przedstawienia tego tańca: niebieskiego, zielonego i czerwonego. Zgodnie z tradycyjnymi skojarzeniami kolorystycznymi Fowistów, te trzy odcienie tworzą intensywny kontrast. Jednak celem Matisse'a nie było szokowanie publiczności. Wręcz przeciwnie, starał się zjednoczyć ludzi ze sobą iz naturą. Jak powiedział artysta: „Marzę o zrównoważonej, czystej i spokojnej sztuce, która pozwala uniknąć kłopotów lub rozczarowań”.