Jak Amazonka rosyjskiej awangardy podbiła Paryż i nie tylko: Natalia Gonczarowa

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Natalia Gonczarowa to wybitna rosyjska artystka, projektantka i pisarka. Zasłynęła na całym świecie dzięki swoim jasnym, soczystym i niezwykłym pracom, które łączą kilka stylów: od fowizmu i kubizmu po futuryzm i secesję. Znana była również ze swoich kostiumów i scenografii do baletu i teatru, które uderzały swoją wszechstronnością i niezwykłym jak na tamte czasy designem.

W ciągu pierwszych dwóch dekad XX wieku sztuka rosyjska wchłonęła nowe style i filozofię sztuki zachodnioeuropejskiej i wysunęła się na czoło kultury. Gonczarowa i jej mąż Michaił Łarionow swoją pracą i wysiłkiem organizowania wystaw i zespołów twórczych znaleźli się w centrum tej artystycznej rewolucji, która poprzedzała i towarzyszyła przewrotowi politycznemu w kraju.

Natalia urodziła się w Nagaevo w centralnej Rosji. Do końca XVIII wieku rodzina Gonczarowa straciła majątek na produkcji lnu. Słynny poeta Puszkin poślubił jednego z jej przodków, Natalię Gonczarową, po której została nazwana. Jej ojciec był architektem. Rodzina matki Natalii, rodzina Bielajewów, urodziła kilku księży i była znana jako mecenasi muzyki.

We wczesnych latach Natalia uczęszczała do gimnazjum w Moskwie. A w bardziej świadomym wieku, decydując się zostać artystką, wstąpiła do Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury (Moskwa), gdzie studiowała rzeźbę u Pavla Trubetskoya, który pracował w stylu Auguste'a Rodina. Opuściła studia trzy lata później, pomimo zdobycia srebrnego medalu i nie ukończenia dziesięcioletniego okresu studiów dla programu nauczania. Zbiegło się to z akceptacją malarstwa jako preferowanego środka wyrazu.

1. Kariera i mąż

W 1900 Gonczarowa poznała swojego przyszłego męża, Michaiła Larionowa. Poszedł też na studia, ale na wydział malarstwa. Jej decyzję o zajęciu się malarstwem poparł Michaił, jej zamiłowanie do gry światła i harmonii koloru w przyszłości stało się znakiem rozpoznawczym artystki.

Podobnie jak wielu rosyjskich artystów jej czasów, pierwsze lata XX wieku były okresem znajomości i akceptacji stylów, które rozwinęły się w stolicach Europy Zachodniej. W tym czasie pociągał ją impresjonizm i dywizjonizm, style kojarzone odpowiednio z Monetem i Seuratem. Oba style kładły nacisk nie na obraz obiektów stałych, ale na uchwycenie światła (koloru), które odbijało się od obiektu do oka. W rezultacie rysunek był zwykle luźny, a nacisk kładziono na kolor i pociągnięcia pędzlem. Doprowadziło to do świadomości farby, pociągnięć pędzla, tekstury i malowania na płótnie. Te dwa style były niezbędne do uwolnienia sztuki od czysto reprezentacyjnego charakteru. Artyści zaczęli zdawać sobie sprawę, że sztuka jest wyrazem estetycznym, inspirowanym wyglądem świata fizycznego, ale od niego niezależnym.

Kiedyś wielki rosyjski impresario baletowy Diagilew zorganizował włączenie kolekcji obrazów Gonczarowej i Larionowa do rosyjskiej sekcji Salonu Jesiennego w Paryżu. Ich włączenie na nowo powstałą coroczną wystawę nowej radykalnej sztuki (w tym samym 1906 roku zaprezentowano tam pierwszą grupę Fowów) świadczy o tym, że obaj artyści byli uważani za wzorców awangardowych tendencji swojego kraju. Przez następne dziewięć lat, przed emigracją z Rosji, Natalia brała udział w wielu ważnych wystawach, z których wiele zorganizowała wraz z Michaiłem. W tym okresie była także prezentowana na wystawie postimpresjonistycznej w 1912 zorganizowanej przez Rogera Fry'a w Grafton Gallery w Londynie, a także na wystawach osobistych w Moskwie i Sankt Petersburgu oraz na wystawie w Galerii Paula Guillaume w Paryżu z katalogiem słynnego krytyka Apollinaire'a.

2. Styl dystryktyzmu

Pół wieku poprzedzające wybuch wojny było okresem szybkiego rozwoju sztuk pięknych w Rosji. Natalia stała na czele tego ruchu.

Co zaskakujące, w jej twórczości manifestowały się jednocześnie trzy różne kierunki: regionalizm, neoprymitywizm i kubofuturyzm.

Pierwszym z nich jest oryginalny styl wymyślony przez Michaiła i szeroko badany przez Natalię.

Dystryktyzm był wówczas jednym z całkowicie abstrakcyjnych stylów sztuki zachodniej. Podobnie jak impresjonizm, regionalizm koncentruje się na promieniach światła odbitych od przedmiotów. Przestrzeń na obrazie promiennika nie jest mierzalna, ale jest atmosferą naładowaną energią nieskończonej liczby promieni świetlnych, pochodzących albo bezpośrednio ze słońca, albo, co bardziej prawdopodobne, promieni odbijających się tam iz powrotem od otaczających go obiektów fizycznych. Przewodnią zasadą jest czysto estetyczna, ponieważ kolory dobierane są ze względu na ich harmonię lub efekt wizualny.

Od ponad trzech dekad artystów fascynuje idea tworzenia sztuki niefiguratywnej, opartej na orkiestracji koloru. Jeśli muzyka jest całkowicie abstrakcyjna i jednocześnie nieskończenie ekspresyjna, to czy nie może istnieć sztuka posługująca się kolorem (zamiast dźwięku), która byłaby równie abstrakcyjna i ekspresyjna.

Zamiast fragmentarycznych, połączonych ze sobą form, jakie można znaleźć w kubizmie, seria Koty opiera się na długich, ciętych, kolorystycznych pociągnięciach. Dystryktizm był krótkotrwałym stylem, który zakończył się w 1914 roku. Franz Marc, związany z monachijskim Blaue Reiter (z którym Natalia wystawiała dwa lata wcześniej), podziwiał jej prace i pisał w sposób inspirowany dystryktyzmem, być może dzięki jej wpływom.

3. Styl prymitywizmu

Nieskrępowana i niespokojna, poszukująca nowych inspiracji, przez pewien czas w dużym stopniu polegała także na wczesnych malarzach kubistycznych, takich jak Pablo Picasso. Ten etap w jej twórczości trwał kilka lat i obejmował jej malarstwo inspirowane tradycją rosyjską.

Ale jej ilustracje do kilku tomów poetyckich Velimira Chlebnikova i Aleksieja Kruchenykha pokazały jej przywiązanie do starożytnych form sztuki rosyjskiej, takich jak ikony, freski religijne i drzeworyty. W 1913 roku dramatycznie zadeklarowała, że odwraca się od Zachodu, obdarzając współczuciem Wschodowi.

Na jednej z jej wczesnych wystaw zaprezentowano obrazy prymitywistyczne i kubistyczne, a na późniejszej, zorganizowanej przez jej męża, zaprezentowano ponad pięćdziesiąt prac Natalii. Inspirację do prymitywizmu czerpała z rosyjskich ikon i sztuki ludowej, zwanej inaczej popularnymi grafikami. Druga, późniejsza wystawa pomyślana została jako celowe zerwanie z europejskimi wpływami artystycznymi i stworzenie niezależnej rosyjskiej szkoły sztuki współczesnej. Wydarzenie okazało się kontrowersyjne, a cenzor skonfiskował religijno-tematyczne dzieło Natalii „Ewangeliści”, uznając za bluźniercze wystawienie go na wystawie „Osioł ogon”. Natalia i Michaił od dawna są prześladowani za swoje prace i sposób wyrażania siebie. Ale nawet w późniejszych pracach Natalii zauważalny jest wpływ rosyjskiego futuryzmu. Początkowo zafascynowana malarstwem ikon i prymitywizmem etnicznej rosyjskiej sztuki ludowej, Natalia zyskała sławę w Rosji dzięki swojej futurystycznej pracy (jednym z nich był obraz Rowerzysta).

Natalia i Michaił, malując swoje twarze hieroglifami i kwiatami, spacerowali po ulicach w ramach prymitywistycznego ruchu artystycznego. Sama Natalia od czasu do czasu nie bała się pokazywać publicznie półnaga z symbolami na piersi. Jako przywódcy moskiewskich futurystów prowadzili prowokacyjne wieczory wykładowe w tym samym duchu, co ich włoscy odpowiednicy. Ponadto Natalia napisała i zilustrowała kilka awangardowych książek.

Natalia jest członkiem awangardowej grupy Blue Rider od pierwszego dnia jej powstania (1911). Cztery lata później zajęła się opracowywaniem strojów baletowych i scenografii w Genewie. Wkrótce rozpoczęła pracę nad serią szkiców do baletu Diagilewa, ale niestety balet nigdy nie został zrealizowany.

Kilka lat później przeniosła się do Paryża, gdzie stworzyła szereg scenografii do rosyjskich baletów Diagilewa. Wystawiała również w Salon d'Automne i regularnie uczestniczyła w Salon des Tuileries i Salonie Niezależnych.

Natalia i Michaił współpracowali przy czterech imprezach charytatywnych w Moskwie. Oboje opracowali większość materiałów promocyjnych na to wydarzenie.

4. Styl neoprymitywizmu

Równolegle z Rayonizmem Natalia pisała w stylu, który obecnie nazywa się neoprymitywizmem. Było to zjawisko, które wcześniej miało miejsce we Francji i gdzie indziej i wydaje się być związane ze zmianą aspiracji politycznych, społecznych i kulturowych. W połączeniu z demokratyzacją myśli politycznej i społecznej często pojawiała się tendencja do odkrywania głębszego charakteru kultur narodowych poprzez inspirację do tradycyjnej sztuki ludowej lub chłopskiej. Ze względu na pochodzenie kościelne rodziny i młodość w wiejskiej posiadłości, Natalię pociągała tradycyjna sztuka religijna i ludowa jako część jej doświadczeń formacyjnych oraz jako sztuki wizualne jej rodaków. Był to okres, w którym inteligencja zaczęła postrzegać ikony (rosyjskie obrazy liturgiczne) jako ważne narodowe dziedzictwo kulturowe. Wielka wystawa ikon Romanowów zachwyciła wielu wrażliwych estetycznie ludzi.

Natalia od kilku lat pisze na tematy religijne, czując, że intensywnie religijne znaczenie i znaczenie ikon jest jednym z najważniejszych celów, jakie artystka chce uchwycić w swojej twórczości. Bogata kolorystyka, olśniewające efekty dekoracyjne oraz wysoce sformalizowany i stylizowany charakter ikon już zainspirowały ją do pracy.

To skłoniło ją do ucieczki w sposób niezwiązany z praktyką akademicką. Oprócz podkreślenia płaskich, dekoracyjnych walorów, czasami farba wydawała się rozpryskiwać na powierzchni lub była nakładana szybko dla spontanicznego efektu. Urok i naiwność, które wcześniej śpiewane były w malarstwie Henri Rousseau, pojawiły się w twórczości rosyjskiej artystki i, co dla niej bardzo ważne, zostały zapożyczone z lokalnych źródeł.

5. Styl kubo-futuryzmu

W latach 1913-1914 w malarstwie Natalii pojawił się kubofuturyzm, aspekty współczesnego wówczas kubizmu i futuryzmu. Kubizm był znany rosyjskim artystom poprzez publikacje, wystawy i kolekcje, takie jak kolekcje Morozowa i Szczukina. Kubizm był ambiwalentny wobec koloru na rzecz nowego poczucia rozdrobnienia struktury i spójności formy, co zaowocowało jednolicie ożywioną kompozycją, w której eliminowana jest relacja figura/podłoże.

Włoski futuryzm miał również zwolenników w Rosji w latach bezpośrednio poprzedzających I wojnę światową.

Jej futuryzm, podobnie jak Włochów, był pełen kolorów. Wrażenia ruchu powodowane były rytmicznymi powtórzeniami figur lub linii. Włączenie kolorowych słów lub fragmentów słów, jakby pochodziły ze znaków i części środowiska, przez które przechodziła osoba, dodatkowo przyczyniło się do tego postrzegania. Fale dźwiękowe były również sugerowane przez efekty rytmiczne, a czasem przez użycie notacji muzycznej.

6. Ostatnie lata życia

Resztę życia Natalia spędziła w Paryżu, uznawanym za ważnego członka społeczności artystycznej miasta. Nadal malowała, ale jej najbardziej znana praca dotyczyła scenografii. W tej dziedzinie zarówno ona, jak i Michael stali się światowymi gwiazdami. Natalia coraz bardziej utożsamiała swoją pracę z Francją. W 1936 roku ona i Michaił wzięli udział w ważnym międzynarodowym konkursie sztuki teatralnej, który odbył się w Mediolanie. Woleli wystawiać swoje prace w sekcji francuskiej niż sowieckiej, a kiedy zdobyli srebrny medal, to właśnie Francja do nich trafiła.

Po inwazji Adolfa Hitlera na Francję wiosną 1940 roku Natalia i Michaił znaleźli się pod okupacją niemiecką. W kolejnych trudnych latach oboje zdołali kontynuować karierę teatralną. Następnie wystawa ich stronniczych obrazów w Paryżu przypomniała publiczności o ich wybitnej roli w rozwoju sztuki współczesnej na przełomie wieków. Jak twierdzą niektórzy, ci dwaj artyści celowo wyprzedzili niektóre ze swoich prac, czasami o ponad dekadę, aby ugruntować swoją reputację jako pionierskich artystów.

Michaił doznał udaru, a sytuacja finansowa małżonków, która nigdy nie była szczególnie wygodna, stała się jeszcze bardziej niepewna. Przetrwali częściowo sprzedając swoje wczesne obrazy. Natalia cierpiała też na wiele dolegliwości fizycznych, w tym na ciężką postać artretyzmu, która uniemożliwiała rysowanie na sztalugach. Kontynuując demonstrowanie swojego oddania pracy, umieściła płótno przed sobą w równej pozycji, aby dalej manipulować pędzlem.

Ostatnią próbę scenografii teatralnej Natalia podjęła w 57 roku. Składał się z kostiumów i scenografii do serii baletów w Monte Carlo. Rok później zorganizowała ostatnią wystawę swojego malarstwa w Paryżu, pokazując około dwudziestu płócien inspirowanych rosyjskim wystrzeleniem satelity kosmicznego Sputnik.

Para wciąż była nękana problemami finansowymi. Dopiero sprzedaż znacznej części biblioteki i dzieł małżonków do Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie pomogła utrzymać ich wypłacalność.

Natalia zmarła na raka w Paryżu. Na jej nagrobku było po prostu napisane, że jest artystką i malarką. Śmierć Michaiła nastąpiła wkrótce potem. Został pochowany obok niej z tym samym napisem na swoim nagrobku.

Kontynuując temat malarstwa - sześciu światowych liderów, którzy zasłynęli nie tylko w politycejak również w art.