Komu Klimt zadedykował swoje mało znane portrety, wokół których wciąż krążą domysły i kontrowersje?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Niektóre portrety Klimta zyskały już status ikoniczny, na przykład jego portret Adele Bloch-Bauer, wykonany z elementami złota. Jednak zanim Klimt został szefem ruchu wiedeńskiej secesji w 1897 r., pisał w bardzo konwencjonalnym stylu, zgodnie z wymaganiami swoich klientów. Większość z przedstawionych poniżej prac to nieznane portrety Klimta, a przynajmniej znacznie mniej znane niż te, które bez wątpienia rozpoznają nawet osoby dalekie od sztuki.

Życie Gustawa było jasne i pełne wydarzeń. Nigdy nie siedział bezczynnie i stale doskonalił swoje umiejętności i kunszt, eksperymentując z takim czy innym kierunkiem i formą. Nic dziwnego, że w młodości otrzymał stypendium wiedeńskiej szkoły artystycznej, gdzie kształcił się jako malarz architektoniczny.

Wkrótce Gustav i jego brat Enrst, którzy marzyli, by pójść w ślady ojca i zająć się grawerowaniem, oraz przyjaciel Franz Machszm, postanowili współpracować. Dzięki temu do 1880 roku młodzi ludzie otrzymali wiele zamówień, które polegały na tworzeniu fresków specjalnie dla Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

Po tak ogromnym sukcesie otworzyli studio specjalizujące się w dekoracji wnętrz, w szczególności teatrów, dekorując je w całym Cesarstwie Austro-Węgierskim. A wiele z ich prac można tam jeszcze zobaczyć.

Pięć lat później powierzono im udekorowanie wiejskiej rezydencji cesarzowej Elżbiety, Villa Hermes pod Wiedniem (Sen nocy letniej). A rok później poproszono artystów o udekorowanie wiedeńskiego Burgtheater, uznając ich za czołowych dekoratorów Austrii.

Po ukończeniu prac artyści zostali odznaczeni złotym krzyżem służby Verdienstkreuz, a Klimtowi zlecono namalowanie widowni starego Burgtheater - dzieła, które przyniosło mu sławę na całym świecie.

Obraz ten, z niemal fotograficzną dokładnością, uważany jest za jedno z największych osiągnięć malarstwa naturalistycznego. W rezultacie Gustav otrzymał Nagrodę Cesarską i stał się modnym portrecistą oraz czołowym malarzem swoich czasów. Paradoksalnie to właśnie w tym momencie, gdy przed nim rozwinęła się bajeczna kariera artysty klasycystycznego, zaczął zwracać się ku radykalnie nowym stylom sztuki.

W ciągu kilku lat artystyczne trio rozpadło się. Franz chciał zająć się portretowaniem, co zrobił z pewnym sukcesem. Tymczasem zmieniony styl Gustava nie pozwolił im na wspólną pracę nad żadnym projektem. Ponadto Ernst zmarł w 1892 r., wkrótce po śmierci ojca.

Uderzony tą podwójną tragedią Gustav wycofał się z życia publicznego, koncentrując się na eksperymentowaniu i badaniu współczesnych stylów sztuki, a także stylów historycznych, które były ignorowane w ramach establishmentu, takich jak sztuka japońska, chińska, starożytnego Egiptu i mykeńska.

Wkrótce jednak rozpoczął pracę nad swoim ostatnim publicznym zamówieniem: obrazami „Filozofia, medycyna i orzecznictwo” dla Uniwersytetu Wiedeńskiego. Trzy z nich zostaną ukończone dopiero na początku XX wieku i będą ostro krytykowane za radykalny styl i to, co według ówczesnych obyczajów było nieprzyzwoitością. Niestety obrazy uległy zniszczeniu w czasie II wojny światowej, pozostawiając jedynie ich czarno-białe reprodukcje.

Artysta nie był osamotniony w sprzeciwie wobec ówczesnego austriackiego establishmentu artystycznego. W 1897 r. wraz z czterdziestoma innymi znanymi artystami wiedeńskimi opuścił Akademię Sztuk Pięknych i założył „Związek Artystów Austriackich”, lepiej znany jako Secesja, gdzie od razu został wybrany przewodniczącym. Choć Związek nie miał jasno sprecyzowanych celów ani poparcia dla pewnych stylów, sprzeciwiał się klasycznemu establishmentowi.

Na początku XX wieku artysta zrealizował Fryz Beethovena, który został zaprezentowany w wyniku czternastej separatystycznej wystawy w Wiedniu. Miała to być specjalna uroczystość ku czci słynnego kompozytora, dlatego objęła wiele inspirowanych nim dzieł, w tym polichromowaną rzeźbę stworzoną przez Maxa Klingera.

Mimo swojej popularności artysta wolał spędzać czas sam na sam ze sobą, własnymi myślami i pracą, lubił też spędzać lato z rodziną Flege nad brzegiem Attersee, gdzie oddając się inspiracji malował wspaniałe pejzaże.

Obrazy Gustava w Uttersee zasługują na osobną ocenę i są naprawdę godne podziwu, ponieważ większość z nich namalował patrząc przez teleskop.

„Złota faza” artysty została przyjęta z hukiem, zarówno przez publiczność, jak i przez krytyków. Wiele jego obrazów z tego okresu zostało stworzonych przy użyciu złota płatkowego, dzięki czemu każde dzieło jest wyjątkowe na swój sposób.

Pomimo tego, że artysta nie podróżował zbyt wiele, to właśnie wizyty w takich miejscach jak Wenecja i Rawenna zainspirowały go do stworzenia unikalnej złotej techniki z domieszką bizantyjskiego stylu.

Ponadto włożył wiele wysiłku we wspólną pracę nad stworzeniem projektu Pałacu Stocleta, który docelowo zostanie uznany za własność i jedną z głównych wartości historycznych modernizmu.

Oprócz tego Gustav namalował pięć obrazów przedstawiających damy świata ubrane w futrzane ubrania. Prace te pokazały jego entuzjazm i żądzę detalu, co szczególnie wyraźnie widać w przedstawieniu ubiorów i kostiumów. Niektóre z nich, tzw. ubrania modelarskie, stworzył specjalnie dla swojej ukochanej Emilii Flöge.

Jego sława pozwalała mu być wybrednym i wybiórczym, dlatego bardzo starannie dobierał swoje modelki, pracując sumiennie i skrupulatnie nad każdym portretem, wymagając od swoich klientów maksymalnego skupienia lub relaksu.

Bliżej roku 1910 Gustav ostatecznie porzucił swój złoty styl, tworząc w końcu ostatni obraz „Śmierć i życie”, który został zaprezentowany na międzynarodowej wystawie w Rzymie, gdzie zdobył pierwsze miejsce. Jednak mimo to artysta był z tego dzieła niezadowolony i dokładnie rok później zmienił tło ze złotego na niebieskie.

Po udarze i zapaleniu płuc Gustav zmarł dokładnie trzy lata po śmierci ukochanej matki. Został pochowany odpowiednio na terenie cmentarza Hetzing w Wiedniu, nie zdążył ukończyć większości swoich obrazów. Jego prace wyróżniają się często eleganckim złotym lub kolorowym zdobieniem, spiralami i lokami, a także fallicznymi formami służącymi do ukrycia bardziej erotycznych pozycji rysunków, na których opiera się wiele jego obrazów.

Historycy sztuki zauważają eklektyczny zakres wpływów przyczyniających się do charakterystycznego stylu Klimta, w tym inspirację egipską, minojską, klasyczną greką i bizantyjską. Inspirował się również rycinami Albrechta Dürera, a jego późniejsze prace charakteryzują się odrzuceniem wczesnych stylów naturalistycznych i wykorzystują symbole lub elementy symboliczne do przekazywania idei psychologicznych i podkreślania wolności sztuki od kultury tradycyjnej. Jednak każdy obraz, który stworzył, uważany jest za wyjątkowy, nawet te, o których niewiele osób wie.

Portrety Emilii Flege

W 1891 roku, kiedy ten obraz został ukończony, zawarto sojusz między rodzinami Klimtów i Flege. Brat Gustava, Ernst, poślubił siostrę Emily, Helene. Emily miała wtedy siedemnaście lat, Gustav dwanaście lat starszy i było to ich pierwsze spotkanie, które następnie doprowadziło do przyjaźni na całe życie. Trzy lata później namalował go ponownie, tym razem w określonym miejscu. Warto również zwrócić uwagę na fakt, że dzieło to było przeznaczone dla wiedeńskiego Burgtheater, a nie do rodzinnego salonu.

Portret Marie Breinig

Marie Breinig urodziła się w skromnych warunkach, ale wyszła za mąż za odnoszącego sukcesy biznesmena. To pozwoliło jej często odwiedzać wiedeńskie towarzystwo. Zaprzyjaźniła się z siostrami Flege i została klientką ich modnego salonu.

Pomimo tego, że wielu krytyków i historyków sztuki wiedziało o tym portrecie, nadal nie jest on dostępny do publicznego wglądu, ponieważ właściciele chcą zachować anonimowość. Ponadto jest to jedyny portret, jaki pozostał w pierwotnym posiadaniu rodu, który do dziś wisi w zamierzonym miejscu.

Portret nieznanej kobiety

Obraz został opisany jako „Portret nieznanej kobiety”, ale niektórzy interpretują tę panią jako Frau Heyman, ponieważ muzeum nabyło obraz od kolekcjonera dr Augusta Heymana w drodze zapisu. Jeśli spojrzysz na tło portretu, zauważysz proste i dość stereotypowe motywy kwiatowe, które zapowiadają zmiany stylistyczne, jakie za trzy lata wprowadzi separatysta Ver Sacrum.

Portret młodej dziewczyny w pozycji siedzącej

Mimo rozmiarów reprodukcji, ten portret jest w rzeczywistości bardzo mały: 14 na 9 cm i namalowany na drewnie, a nie na płótnie. Kompozycja przypomina portret Maryi (powyżej). Nieznana dziewczyna ubrana jest w modną sukienkę i patrzy wprost na widza. Masz pomysł, kto to może być?

Portret Heleny Klimt

Helen miała zaledwie dwa miesiące, kiedy zmarł jej ojciec, brat Gustawa. Gustav przejął opiekę nad dziewczynką i obiecał jej matce pomoc. Dziewczyna stała się dumą rodziny, a gdy dorosła, dołączyła do domu mody Floge, pomagając w administracji, księgowości i doradzając klientom. Ten portret jest zdominowany przez ostrą fryzurę dziewczyny, która jest następnie uzupełniona impresjonistycznym przedstawieniem jej białej bluzki Klimta w zaledwie kilku pociągnięciach.

Od niepamiętnych czasów życie i twórczość artystów było na ustach i umyśle wszystkich. Niektórzy są ubóstwiani, wznoszą się do nieba, inni są potępiani, oskarżając ich o wszystkie grzechy śmiertelne, a inni są dyskutowani, przypisując coś, co często w rzeczywistości nie istniało. Nie był wyjątkiem i Modigliani, wokół którego szalały niesłabnące namiętności ze strony społeczeństwa, która chce się dowiedzieć, co tak naprawdę łączyło go z Achmatową i co spowodowało śmierć Joanny Hébuterne.