Co w tym czasie zasłynęło z Caravaggia, Rembrandta, Velazqueza i innych barokowych artystów?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Historia malarstwa ma wiele wieków, stylów, form i kierunków. Jednak najbardziej znanym i popularnym z nich był i pozostaje barok. Malarze i twórcy tej epoki zachwycali się nowatorskimi pomysłami, kreowali nowe kierunki i pracowali w ciekawych i niepowtarzalnych stylach. Kim są najlepsi przedstawiciele tej epoki w świecie sztuki i co o nich wiadomo?

1. Caravaggio

Być może nigdy nie poznamy w pełni tajemnicy najpiękniejszych obrazów epoki baroku, ale spojrzenie na historię Caravaggia ujawnia niektóre z jego tajemnic. Jego życie było tragiczne do granic możliwości. Został osierocony wcześnie, stracił większość swojej rodziny w wieku dziesięciu lat podczas epidemii dżumy. A po tym, jak w 1599 roku był świadkiem brutalnej egzekucji młodej szlachcianki, zaczął malować mściwe kobiety odcinające mężczyznom głowy.

Michał Anioł stał się najsłynniejszym malarzem w Rzymie w 1600 roku i dał początek stylowi barokowemu oraz technice światłocienia. Ale kiedy nie pisał, otaczał się złodziejami, dziewczynami łatwej cnoty, pijaństwa, imprezowania i bójek.

Nie trzeba być znawcą symboli i kodów sztuki renesansowej, aby dostrzec przemoc w obrazach Caravaggia. Może posiadać rekord liczby odciętych głów, a jego praca religijna wywołała gniew Kościoła katolickiego, ponieważ wykorzystał zdezorientowany jako wzór dla Maryi Dziewicy.

Caravaggio wiedział, że jest niesamowitym artystą i nie wahał się krytykować swoich rywali. Jego współczesny Giovanni Baglione powiedział:.

Około 1600 roku w Rzymie Kościół katolicki był najważniejszym źródłem mecenatu dla artystów takich jak Caravaggio. Nie wahał się przesuwać granic sztuki, nawet jeśli obrażało to uczucia Kościoła. Jednym z najbardziej kontrowersyjnych posunięć artysty było wykorzystanie modeli z najbiedniejszych warstw ludności Rzymu, w tym złodziei, włóczęgów i prostytutek.

W 1601 roku Michał Anioł utracił zlecenie stworzenia obrazu Matki Boskiej dla kościoła Santa Maria della Scala w Rzymie, ponieważ wykorzystał słynny mylony jako wzór obrazu Matki Boskiej. Ale obraz, który zszokował katolików w Rzymie, znalazł uznanie poza Włochami. Później został przejęty przez angielskiego króla Karola I, a następnie wszedł do francuskiej kolekcji królewskiej.

Jego śmiałe i szczere obrazy religijne były bardzo pożądane, ale też znacząco różniły się od wcześniejszych stylów przedstawiania świętych. Cieszył się okrucieństwem męczeństwa, malując kilka różnych scen ukrzyżowania. Niektórym nie podobał się sposób, w jaki artysta przedstawiał świętych w naturalnym i ludzkim świetle. Inni uważali jego pracę za niegodziwą i wulgarną.

A kiedy w 1606 Caravaggio zabił człowieka, został zmuszony do ucieczki z Rzymu. Papież wymierzył mu karę śmierci, a Caravaggio zmarł cztery lata później bez papieskiego ułaskawienia.

2. Rembrandta

Rembrandt był największym malarzem holenderskim swoich czasów i jedną z najważniejszych postaci sztuki europejskiej. Liczne autoportrety, które malował przez całe życie, są rodzajem wizualnej autobiografii.

Urodził się 15 lipca 1606 w Leiden jako syn właściciela młyna. W 1621 rozpoczął studia u miejscowego artysty, aw latach 1624-1625 przebywał w Amsterdamie u Petera Lastmana, który odwiedził Włochy i wprowadził młodego artystę w światowe trendy.

Przez całe życie szukał siebie, za każdym razem próbując nowych technik i stylów. Jego kariera szybko szła w górę, po czym przekształciła się w tatary, pozostawiając po sobie szereg problemów i kłopotów, w tym bankructwo z konfiskatą majątku. Ale pomimo czarnej passy w życiu nadal otrzymywał rozkazy. Rembrandt interesował się rysunkiem i akwafortą, a także malarstwem, a jego grafiki były znane na całym świecie za jego życia.

Przez całą swoją karierę przyciągał studentów, którzy pełnili również funkcję jego asystentów. Ich twórczość była czasami bardzo trudna do odróżnienia od twórczości samego Rembrandta, ponieważ wszyscy dokładnie go naśladowali.

3. Bernini

Bernini dominował w XVII-wiecznym rzymskim świecie sztuki, rozkwitając pod patronatem swoich kardynałów i papieży oraz kwestionując nowoczesne tradycje artystyczne. Jego projekty rzeźbiarskie i architektoniczne ujawniają nowatorską interpretację fabuły, użycie form i łączenie mediów. Wytyczając drogę przyszłym artystom, odegrał kluczową rolę w tworzeniu dramatycznego i wymownego słownika stylu barokowego.

Jedno z jego arcydzieł, Ecstasy of Saint Teresa (wykonane z wielobarwnego marmuru), jest mistyczną postacią wstrząsaną fizycznie przez cudowną wizję. Wezwany do Francji przez króla Ludwika XIV do pracy przy Luwrze, Bernini na krótko opuścił Rzym. Chociaż jego plany architektoniczne zostały odrzucone, ukończył jednak popiersie portretowe Ludwika XIV (Zamek, Wersal), majestatyczne przedstawienie monarchy w dramatycznie powiewającym stroju, i wrócił do domu.

Pod rządami papieża Urbana VIII Bernini otrzymał pierwsze z kilku zamówień na Bazylikę Świętego Piotra - ogromny marmurowy, brązowy i złocony baldachim, który stał nad ołtarzem papieskim. Wkrótce potem przystąpił do stworzenia pomnika Urbana VIII, dzieła, które określiło ikonografię przyszłych papieskich pomników nagrobnych.

W późniejszych pracach Piotra Wielkiego, umieszczonych w absydzie otaczającej starożytny tron uważany za należący do św. Piotra, naturalne światło jest wzmacniane przez rozproszone złote promienie, tworząc boską oprawę, a święty przedmiot natychmiast przykuwa uwagę widza. Ostatnim dziełem Berniniego dla kościoła św. Piotra, rozpoczętym za papieża Aleksandra VII, był projekt gigantycznego placu prowadzącego do kościoła. On sam porównał owalną przestrzeń, wyznaczoną przez dwie wolnostojące kolumnady, do kościoła-matki wyciągającego ramiona, by objąć wierzących.

Zademonstrował również swoje umiejętności jako architekt w kościele Sant'Andrea Al Quirinale, a jego umiejętności inżynierskie pomogły mu stworzyć fontanny.

4. Velazquez

Dzieło Velázqueza jest powszechnie uważane za najdoskonalsze przedstawienie hiszpańskiego baroku. Tam, gdzie akcent przenosi się z renesansowych cech jasnego światła i perspektywy matematycznej, barok faworyzuje istotę człowieczeństwa, pokazując rzeczy tak, jak powinny być widziane. Rozwój światłocienia sprawił, że cień stał się tak samo ważny jak światło, w którym rzeczy mogą być ukryte lub wyróżnione, skontrastowane lub obnoszone. Ten efekt był często używany przez Velazqueza.

Jego wczesne wykształcenie jako ucznia Pacheco dało mu podstawy do włoskiego realizmu, który stał się główną cechą jego sztuki. W miarę jak jego styl artystyczny stał się bardziej samodzielny, skłaniał się bardziej ku naturalistycznemu spojrzeniu na rzeczy, na przykład w "Epifanii" odtwarza tę słynną scenę z członkami własnej rodziny, w przeciwieństwie do tradycyjnej Marii i Jezusa. Służy to uniwersalizacji sceny, czyniąc ją odpowiednią dla każdej rodziny.

Podczas podróży Velazqueza po Włoszech był pod silnym wpływem wielkich mistrzów Wenecji, co było szczególnie widoczne w jego użyciu koloru. Słynne „Maids of Honor” i „Surrender of Delirium” są tego dobrymi przykładami. Ten ostatni obraz trafił do sali tronowej króla Filipa IV, gdzie świętowano jego militarne zwycięstwa. Obraz jest tak poruszający, że Velazquez skupił się na ludzkim uczuciu, a nie na rozlewie krwi i agresji wojny. Twarz hiszpańskiego dowódcy Spinoli jest pełna współczucia, gdy holenderski fort ostatecznie poddaje się po czteromiesięcznym oblężeniu.

Włączył się w wiele swoich obrazów, zwłaszcza późniejszych. Podkreśla to nierozerwalny związek artysty z jego twórczością, a także wskazuje, że Velazquez uważał się za postać dość wzniosłą, a nie skromnego artystę.

Pracował na dworze królewskim, tworząc portrety króla i jego rodziny, a jego wybór malowania błaznów dworskich i krasnoludków przyczynił się do dalszych badań nad ludzką postacią. „Krzesień siedzący na podłodze” jest dobrym przykładem tego, jak Velazquez udowodnił, że każdy jest godny narysowania.

5. Rubensa

Rubens urodził się w Siegen w Niemczech w Westfalii. Jego ojciec, Jan Rubens, prawnik i radny Antwerpii, wraz z żoną Marią Pipelinx i czwórką dzieci uciekł z Niderlandów Hiszpańskich (dzisiejsza Belgia) w 1568 roku, aby uniknąć prześladowań religijnych za swoje kalwińskie przekonania.

Po śmierci Jana w 1587 r. rodzina wróciła do Antwerpii, gdzie młody Piotr Paweł, wychowany w wierze rzymskokatolickiej matki, otrzymał wykształcenie klasyczne. Jego edukację artystyczną rozpoczął w 1591 roku od praktykowania u Tobiasa Verhechta, krewnego i pejzażysty o skromnym talencie. Rok później przeniósł się do pracowni Adama Van Northa, gdzie pozostał przez cztery lata, dopóki nie został praktykantem u czołowego antwerpskiego artysty Otto van Veena, dziekana Gildii Artystów św. Łukasza.

Większość młodzieńczych dzieł Rubensa zniknęła lub pozostała niezidentyfikowana. W 1598 Rubens został przyjęty do cechu artystów w Antwerpii. Prawdopodobnie kontynuował pracę w warsztacie Van Veena przed wyjazdem do Włoch w maju 1600 roku. W Wenecji chłonął blask i dramatyczną ekspresję renesansowych arcydzieł Tycjana, Tintoretta i Veronese. Zatrudniony przez księcia Mantui Vincenzo I Gonzagę Rubens udał się do Mantui, gdzie jego głównym obowiązkiem było wykonywanie kopii obrazów renesansowych, głównie portretów dworskich piękności.

W październiku tego samego roku Paweł towarzyszył księciu do Florencji na ślubie siostry Gonzagi Marii de Medici z królem Francji Henrykiem IV, scenę, którą Rubens miał odtworzyć ćwierć wieku później dla królowej. Pod koniec pierwszego roku podróżował już po Włoszech ze szkicownikiem w rękach. Wykonane przez niego kopie renesansowych obrazów dają bogaty przegląd osiągnięć sztuki włoskiej w XVI wieku.

W sierpniu 1601 Rubens przybył do Rzymu. Tam nowy styl barokowy głoszony przez Annibale Carracciego i Caravaggia, Michała Anioła i Rafaela został szybko przyjęty przez Rubensa. Jego pierwsze większe rzymskie dzieło obejmowało trzy duże obrazy do krypty kaplicy św. Heleny w bazylice Santa Croce.

Rubens narzekał, że jest najbardziej zajętym i najbardziej zblazowanym człowiekiem na świecie, ale nadal wykonywał ważne zadania kościelne. Jego Adorację Trzech Króli dla opactwa św. Michała wieńczyły trzy monumentalne rzeźby własnego projektu.

Ponadto artysta nie zaniedbywał prywatnych mecenasów i zamówień. Po mistrzowsku przedstawił swojego lekarza i przyjaciela Louisa Nonniusa, swoją przyszłą synową Suzanne Fourment oraz synów Alberta i Nicholasa. Jego pejzaż z Filemonem i Bavkidem ukazuje w poetyckim tonie jego heroiczne i katastroficzne spojrzenie na naturę. A Infantka Izabela zamówiła u Rubensa obszerny cykl gobelinów „Triumf Eucharystii”, który jest bezprecedensowym przejawem barokowego iluzjonizmu.

Co tu dużo mówić, ale sztuka była, jest i będzie bezcenna przez wieki. I wcale nie dziwi fakt, że świat jest pełen ludzi, którzy chcą wprowadzić do swojej kolekcji ten czy inny obraz (najczęściej w sposób nielegalny). Ktoś popełnia przestępstwo dla pieniędzy, a ktoś po prostu próbuje rozbawić jego dumę, robi zdjęcia spod nosa strażnikom, nie pozostawiając śladów.