Spisu treści:
Wideo: Dlaczego obraz „Złożenie do grobu” był jedynym dziełem Caravaggia, które podziwiali krytycy i kościół?
2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15
Złożenie do grobu to jedyny obraz Caravaggia, który otrzymał jednomyślne uznanie krytyków. Ponadto jest to pierwsza praca, którą kościół przyjął bez zwłoki i korekt. Artyści tamtych czasów wielokrotnie kopiowali twórczość Caravaggia. Znanych jest co najmniej 44 egzemplarzy, z których jeden należy do Paula Cezanne'a.
Ocena społeczeństwa
Nawet najbardziej zagorzali krytycy (Ballione i Bellori) podziwiali „pozycję w grobie” Caravaggia. Z ukośną kaskadą żałobników i niosących ciało martwego Chrystusa, ten kontrreformacyjny obraz odzwierciedla zarówno rewolucję w malarstwie, jak i prawdziwą żałobę. Caravaggio jest jednym z najlepszych artystów wszechczasów dzięki ultranaturalistycznemu podejściu do sztuki baroku.
„Złożenie do grobu” jest równie tragiczne jak „Pieta” Michała Anioła, którą Caravaggio wyraźnie zainspirował i na podstawie której stworzył własne arcydzieło. Tak rozwinęło się życie barokowego artysty, że krytycy sztuki dowiadywali się o jego biografii ze źródeł policyjnych. Z tych dokumentów świat dowiedział się, że Caravaggio miał porywczy charakter, potrafił być okrutny dla innych, często był aresztowany i więziony za ataki. Caravaggio figuruje w aktach policyjnych dotyczących drobnych wykroczeń, takich jak noszenie broni bez pozwolenia, oraz poważniejszych wykroczeń, gdy brał udział w brutalnych walkach. Raz był nawet przesłuchiwany za znieważenie kobiety i jej córki! Nie do pomyślenia, żeby tak utalentowany malarz mógł zabić człowieka za zakład i spędzić kilka ostatnich lat swojego życia w ucieczce przed policją. Czy wszystkie te historie są prawdziwe? Więc pozostanie tajemnicą.
Bohaterowie
Obraz jest zwartą, figuratywną grupą sześciu postaci, w tym ciała zmarłego Chrystusa. Górną połowę ciała Chrystusa podtrzymuje Jan Ewangelista (w czerwonym płaszczu). Jego prawa ręka dotyka rany Chrystusa. Dolną połowę podtrzymuje św. Nikodem, który tradycyjnie usuwał gwoździe ze stóp Chrystusa na krzyżu. Nikodem jest postacią dominującą w obrazie, a jego ciało jest kompozycyjną i duchową kotwicą płótna. Nieustannie spogląda na widza z płaszczyzny obrazu, niemal zmuszając go do interwencji w rytuał. Dwaj bohaterowie grupy pogrążonej w żałobie ostrożnie niosą ciało Chrystusa do grobowca-jaskini, ledwo widocznej w ciemności po lewej stronie.
Za dwoma mężczyznami – matką Chrystusa, Marią, Marią Magdaleną ocierającą łzy białą chusteczką i Marią Kleofesową, która w geście beznadziejnego smutku wznosi ręce do nieba. Razem te trzy kobiety reprezentują różne, uzupełniające się wyrazy cierpienia. Tym dziełem Caravaggio stworzył uderzająco monumentalny i dramatyczny obraz, podkreślony wyraźnym światłocieniem.
Gesty bohaterów
Artysta umiejętnie oddał tragedię fabuły gestami bohaterów. Nie sposób nie zwrócić uwagi na gest Nikodema obejmujący nogi Jezusa. Albo św. Jan dotykający palcami rany Chrystusa. A oto Maria Magdalena błogosławi Chrystusa i wyciąga ramiona, by objąć całą grupę. Ważne jest, aby pamiętać: w pracy Caravaggia zawsze musisz zwracać uwagę na ręce. Ukrywają przesłanie artysty do najbardziej kulminacyjnych momentów. Zdecydowanie najważniejszym szczegółem fabuły jest wisząca martwa prawa ręka Chrystusa. Duże znaczenie miał kierunek rąk w „Nawróceniu św. Pawła na drodze do Damaszku” (do nieba), w „Powołaniu św. Mateusza” (do Lewiego). W tym samym dziele spadająca ręka Syna Człowieczego dotyka kamienia. A ręka zasmuconej Maryi wskazuje na niebo (woła o miłosierdzie). W pewnym sensie było to przesłanie Chrystusa: Bóg zstąpił na ziemię, a ludzkość pojednała się z niebem. Uniesione ręce Marii Kleofy przypominają podobny gest zgody św. Pawła. Jej twarz, jedyna po twarzy Chrystusa, jest w pełni rozświetlona i podnosi wzrok. A jej oczy wydają się szukać boskiej odpowiedzi na obecną sytuację.
Kompozycja i technika cieniowania
Jeśli w renesansie kompozycja ma stabilną formę piramidalną, to w sztuce barokowej są to przekątne, a czasem przecinające się przekątne w kształcie litery X. Kompozycja przekątna jest bardzo powszechną cechą sztuki barokowej. W Złożeniu do grobu Caravaggio zorganizował kompozycję tak, aby wydawało się, że ciało Chrystusa jest spuszczane bezpośrednio na widza. Jednym z najważniejszych zadań sztuki barokowej jest przyciągnięcie widza. Artysta daje widzowi szansę poczuć się w samym epicentrum religijnej fabuły. Ciało Chrystusa wygląda na naprawdę martwe, postacie walczą o utrzymanie ciężaru jego ciała i delikatne zanurzenie go w grobie.
Kolejną z głównych cech sztuki barokowej jest niszczenie bariery między przestrzenią widza a przestrzenią obrazu, przez co widz często czuje się współsprawcą akcji. Malarze barokowi często stosują skróty perspektywiczne. Tutaj także w „Miejscu w trumnie” wszystko jest bardzo blisko widza. To jest ciało Chrystusa – tak blisko, że można je poczuć, a nawet dotknąć. A bardzo blisko widza jest występ grobowca, który zatarł wszelkie granice i przeszedł w przestrzeń widza.
Jednym z kultowych momentów w twórczości Caravaggia jest ciemność. Mistrz zademonstrował całkowite opanowanie światła i ciemności, stosując technikę światłocienia, aby dodać objętości swoim postaciom i tenebrys, aby nadać swoim obrazom prawdziwy dramat. Później ten styl „karawagizmu” został skopiowany przez niektórych wielkich starych mistrzów, takich jak Rubens, Rembrandt i Vermeer. Caravaggio namalował tę scenę tak, jakby rozgrywała się w absolutnej ciemności, przy włączonych światłach postaci. Brak tła - tylko ciemność. Wrażenie jest bardzo dramatyczne. Bez architektury, bez pejzażu, dzięki czemu widzowi udaje się skupić na samych postaciach na pierwszym planie obrazu. W swojej lokalizacji zespół jest zwarty i monumentalny, niczym rzeźba. Lekko skośna recesja w lewo wskazuje kierunek ich przemieszczania się i zapobiega statyce fabuły, podobnie jak ostra krawędź kamiennego pokrycia grobowca, na którym stoją. Ta kamienna płyta ikonograficznie nawiązuje do Chrystusa jako fundamentu Kościoła.
Złożenie do grobu jest najbardziej monumentalnym i godnym podziwu ołtarzem Caravaggia, namalowanym dla kościoła Santa Maria in Vallichella w Rzymie. Artysta otrzymał zamówienie od Alessandro Vittrice w 1601 roku. Oryginał znajduje się obecnie w zbiorach Muzeum Watykańskiego, a kopia wisi w Kaplicy della Pieta. Pomimo zasłużonej sławy „geniusza zła”, Caravaggio był bez wątpienia największym ze wszystkich włoskich artystów baroku początku XVII wieku.
Zalecana:
Dlaczego sąd króla Salomona był uważany za najpiękniejszy na świecie, a on sam był uważany za niezłomnego grzesznika
Często słyszymy frazę „decyzja Salomona”, która stała się chwytliwym frazesem. Od niepamiętnych czasów wizerunek króla Salomona jako postaci w wielu legendach i przypowieściach sprowadza się do naszych czasów. We wszystkich legendach występuje jako najmądrzejszy z ludzi i sprawiedliwy sędzia, znany ze swojej przebiegłości. Jednak nadal istnieją kontrowersje wśród historyków: niektórzy uważają, że syn Dawida żył w rzeczywistości, inni są pewni, że mądry władca jest biblijnym zafałszowaniem
Dlaczego kościół był przeciwny manieryzmowi – stylowi, w jakim działali El Greco, Arcimboldo i inni?
Manieryzm to styl, który pojawił się w 1530 roku i istniał do końca wieku. Jego nazwa pochodzi od maniera, włoskiego terminu oznaczającego „styl” lub „manierę”. Znany również jako późny renesans, manieryzm jest postrzegany jako pomost między okresem wysokiego renesansu i baroku. Manieryzm przyjął ozdobną estetykę i zaadaptował ją jako ekstrawagancję. Najbardziej znani mistrzowie manieryzmu to El Greco, Parmigianino, Giuseppe Arcimboldo i inni. Dlaczego kościół nazwał Trident
Kto był jedynym człowiekiem, który potrafił rozśmieszyć królową Elżbietę II: książę Filip
Za nieco ponad dwa miesiące Wielka Brytania mogła świętować setne urodziny księcia Filipa. Ale 9 kwietnia 2021 jego serce przestało bić. Elżbieta II i książę Filip żyli razem przez prawie 74 lata, przeszli wiele kryzysów i procesów oraz występowali publicznie, wykazując niezmiennie jednomyślność we wszystkich sprawach. Media często nazywały go zbyt surowym i dosadnym, ale jaki on naprawdę był?
Dlaczego „Straż nocna” stała się ostatnim zleconym dziełem Rembrandta i przez co artysta zubożał
Nocna Straż Rembrandta to najsłynniejszy i najbardziej znaczący obraz w Holandii, a także najpopularniejszy portret grupowy epoki. Istnieje interesująca teoria, że płótno stało się dziełem, które doprowadziło do upadku i ubóstwa Rembrandta. Czy to prawda?
Nikołaj Czernyszewski: Dlaczego krytycy nazywają pisarza rebeliantów „jedynym optymistą XIX wieku”
24 lipca obchodzono rocznicę pisarza Nikołaja Czernyszewskiego - urodził się dokładnie 190 lat temu. Stosunek do jego twórczości w różnych epokach zmieniał się bardzo gwałtownie. Czasami stawiano go na równi z resztą rosyjskich klasyków, potem uznano go za znacznie mniej utalentowanego niż Lew Tołstoj, Fiodor Dostojewski, Anton Czechow i reszta „firmy”. A teraz Czernyszewski został całkowicie zapomniany przez wszystkich - w szkołach i na uniwersytetach na lekcjach literatury z reguły wspominają o nim tylko krótko, chociaż nie tak dawno powieść „Co robić?”