10 najlepszych filmów niemych Silent Era, które do dziś zachwycają

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Filmy te, mimo że od ich powstania minęło prawie sto lat, nie tracą dziś na atrakcyjności. Ranking 100 najlepszych filmów ery kina niemego, skompilowany z bezpośrednim udziałem widzów na wyspecjalizowanej stronie Silent Era, obejmuje romantyczne historie i horrory, filmy historyczne i melodramaty. W naszym dzisiejszym przeglądzie zapraszamy do zapoznania się z pierwszą dziesiątką najlepszych filmów niemych.

„Generał lokomotyw parowych”, USA, 1926 r

Film Clyde'a Brookmana i Bustera Keatona opowiada o wydarzeniach wojny domowej na Północy i Południu, ale nie chodzi o walkę. Podstawą jest realna sprawa porwania lokomotywy parowej, opisana przez jednego z uczestników wojny. Ten naprawdę genialny obraz zawiera kilka gatunków jednocześnie: komedia i western, dramat i przygoda. W rzeczywistości „Generał Lokomotywy Parowej” to opowieść o odwadze zwykłego człowieka. W filmie można zobaczyć wspaniały występ najlepszych aktorów epoki „wielkiego głupiego”: Bustera Keatona, Marion Mack, Glena Kavendera, Jima Farleya i innych.

Metropolia, Niemcy, 1927

Obraz Fritza Langa okazał się najdroższym w historii niemieckiego kina niemego i omal nie doprowadził do bankructwa studia, nie odzyskując wszystkich kosztów. Nawet dziś efekty specjalne i triki użyte w filmie robią wrażenie, a krytycy podkreślają znaczenie obrazu dla ewolucji i historii kina. Warto dodać, że Metropolis opowiada o odwiecznej walce dobra ze złem. Jednym z koneserów tego filmu był Adolf Hitler.

Wschód słońca, Stany Zjednoczone, 1927

Melodramat Friedricha Wilhelma Murnaua z Georgem O'Brienem i Janet Gaynor potrafi stopić nawet najtwardsze serce. Nieskomplikowana historia miłosna ukazana jest w taki sposób, że widz zdaje się przeżywać ją z bohaterami, płakać i śmiać się, współczuć i żywić urazę, a także przymierzać sytuację w ogóle, a w szczególności jej uczestników. Zrobienie tak wzruszającego filmu bez jednego słowa to najwyższa umiejętność reżysera i aktorów.

Światła miasta, Stany Zjednoczone, 1931

Komedia Charliego Chaplina, w której sam występuje jako aktor, reżyser, scenarzysta i producent, imponuje przede wszystkim skalą talentu twórcy obrazu. Prawdopodobnie tylko wielki Chaplin mógł sprawić, że komedia była tak wzruszająca, a zakończenie niesamowite z niesamowitą szczerością i życzliwością. Wszystko jest tak starannie narysowane na obrazie, nawet najdrobniejsze szczegóły i postacie, że widz może tylko zanurzyć się w tym obrazie i poczuć się jego częścią.

„Nosferatu, Symfonia grozy”, Niemcy, 1922

Niemy horror Friedricha Wilhelma Murnau do dziś zachwyca nieopisaną atmosferą słynnej opowieści Brama Stokera o wampirze z Transylwanii. Firma Prana Film, która nie uzyskała praw do sfilmowania utworu, została zmuszona do zmiany imion bohaterów i nazw miejsc, ale wdowa po pisarzu oskarżyła filmowców o naruszenie praw autorskich i zażądała zniszczenia wszystkich kopii filmu. film, który był wówczas dostępny. Ale zachowało się kilka kopii taśmy, a obraz dotarł do współczesnego widza.

„Gorączka złota”, USA, 1925 r

Kolejny film Charliego Chaplina, w którym wielki aktor grał główną rolę i występował jako reżyser, producent i scenarzysta. I znowu Chaplinowi udało się połączyć w swoim arcydziele jednocześnie kilka gatunków: przygodowy, komediowy, dramatyczny i filozoficzny. Pomysłowy twórca taśmy przekręcał ją 27 razy, zanim był zadowolony z rezultatu. Po raz kolejny udowodnił całemu światu i sobie: dla człowieka nie ma rzeczy niemożliwych.

„Pasja Joanny d'Arc”, Francja, 1928

Film duńskiego reżysera Karla Theodora Dreyera skondensował do jednego dnia historię trwającego cały rok procesu Joanny d'Arc. Reżyserowi udało się pokazać nie tylko dramat wydarzeń, ale także przekazać widzowi pojęcie prawdziwego, nie zdewaluowanego patriotyzmu, triumfu duszy i hartu ducha. W kadrze, przez większość czasu ekranowego, można obserwować zbliżenie twarzy Jeanne d'Arc, nie tracąc ani jednej emocji. Maria Falconetti zagrała w taki sposób, że po zakończeniu zdjęć trafiła do szpitala z załamaniem nerwowym.

„Gabinet dr Caligari”, Niemcy, 1920

Obraz Roberta Vine'a jest słusznie nazywany pierwszym pełnoprawnym horrorem. Od jego premiery minęło sto lat, ale „Gabinet dr Caligari” wciąż fascynuje atmosferą grozy. Na tej taśmie imponująca jest fabuła, według której troje młodych ludzi pada ofiarą iście potwornego eksperymentu, a także pozostawia niezatarte wrażenie absolutnie oszałamiającej gry aktorów w połączeniu z przestrzenią rozbitą i pomalowaną na niepokojące kolory.

„Pancernik Potiomkin”, ZSRR, 1925

Siergiejowi Eisensteinowi udało się nakręcić iście referencyjny film, w którym łączy się symbolika i abstrakcyjność scenariusza, zastosowano nowatorskie metody montażu, a idea jedności przewija się przez całą taśmę. Aby docenić film w jego prawdziwej wartości, trzeba go obejrzeć. Ostrożnie, od początku do końca. Nic dziwnego, że znalazł się w pierwszej dziesiątce najlepszych filmów wszechczasów i narodów i jest nazywany prawdziwym arcydziełem sztuki filmowej.

„Chciwość”, USA, 1924

Ten film Ericha von Stroheima trwa pełne cztery godziny, a w oryginalnej wersji trwał dwa razy dłużej. Dziś część utraconych kadrów zastąpiono wstawkami ze zdjęciami, ale geniusz obrazu docenią zachowane epizody. Film okazał się tak szczery i mocny, że po prostu nie można obok niego przejść. Pozostaje ona aktualna dzisiaj, ponieważ w całej swej bezstronności ukazuje ludzką chciwość, zdolną do skucia w kajdany duszy człowieka.

Dziś era kina niemego wydaje się naiwna i wręcz czarująca. Złoczyńcy słynnie podkręcali czubki wąsów, panie zawsze wpadały w tarapaty, ale w ostatniej chwili uratował je przystojny bohater. Nawet włóczędzy wydawali się dziwaczni i romantyczni. Ale za kulisami rozkwitający przemysł filmowy był dekadencki, a czasami zbyt wolny duchem.