W czym tkwi sekret pejzaży znanych artystów, którzy ładują widza „wysublimowaną energią”

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Wzniosłe obrazy pejzażowe to jeden z najtrwalszych i najbardziej kultowych tematów w historii sztuki: od sennych wież renesansu po wrzący romantyzm XIX wieku i eksperymenty nowoczesności, wszystko to wywołuje lawinę emocji, które wywołują westchnienie z zachwytem, rozpływając się w klimacie stworzonym przez artystę.

Termin „wzniosłość” został zdefiniowany przez filozofa Edmunda Burke w jego studium z 1757 r. na temat pochodzenia naszych idei wzniosłości i piękna. Burke nazwał również wzniosłość nie mniej niż najpotężniejszą emocją, jakiej może doświadczyć umysł - nic dziwnego, że artyści starali się przyjąć ten styl, aby przekazać piękno uchwyconej chwili.

1. Pieter Bruegel Starszy

Obraz Pietera Bruegla Starszego „Ucieczka do Egiptu”, 1563, uosabia wysublimowane malarstwo pejzażowe północnego renesansu, łącząc zapierające dech w piersiach krajobrazy z religijną narracją. Maleńkie figurki Maryi i Józefa spacerują po niebezpiecznym klifie na pierwszym planie, uciekając przed prześladowaniami w Betlejem. Krajobraz jest ściśle związany z ich historią, spowitą ciemnością i niebezpieczeństwem nieznanego. Bruegel starał się skontrastować obszary bezruchu i ruchu w tym zunifikowanym obrazie, malując skały i góry jako stałą i nieruchomą stałą w porównaniu ze stale płynącym ruchem wody, ludzi i ptaków. Ta równowaga przeciwieństw między ciemnością / światłem, kruchością / trwałością i bezruchem / ruchem odegrała ważną rolę w sztuce, gdzie wysublimowane malarstwo pejzażowe stało się jednym z najtrwalszych obrazów wszechczasów.

2. Filip Jakub Luterburg

Urodzony we Francji brytyjski artysta Philip Jacob Lutherburg namalował Lawinę w Alpach w 1803 roku, w czasie, gdy malownicze, ale niebezpieczne Alpy Francuskie były coraz bardziej popularnym uosobieniem wysublimowanego krajobrazu. Oprócz malarstwa Philip lubił teatr i dorabiał jako scenograf teatralny, którego rola pozwoliła mu wprowadzić na swoje płótna oszałamiający dramat poprzez jasne oświetlenie, głębię i ruch.

W jego malarstwie alpejskim odległe francuskie góry zaczynają rozpadać się w lawinę, „wyrzucając” przerażająco wielkie chmury kłębiącego się kurzu i dymu na scenę, zaciemniając niebo nad ich głowami. Błysk białego światła w centrum zwraca uwagę na maleńkie, przestraszone postacie ludzi, którzy dosłownie zamarli przed spadającymi wokół kamieniami. Fabuła tego obrazu jest zarówno piękna, jak i straszna, do tego stopnia, że widz stoi nieruchomo przez kilka minut, w skupieniu iz zafascynowaniem obserwując to, co się dzieje.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps, 1812, uosabia bolesne piękno epoki romantyzmu z potwornymi, zakrzywionymi chmurami burzowymi, które unoszą się nad małymi ludźmi poniżej. Obraz poświęcony Hannibalowi Barce, dowódcy armii Kartaginy w latach 200-100 pne, przedstawia żołnierzy Hannibala próbujących przeprawić się przez Alpy w 218 pne, z plemionami salatańskimi walczącymi z tylną strażą Hannibala.

Tutaj burza staje się potężną metaforą zagrażającej życiu walki, gdy czarne, ciężkie chmury tworzą przerażający, wirujący wir, który odpycha maleńkich, bezbronnych żołnierzy. W oddali słońce jest świecącą kulą czarującego światła, promykiem nadziei pośród tragedii wojny. Ale poza odniesieniami narracyjnymi, ten wysublimowany krajobraz Turnera jest ostatecznie odzwierciedleniem czystego, destrukcyjnego okrucieństwa natury, które grozi bezdusznym pochłonięciem ludzi poniżej.

4. Caspar David Friedrich

Jeden z najbardziej kultowych i wysublimowanych pejzaży wszechczasów, Wędrowiec nad morzem mgły z 1817 roku, niemieckiego artysty Caspara Davida Friedricha, ucieleśnia marzycielskiego, idealistycznego ducha europejskiego romantyzmu. Stojąc samotnie na wysokiej, ciemnej skale, męska postać kontempluje swoje miejsce we wszechświecie, gdy mgła wiruje nad odległymi dolinami i górami. Fryderyk oddaje tu wysublimowany krajobraz jako miejsce niegościnne i niezrozumiałe, odzwierciedlające dziewiętnastowieczny urok dzikiej, nieokiełznanej przyrody.

W przeciwieństwie do innych artystów epoki, którzy starali się tworzyć małe postacie, aby podkreślić wielkość krajobrazu, Friedrich nadaje swojej postaci centralną rolę, pozostawiając ją całkowicie anonimową, pozwalając w ten sposób widzowi zanurzyć się jak najbardziej w tajemniczym mglistym krajobrazie.

5. Karl Eduard Biermann

Góra Wetterhorn autorstwa Karla Eduarda Biermanna, 1830, uosabia wysublimowany styl krajobrazu niemieckiego artysty, z rozległym, nierównym terenem otoczonym dramatycznym oświetleniem teatralnym. Skalisty pierwszy plan jest starannie pomalowany na bogate, ciemne odcienie zieleni i brązu, co prowadzi widza do pasa drzew i skał, które znikają w czarnym cieniu. W tle epickie pasmo górskie jest oświetlone promieniem słońca, podkreślając jego lodowe iglice jako mistyczne i nieosiągalne miejsce, podczas gdy nad głową roją się chmury, jakby grożąc wybuchem burzy.

Jak wielu malarzy romantycznych, Birman podkreśla grozę, zaskoczenie i przerażającą skalę sceny, umieszczając na pierwszym planie dwie malutkie postacie, które pozwalają widzowi wyobrazić sobie siebie w miejscu głównych bohaterów, próbujących wspiąć się na nierówne skały i podmokłą trawę, podczas gdy jak wodospad omiata ich w odbiciach światła.

6. Arnold Böcklin

Jeden z najbardziej uderzająco wysublimowanych obrazów pejzażowych, jakie kiedykolwiek stworzono, The Isle of the Dead niemieckiego artysty Arnolda Böcklina, 1880, przedstawia wyimaginowaną wyspę wznoszącą się z morza na tle ciemnego nieba. Obraz został zamówiony przez wdowę, która poprosiła o obraz „do snu”. W odpowiedzi na jej prośbę artysta nadał swojej pracy ślady śmierci i żałoby. Na pierwszym planie upiorna biała postać płynie w kierunku wyspy w małej łodzi wiosłowej obok obiektu przypominającego trumnę.

Wioślarz jest porównywany do starożytnej greckiej postaci Charona wioślarza, który przewoził dusze zmarłych przez rzekę Styks do Hadesu. Wzdłuż wyspy ciągną się rzędy groźnych ciemnych cyprysów, tradycyjnie kojarzonych z cmentarzami, a za nimi poszarpane, świecące skały migoczą drzwiami i oknami grobów. W przeciwieństwie do wielu wysublimowanych krajobrazów, niesamowita cisza przenika scenę, nadając jej głęboką, tajemniczą atmosferę. Sam Böcklin nawet opisał pracę jako „tak cichą, że człowiek przestraszyłby się, gdyby usłyszał pukanie do drzwi”.

7. Edvard Munch

Edvard Munch stworzył Białą Noc w 1901 roku w swojej późniejszej karierze, w czasie, gdy porzucił figurację na rzecz nastrojowych pejzaży, ale ten sam wszechogarniający niepokój jego wczesnej sztuki pozostał. Ten wysublimowany pejzaż przedstawia jego rodzimą Norwegię w środku zimy, spoglądającą w dół przez groźnie ciemne drzewa na zamarznięty fiord. Las świerkowy tworzy postrzępioną krawędź, ostrą jak ostrze piły, a za nią ostrzeżenie przed niebezpiecznym lodem.

Czarne drzewa na pierwszym planie przypominają twarze lub upiorne stworzenia, ale są ledwo widoczne pod osłoną nocy. Łącząc wspaniałe światło księżyca z tymi cechami niebezpieczeństwa i zagrożenia, nocna zimowa scena Muncha uchwyciła wysublimowane piękno norweskiej zimy. Zastanawiając się, jak jego sceny krajobrazowe mogą łączyć obserwację z wewnętrznym umysłem, Edward napisał:

8. Axeli Gallen-Kallela

Jezioro Keitele autorstwa Akseli Gallen-Kallela, 1904, przedstawia słynne fińskie jezioro jako hipnotyzujące świetliste lustro przecinane zygzakowatymi prądami wiatru. Obraz został namalowany w czasie, gdy w całej Finlandii narastało pragnienie niepodległości. Ten wspaniały obraz pejzażowy, upamiętniający nieskażoną przyrodę tego kraju, stał się potężnym symbolem fińskiego nacjonalizmu i dumy. Choć nie ma tu śladów ludzkiego życia, to naturalne potoki ruchu widoczne przez wodę były dobrze znaną cechą jeziora.

Drogi te były tak dobrze znane historycznie, że w starożytnej fińskiej kulturze były kojarzone z mitologiczną postacią Väinämöinenem, o którym mówiono, że pozostawia fale podczas podróży po jeziorze. Te subtelne przedstawienia ruchu niosły ze sobą wielką nacjonalistyczną symbolikę Gallen-Kalleli, celebrując tajemnicze i enigmatyczne piękno starożytnej fińskiej kultury i jej bliskie związki z tym krajem. Opisał je tak:

9. Thomas Moran

Amerykański malarz Moran, jeden z liderów szkół Hudson i Gór Skalistych, był tak zafascynowany niebezpiecznie pięknym, dziewiczym krajobrazem Kolorado, że zanurzył się głęboko w okoliczne krajobrazy i atmosferę, gdzie przed nim niewielu odważyło się namalować więcej niż trzydzieści sceny przedstawiające ten wyjątkowy, wzniosły krajobraz.

Wielki Kanion Kolorado uchwycił wyidealizowany i romantyczny obraz Wielkiego Kanionu, w którym ostre skały spadają i znikają w świetle, po czym znikają w odległym horyzoncie, gdy nadciągająca burza nabiera tempa. Widzowie byli tak oszołomieni przedstawieniami Morana wielkiej amerykańskiej dziczy, że dziś przypisuje się mu wpływ na stworzenie systemu parków narodowych, który zachował integralność majestatycznego krajobrazu Ameryki.

10. Peter Doig

Kurtka narciarska szkockiego artysty Petera Doiga z 1994 roku jest zaporą śnieżnej energii i ruchu. Opierając się na fotograficznym obrazie uczniów narciarzy rozrzuconych po japońskiej górze, Doig celowo zniekształca i degraduje oryginalny obraz, przecinając go na pół pośrodku i łącząc je z powrotem, aby stworzyć niesamowity efekt lustra Rorschacha.

Doig jest dobrze znany z łączenia materiału fotograficznego ze znakami graficznymi, co pozwala na grę dwóch sprzecznych stylów, co widać na tym obrazie, gdzie starannie pomalowane drzewa są otoczone lekko ułożonymi paskami różu, bieli i zieleni. Te wodniste przejścia farby sugerują zimne, śliskie właściwości lodu i śniegu, które przenikają obraz i nadają mu niebezpieczną dwuznaczność, potęgując strach maleńkich narciarzy zmagających się ze zdradzieckim stromym terenem wokół nich.

Kontynuując temat, czytaj również o dzieła, z których hiszpańscy artyści są najbardziej doceniani na całym świecie i to był główny powód.