W czym tkwi sekret jednego z najbardziej tajemniczych obrazów Remedios Varo, który na aukcji ustanowił rekord świata

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

„Harmonia” to jedno z najbardziej tajemniczych i tajemniczych dzieł stworzonych przez Remedios Varo. To dzieło sztuki jest tak kontrowersyjne, że wielu ekspertów wciąż próbuje rozwikłać jego tajemnicę. Nic dziwnego, że wystawiony na aukcji obraz został sprzedany za ponad sześć milionów dolarów, ustanawiając tym samym nowy rekord świata.

Remedios Varo Uranga jest jednym z najsłynniejszych na świecie malarzy parasurrealistycznych XX wieku. Urodziła się w 1908 roku w małym miasteczku Angles w prowincji Girona w Hiszpanii. Jej wyjątkowa twórczość była wynikiem zmagań wychowawczych i życiowych, socjalizacji w świecie sztuki i filozofii, a także częścią jej niesamowitej wyobraźni.

Jej ojciec, Rodrigo Varo, był intelektualistą, który od najmłodszych lat pomagał Remedios rozwijać jej karierę artystyczną. W bardzo młodym wieku Rodrigo pomógł swojej córce rozwinąć umiejętności rysowania technicznego. Zachęcał też dziewczynę, by została niezależną myślicielką. Wprowadził córkę w świat nauki i fikcji, kupując jej książki przygodowe i naukowe, a także zachęcał do wczesnego myślenia filozoficznego córki, które rozwinęło się poza jej lata.

Jej matka, Ignatia Uranga, była pobożną katoliczką i była zdecydowana posłać córkę do szkoły klasztornej. Z tego powodu przyszły artysta rozwinął krytyczny stosunek do religii i sprzeciwił się ideologii religijnej. Ale ostatecznie Reme przyjął ideały uniwersalistyczne i liberalne.

Jako dziecko dziewczyna i jej rodzina często przenosili się z miejsca na miejsce: z Kadyksu przez Laras, Maroko i Madryt. Te przeprowadzki wprowadziły ją w różne kultury i poszerzyły jej światopogląd, co następnie znalazło odzwierciedlenie w jej twórczości.

W 1923 roku, podczas studiów w Madrycie, Reme stworzyła swoje pierwsze dzieło sztuki: namalowała siebie i całą swoją rodzinę.

W 1924 roku została studentką Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando, którą ukończyła z dyplomem nauczyciela rysunku sześć lat później. To właśnie w tej akademii zapoznała się z surrealizmem, ruchem kulturowym i filozofią, która zachęcała do uchwycenia prawdziwej funkcjonalności ludzkiej myśli bez kontroli rozumu i moralności. To właśnie w tamtych czasach surrealistyczne dzieła sztuki były używane do wyrażania ruchu filozoficznego.

Wraz z wybuchem hiszpańskiej wojny domowej została zmuszona do opuszczenia kraju i ucieczki do Paryża, a następnie do Barcelony. To właśnie w Paryżu była pod wpływem ruchu surrealistycznego.

Na sztukę Reme wpłynęli także jej pierwszy i drugi mąż. Jej pierwszy mąż, Gerardo Lizarraga, był znanym malarzem, a drugi, Benjamin Pere, był poetą surrealistą. W Barcelonie, gdzie poznała swojego drugiego męża, należała do grupy artystycznej Logicophobiste, dzięki czemu udało jej się pohamować wyobraźnię i przełożyć ją na sztukę. Później wróciła do Paryża, ale została zmuszona do ucieczki po aresztowaniu podczas nazistowskiej okupacji Francji.

Do Meksyku przeprowadziła się w 1941 roku i to właśnie tam artystka postanowiła odbyć nieznaną i piękną podróż wyobraźni.

W nowym miejscu zainspirowali ją lokalni twórcy i geniusze, tacy jak Diego Rivera, a także wygnańcy i emigranci, np. Jean Nicollo i Walter Grün. Grün, austriacka ofiara obozów koncentracyjnych w Europie, był wielką inspiracją dla przyszłego słynnego artysty. Zachęcił ją do pracy nad swoją sztuką i do 1949 roku styl Remedios dojrzał. Z jej stu czterdziestu dzieł sztuki sto dziesięć urodziło się w Meksyku.

Reme był nie tylko surrealistą, ale i anarchistą. Uważała, że państwo jest niepotrzebnym złem, które sprzeciwia się zachowaniu relacji międzyludzkich. Jej filozoficzne refleksje na temat państwa mogły być wynikiem jej doświadczeń życiowych w Europie. Ta filozofia znajduje odzwierciedlenie w jej izolacjonistycznym stylu artystycznym.

Feminizm był kolejną szkołą myślenia, która wpłynęła na styl artystyczny artystki. W czasie jej malarstwa surrealistycznego surrealiści płci męskiej nie postrzegali swoich kobiet jako utalentowanych. Stworzyło to środowisko, w którym artystki były izolowane. Nierozumiane talenty kobiet znajdują odzwierciedlenie w jej twórczości w postaci obrazów smutnych kobiet w odizolowanych i zamkniętych miejscach. Tak zareagowała na niesprawiedliwość kobiet w ówczesnym świecie sztuki.

Styl artystyczny Varo był wyjątkowy, inni opisywali go jako niepokojącego. W swojej sztuce uchwyciła zaskoczenie, a także nieoczekiwane zestawienia. Jej wyjątkowy surrealistyczny styl stał się znakiem rozpoznawczym, ponieważ głównymi bohaterkami jej prac były kobiety XX wieku. Wcieliła się w tajemnicze, samotne i mistyczne postacie zaangażowane w działalność naukową. Było to w dużej mierze spowodowane naukową pobłażliwością jej ojca w młodym wieku. Varo używała wyobraźni i koncepcji magii w swojej sztuce, a także androgyniczne symbole, które naśladują jej cechy fizyczne, takie jak duże oczy, orli nos i twarze w kształcie serca, często znajdują się w jej sztuce i przypominają jej własne rysy twarzy.

W sztuce wykorzystano także postacie autobiograficzne, które wydawały się być powstrzymywane przez nieznane siły. Była to reakcja na marginalizację kobiet w świecie sztuki, gdyż obnażała męski kompleks surrealistycznej męskiej wyższości. W jej pracach często spotyka się również wykorzystanie mitycznych stworzeń, alchemii, mglistych wirów i utopijnych pojazdów, które mogą przemierzać ląd, powietrze i wodę z żaglami, zębatkami i przekładniami reagującymi na wyższe energie. Niezwykła postawa jej sztuki odzwierciedla bierność, kontemplację, niestabilność i symbolikę. Ci, którzy dostatecznie uważnie przyjrzą się jej pracom, mogą uchwycić i docenić tę niesamowitą wyobraźnię.

Ale być może jednym z najwybitniejszych dzieł artysty jest obraz „Harmonia”. Ta praca pokazuje, jak nieświadomość ma kluczowe znaczenie dla tworzenia sztuki, a także dla integralności ludzkiej świadomości.

Pierwszą rzeczą, która przykuwa uwagę widza, jest postać androgynicznego alchemika-kompozytora.

Wyciąga ze skrzyni różne przedmioty: liście, kwiaty, muszle, przezroczyste geometryczne kształty i skrawki papieru z odręcznymi liczbami matematycznymi, które nawiązuje na stereoskopową partyturę muzyczną. Wyraz twarzy kompozytora sugeruje, że jest on roztargniony, jakby w półśnie. Ten półsenny stan umysłu pozwolił wyłonić się z tapety kobiecej postaci, która niezauważona przez kompozytora pomaga w rozmieszczeniu i dopasowaniu obiektów na partyturze muzycznej.

W swoich pracach Varo wielokrotnie wykorzystywała motyw nadprzyrodzonej postaci ludzkiej wyłaniającej się ze ścian, by wyrazić zaskoczenie nagłym objawieniem lub przełomem we wszechobecnym stłumieniu, np. w Renesansie, Wizycie w przeszłości, Pojawieniu się światła i Przodkowie (strach).

Ale w przypadku Harmonii postać ze ściany pojawia się ze spokojną i pełną wdzięku miną. Zamykając oczy, wypełnia świadomą pustkę umysłu i poprawia muzykę, która dla Varo jest częstym symbolem uczciwości.

Nieświadomość jest przedstawiana jako miękka praca umysłu, który cicho pracuje ze świadomością i w ten sposób dopełnia jej integralność.

W Harmony Reme zwizualizował wiele warstw nieświadomości i jej przecięcie ze świadomością. Kompozycja obrazu zaczyna się od pierwszego planu, gdzie kompozytor siedzi z postacią w ścianie, a następnie stopniowo obraz przenosi się w odległe głębiny, gdzie podobna postać w ścianie działa samotnie. Potem spojrzenie kieruje się na półkę z książkami w tle, łóżko, okna i czerwoną pustkę na zewnątrz, a potem z powrotem do drzwi, przez które wylatuje ptak, i płytek podłogowych, rozsuniętych przez tkaniny i rośliny.

Po pierwsze, postać w tle unosząca się ze ściany pracuje nad pozornie przerwaną twórczością kompozytora, ponownie reprezentującą niewidzialne funkcjonowanie nieświadomości, a także wiarę Varo w animizm, która odnosi się do pewnych nie-ludzkich istot, czy to zwierząt, roślin lub rzeczy, o których mowa. Wiele społeczeństw posiada cechy, które tradycyjna zachodnia lub euro-amerykańska racjonalność kojarzy wyłącznie z istotami ludzkimi, podkreślając duchowość wszystkich obiektów na świecie, nawet tapet.

Obok figurki na drugiej ścianie stoi regał i łóżko. Postawienie łóżka nad regałem z książkami może być postrzegane jako gra o relacji między świadomością a nieświadomością, gdzie cywilizacja i wiedza muszą wspierać sen, najbardziej oczywistą formę nieświadomości.

Podwójne świetliki wraz z czerwonym, zakrzywionym łóżkiem tworzą obraz oczu i ust twarzy, podkreślony na czerwono, co można interpretować jako nieświadomą zmysłowość ludzkiego umysłu.

Po prawej stronie pokoju znajdują się drzwi na zewnątrz, wypełnione brązowawą pustką, której mgła wkrada się do biura. Ptak, którego szaroniebieski kolor pasuje do wnętrza gabinetu, odlatuje w brązową mgłę, symbolizującą nieświadomość. Ten żywy kontrast kolorystyczny między wnętrzem a zewnętrzem można odczytywać jako skrzyżowanie różnych poziomów świadomości. Szara tapeta eksploracji, przedstawiająca jeden poziom nieświadomości, prowadzi dalej, na głębsze poziomy, reprezentowane przez brązowy obszar zewnętrzny. Kolejną wskazówkę dotyczącą gry Varo na różnych poziomach świadomości i nieświadomości wyraża czerwone krzesło umieszczone w prawym rogu pokoju, z gniazdem ptaków wyskakującym z poduszki na plecach.

Znowu widać wyraźny kontrast między czerwieniami i szarościami. Ptasie gniazdo na wyrwanej poduszce z tyłu dodaje kapryśnego uroku. Lokalizacja ptasiego gniazda jest nieoczekiwana i nienaturalna, ponieważ oparcie krzesła prawie nie jest tam, gdzie zwykle widać gniazdo. Ale cóż może być bardziej naturalnego niż to, co ptak znajduje tam, gdzie może zagnieździć się? Często zwierzęta wygodnie urządzają swoje mieszkania w przedmiotach porzuconych przez ludzi. Ten konkretny obraz jest interesujący w tym sensie, że wykorzystuje zwierzęce instynkty przetrwania jako reprezentację niewytłumaczalnych i nieuniknionych cech nieświadomości. Przedstawianie przedmiotów dzielących powierzchnie krzesła jako wyzwanie dla pojęcia przestrzeni to powracający w twórczości Varo temat, wywołujący lekki szok w umyśle widza i skłaniający go do potraktowania tej iluzji jako reprezentacji nieświadomości, podkreślając jej znaczenie w kształtowaniu integralnej ludzkiej świadomości.

Kolejną wizualizacją niedostrzegalnej egzystencji nieświadomości są kawałki szarego materiału, przypominające ten, który nosi figura na ścianie, wpełzające do biura spod kafli, obok kilku pędów roślin. Obraz roślinnych pnączy i tkanek bezgłośnie wdzierających się w przestrzeń świadomości może być niepokojący i niepokojący, ponieważ stwarza poczucie niewidzialnej i niekontrolowanej świadomości wiszącej nad świadomą częścią umysłu. Rola inwazyjnej rośliny odpowiada tapecie symbolizującej nieświadomość. Z jednej strony jest to niezauważalne dla kompozytora, który jest całkowicie skupiony na swojej świadomości i pozostaje poza głównym ogniskiem całego obrazu, z drugiej zaś demonstruje swoją niezaprzeczalnie znaczącą egzystencję, w milczeniu porywającą przestrzeń.

Nic dziwnego, że to enigmatyczne i prawdziwie mistyczne dzieło sztuki zostało niedawno sprzedane na aukcji za ponad 6 milionów dolarów, czyli więcej niż pierwotnie szacowany koszt 3 milionów dolarów.

W 1963 roku świat sztuki stracił ważny talent wraz ze śmiercią Remedios. Zmarła na atak serca, który wielu przypisuje nadmiernemu wysiłkowi. Mimo śmierci tej wspaniałej artystki jej prace nadal cieszą się uznaniem w Meksyku i Stanach Zjednoczonych. Choć Amerykę Łacińską uważa za jedynie tymczasową przystań, to tutaj rozkwitła jej kariera i tu oddała ostatnie tchnienie. Po jej śmierci Grün, jej partner w Meksyku, pracował nad tym, aby jej obrazy ujrzały światło dzienne. Kilka jej prac kupił na aukcji po jej śmierci i podarował je Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Meksyku w 1999 roku. Dzieło sztuki, które pozostało w warsztacie Remedios, renesansowa martwa natura została podarowana matce.

Można więc śmiało powiedzieć, że życie Remedios było przygodą, zarówno podróżniczą, jak i wyobraźnią, którą poprzez sztukę dzieli cały świat. Ci, którzy szukają bliższego spojrzenia, są w stanie zrozumieć jego linie i symbolikę. Pomimo tego, że nie ma jej tu dzisiaj, Remedios Varo nadal żyje swoją sztuką.

O tym, jak i ile są gotowi zapłacić za pracę, którą lubią, przeczytaj następny artykuł.