Dlaczego Caravaggio został nazwany „malarzem brudnych stóp”: najbardziej prowokacyjne prace mistrza

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-16 00:15

Widziałeś kiedyś nogi na obrazach Caravaggia? Zdecydowanie widziałem! Ale czy zwracali uwagę na to, jak przedstawiał ich Caravaggio? Prawie wszystkie odniesienia do jego bohaterów mają opis „brudnych stóp”. A najciekawsze jest to, że ich właścicielami są z reguły święci ludzie, bohaterowie świętych pism. Dlaczego Caravaggia został nazwany „malarzem brudnych stóp”?

O mistrzu

Michelangelo da Merisi, urodzony w Mediolanie, gdzie również został ochrzczony, większość dzieciństwa spędził w ultrakatolickim mieście Caravaggio. Wychowany i wykształcony zgodnie z wierzeniami katolickimi, młody Caravaggio kierował się w swojej pracy nauką swojego wuja kapelana, człowieka, który później polecił go kardynałowi del Monte w Rzymie, formułując w ten sposób swoją wizję świata inspirowanego pauperyzmem. Pauperyzm to masowa bieda, zubożenie mas z powodu bezrobocia, kryzysów ekonomicznych, wyzysku itp.

Ideologia „brudnych stóp” Caravaggia

Caravaggio zbudował ideologię, która zdecydowanie sprzeciwiała się wszystkim tym skutkom kontrreformacji, które uważał za zbyt dogmatyczne lub dalekie od potrzeb zwykłych ludzi żyjących w biedzie. Nic więc dziwnego, że bohaterowie jego płócien – nawet jeśli są to tematy święte – są bardzo podobni do zwykłych ludzi tamtej epoki. Brudny, biedny, głodny. Dla kontrreformatorów Rzymu (gdzie Caravaggio przeniósł się w wieku 20 lat) żebracy byli problematyczni, a nawet zbędni. A wszystko dlatego, że biedni nie interesowali się kościołem, ponieważ przywódcy religijni uważali ich za ignorantów chrześcijańskiej prawdy i dlatego uważano ich za grzeszników, a nawet przestępców. W Watykanie zaczęła aktywnie rozprzestrzeniać się ideologia pauperyzmu, która obejmowała nawet wpływowych kardynałów, którzy współpracowali z Caravaggiem lub patronowali mu.

Tak więc nagie, brudne stopy na świętych działkach Caravaggia są stopami tych, którzy wierzyli, że Jezus, syn Boży, stworzył człowieka i żył w ubóstwie. Są to stopy jego uczniów, przyjaciół, stopy matki Chrystusa, która miała jednocześnie boską i ludzką istotę. Nawet augustianie, którzy byli wówczas najbardziej wpływowym i kulturowym bractwem w Rzymie, dostrzegali w obrazach Caravaggia skromność i umiar, a także naturalność i naturalizm. Siła mecenatu artysty Caravaggia była ogromna, biorąc pod uwagę, że zawód artystyczny był wcześniej oceniany nisko. Bycie artystą to praca rękami, więc ten zawód został sklasyfikowany jako forma pracy fizycznej, rzemiosło, a nie sztuka wyzwolona, która jest własnością indywidualnych talentów. Kiedy Caravaggio malował boso świętych i męczenników, wspierał i jednoczył się z biednym skrzydłem Kościoła katolickiego. Nie tylko wyraźnie witał w swoich obrazach ubogich, sprawiając, że czuli się częścią tej samej zubożałej rodziny Chrystusa i jego wyznawców, ale także pośrednio zachęcał bogatych do pójścia za przykładem św. Franciszka (katolickiego świętego, założyciela żebraka jego imienia - zakon franciszkanów).

Skandaliczne dzieła Caravaggia

Obecność tych rażąco zainscenizowanych, brudnych postaci sprzeciwiała się wysokiej elegancji renesansu i manieryzmu. Kościół w tamtym czasie uważał te stopy za symbol ubogich i pokornych. Nic więc dziwnego, że księża nienawidzili ich wyglądu wraz z połatanymi ubraniami na obrazach przeznaczonych do dekoracji kościołów. Kościół nie przyjmował ubogich i potulnych i nie pozwalał im czuć, że ostatecznie są częścią społeczeństwa. Vincenzo Giustiani był wpływowym patronem i protektorem Caravaggia. To on prawdopodobnie pomógł Caravaggiowi napisać drugą wersję. „Święty Mateusz i Anioł” do ołtarza kaplicy Contarelli. Faktem jest, że Kościół odrzucił pierwszą wersję właśnie z powodu brudnych stóp świętego, jego nadmiernej prostoty. Przedstawianie świętego jako chłopa jest niesłychaną zuchwałością. Pierwsza odmiana została później przejęta przez Giustianiego.

Ukrzyżowanie św. Piotra to obraz Caravaggia, namalowany w 1601 roku dla kaplicy Cerasi kościoła Santa Maria del Popolo w Rzymie, razem z Nawróceniem Saula na drodze do Damaszku (1601). Obraz przedstawia męczeństwo św. Piotra. Zgodnie ze starożytną i dobrze znaną tradycją, Piotr, skazany na śmierć w Rzymie, zażądał ukrzyżowania do góry nogami, ponieważ uważał, że człowiek nie jest godzien zabicia w taki sam sposób, jak Jezus Chrystus. Obie prace Caravaggia wraz z ołtarzem Wniebowzięcia Marii Annibale Carracciego zostały zlecone do kaplicy w 1600 roku przez zmarłego wkrótce potem biskupa Tiberio Cheraziego. Oryginalne wersje obu obrazów zostały odrzucone z tego samego powodu, co Caravaggia - niespójności ikonografii - i trafiły do prywatnej kolekcji kardynała Sannessio.

Kolejnym odważnym dziełem Caravaggia jest Madonna z Loreto (1604). Przedstawia prostych i biednych pielgrzymów, którzy przylgnęli do drzwi Matki Boskiej. Zgodnie z kanonem Madonna di Loreto jest przedstawiona z Dzieciątkiem na rękach na dachu domu, uniesionego w powietrze przez anioły. Caravaggio oczywiście złamał wszystkie zasady. Obraz wywołał lawinę niezadowolenia z powodu niezwykłego wyglądu Madonny, ukazanego nie w niebiańskim blasku, ale stojącej przy zrujnowanej ścianie nędznego mieszkania (tak artysta przedstawił dom Matki Bożej w Loreto).

Dwóch pielgrzymów, klęczących plecami do widza, ukazani są z bosymi stopami: są symbolem ubóstwa, typowego dla twórczości Caravaggia. Żaden inny artysta nigdy nie przywiązywał tak wybitnego znaczenia do religijnej twórczości dwojga bohaterów na kolanach. To jedno z najlepszych dzieł Caravaggia, którego fabuła nie nawiązuje do tradycyjnej ikonografii, ale odtwarza realną sytuację. Zupełnie nowy jest pomysł namalowania wizerunku Madonny, która bardziej przypomina wieśniaczkę na progu rzymskiego domu, w bezpośrednim kontakcie z dwoma pielgrzymami w połatanych ubraniach i brudnych stopach.

„Madonna Różańcowa” lub „Madonna del Rosario” to kolejny żywy przykład ideologii Caravaggia. Obraz przeznaczony do ołtarza rodzinnej kaplicy kościoła dominikanów wyznaczał nowy etap w malarstwie artysty. Jednak ołtarza nigdy nie zamontowano w kaplicy. Po ukończeniu obrazu Caravaggio miał konflikt z mnichami dominikańskimi, którzy rozpoznawali się w przedstawionych postaciach, co nie odpowiadało tradycyjnym wyobrażeniom o malarstwie religijnym. I tutaj widzimy te same brudne stopy, w tej samej intrydze z niebiańsko czystą Dziewicą Maryją. Z listu młodego Petera Paula Rubensa do księcia Mantui z 15 września 1607 r. z Neapolu. „… Widziałem też coś wspaniałego, stworzonego przez Caravaggia, który jest tutaj wykonywany i jest teraz przeznaczony na sprzedaż… To dwa z najpiękniejszych obrazów Michała Anioła da Caravaggia. Jeden to Madonna del Rosario i jest wykonywany jako ołtarz. Inny to średniej wielkości obraz z półpostaciami - "Judyta zabija Holofernesa"…".

Caravaggio zrewolucjonizował historię sztuki na kilka sposobów: 1. Najpierw w niekonwencjonalny sposób tworzył wizerunki bohaterów – zapraszał ludzi z ulicy do swojego warsztatu i malował je bezpośrednio z natury. Caravaggio nie martwił się akademickim studium rysunku. Doprowadziło to do tego, że jego obrazy wyróżniały się uderzającym realizmem w najdrobniejszych szczegółach: na przykład, jeśli „gość” zaproszony z ulicy miał brudne paznokcie, Caravaggio ucieleśniał je na płótnie. Nawet jeśli był to wizerunek świętego. Drugą ważną innowacją Caravaggia było zastosowanie światła. Z tego jest najbardziej znany. Używał światła, aby uchwycić formę, stworzyć przestrzeń i dodać dramaturgii codziennym scenom.